Over the past two decades, Rana Begum has developed a distinct visual language rooted in repetition and abstraction. Drawing on the history of geometric abstraction—as well as the practices of artists such as Agnes Martin, Donald Judd, Mary Martin, Sol Lewitt, Jesús Rafael Soto, and Tess Jaray—Begum’s work is informed by both the urban environment and the geometric motifs of traditional Islamic art and architecture. Central to her work is light, which she treats as both subject and medium, allowing her pieces to absorb, reflect, and transform their surroundings in ways that feel both temporal and sensorial. Often using industrial materials and reflective surfaces, Begum creates visually dynamic experiences that shift with the viewer’s perspective and environment. The influence of Islamic art and the spiritual importance of repetition and ritual is also at the heart of Begum’s practice. Begum’s focus on symmetry, rhythm, and pattern evokes a sense of the infinite, creating meditative spaces in which seemingly static works are activated.

Born in Bangladesh in 1977, Begum lives and works in London. In 1999, Begum graduated with a BA in Fine Art from Chelsea College of Art and Design, and in 2002, she earned an MFA in Painting from Slade School of Fine Art. Begum has exhibited in museums and biennials worldwide and created public art commissions in Europe, Asia, and the United States. Notable museum presentations include her participation in Is this Tomorrow at the Whitechapel Gallery in London, as well as her site-specific installation at the Museum of Fine Arts, Boston, which remains on permanent view. Her work has also been featured in numerous biennials around the world, including the Taipei Biennial in 2026, Desert X in Coachella Valley in 2023, and the 11th Gwangju Biennial in South Korea in 2016, among others.

多米尼克．錢伯斯（1993年出生於美國密蘇里州的聖路易斯，日前工作與生活在康乃狄克州的紐哈芬市）的生動繪畫與藝術史脈絡息息相關，如色域繪畫與姿態抽象，藝術家關注的主題圍繞在種族、身份、休閒與沈思的重要性等當代議題上。錢伯斯對於藝術如何作為一種理解的方式、如何再脈絡化及如何在人與世界之間溝通的關係等模式深感興趣。藝術家將繪畫視為批判與知識的創作，也是美學的實踐。同時身為作家，錢伯斯的靈感來自文學作品，特別是魔幻寫實主義和美國社會學家杜波依斯的經典創作《黑人的靈魂》以及其探討的核心主題——受蒙蔽的社會。種族不公的產物是藝術家透過其黑人身體所觀察和親身經歷的隱喻鏡頭。蒙蔽的意象也貫穿在藝術家的創作中，不論是在《Wash Paintings》系列中以大片色彩遮蔽人物的圖像或是繪畫中反覆使用的雨滴圖案，皆為錢伯斯創作中常見的主題及元素。錢伯斯的許多作品融入了預言主義的元素，包含將幽靈般的剪影暗喻成藝術家的替身及熟悉卻不可替代的超現實風景。

錢伯斯近年多以描繪在休息與沈思中的親朋好友們為主要的創作特色。「很多時候，黑人的身體在人們既定的印象中被認定為持續工作且無法休息的狀態。」藝術家解釋：「談論到黑人身體時，人們時常將黑人與奴隸、反抗和抵抗的行為聯想在一起。」在其《Primary Magic 》和《After Albers》創作系列中，錢伯斯試圖消弭這些關聯，他繪畫中的主角不是在閱讀就是陷入沈思中，他們的目光似乎注視著遠遠超過畫面的範圍。錢伯斯將繪畫中的人物安排在不斷變化中的單色夢境中，並暗示了大環境的易變性，其繪畫場景喚起沈浸在閱讀一本好書的樂趣及享受與自己安靜的反思體驗。藝術家將色彩視為作品中的主角之一，色彩與解開創作者在畫面中埋伏的背後寓意同樣重要。錢伯斯巧妙地處理對比色之間的張力與相互的作用，為他的作品帶來微妙的創作火花，藝術家對色彩平衡的處理則為作品注入了和諧的詩意。

Tammy Nguyen (b. 1984, San Francisco, CA; lives and works in Easton, CT) creates paintings, drawings, artist books, prints, and zines that explore the intersections between geopolitics, ecology, and lesser-known histories. A story teller, Nguyen’s multidisciplinary practice takes two forms—her more traditional fine arts practice, which encompasses her lush, dense paintings, as well as her prints, drawings, and unique artist books, and her publishing practice, embodied through her imprint, Passenger Pigeon Press, which creates and distributes Martha’s Quarterly, a subscription of artist books and interdisciplinary collaborations. Across both domains Nguyen’s work aims to unsettle, and the tension between the artist’s elegant forms and harmonious aesthetics often belies the nature of her content. The confusion this dissonance creates becomes generative, opening space for reevaluation, radical thinking, and the dislodging of complacency.

Many of Nguyen’s paintings expand from her unique artist books, often through engagement with similar themes, questions, or investigations. Throughout her work she has explored a range of topics and ideas, including the Bandung conference, the first large-scale Afro-Asian conference which was attended by world leaders from 29 non-aligned countries during the Cold War, Forest City, a sprawling off-shore development project in Malaysia, and the red-shanked douc langur, an endangered species of monkey native to Laos, Vietnam, and Cambodia. A recent artist book series, Four Ways Through a Cave (2021), relates Nguyen’s travels through the Phong Nha-Ke Bang karst in Vietnam, significant for its numerous underground caverns and passageways and its history in the Vietnam War as a crucial area of the Ho Chi Minh Trail. The book simultaneously invokes Plato’s allegory of the cave—the recognition of truth through the loss of illusion—and conveys the sense of physically moving through a cave, with circular-shaped cutouts that shift from page to page, tunneling through the book and transforming the reader into a momentary spelunker.

Freya Douglas-Morris (b. 1980, London, United Kingdom; lives and works in London, United Kingdom) is a British artist known for her vividly colored landscapes that depict rich flora, glowing skies, and serene waters and shorelines. Using a bright, Fauvist color palette, the artist renders imagined scenes inspired by life and her long, meditative walks through nature. Her striking application of oil on canvas—ranging from bold swaths of color, to highly detailed foliage painting, to sheer washes that create a watercolor effect—contributes to the surreal, ethereal quality of her scenes. Rather than recreating physical landscapes, Douglas-Morris often depicts internal terrain, open to her viewers’ own journeys, experiences, relationships, and memories. In visualizing the emotional or personal experience of a place, the artist’s work occupies a universal space, reminding us of our connection to the natural world and to the inner worlds we carry within.

Douglas-Morris studied Fine Art at Brighton University before receiving an MA from the Royal College of Art in 2013. In 2012, her work was included in the Liverpool Biennial. Her work has also been featured in several museum exhibitions, including the Saatchi Gallery in London, UK, and the Dallas Contemporary Museum in Dallas, TX. In 2024, the Dallas Museum of Art acquired a work for its permanent collection. The artist lives and works in London.

羅賓·羅德（1976年生於南非開普敦）在約翰內斯堡長大，2000年畢業於約翰內斯堡電影電視戲劇藝術學院。這位居住在柏林的藝術家遊走於攝影、表演藝術、繪畫和雕塑等媒材。他利用肥皂、炭筆、粉筆和油漆等日常生活中的媒介來創作美麗悅目的故事。羅德長大於南非種族隔離時代後，社會不再受政治或社會議題支配，獨立創新的個人表達方式得到重視。隨著街舞、電影和大眾運動對青少年文化的影響日益擴大，以及社會對壁畫這種敘事形式的接受，羅德融合豐富歷史與街頭美學的藝術甚有代表性。透過藝術創作，他把城市變成了幻想世界。藝術家或演員跟作品的互動更為圖像添加立體感。他的作品融入個人表達和廣泛的社會經濟問題，並混合豐富的歷史和當代背景。羅德目前於德國柏林定居及從事藝術創作。

羅德在1996年到2001年間分別就讀於南非約翰內斯堡大學及Association of Film and Dramatic Arts （AFDA）。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括以色列特拉維夫藝術博物館（2017年）、美國薩凡納藝術與設計學院（2016年）、美國紐約繪畫中心（2015年）、美國紐約紐伯格藝術博物館（2014年）、澳大利亞墨爾本維多利亞國家美術館（2013年）、洛杉磯郡藝術博物館（2010年）、美國俄亥俄韋克斯納藝術中心（2009年）、英國倫敦海沃德美術館（2008年）及德國慕尼克藝術之家（2007年）。他亦曾參與多個群體展覽及雙/三年展，包括美國佛羅裏達傑克遜維爾博物館的「Synthesize: Art + Music」（2017年）、美國巴爾的摩藝術博物館的「Shifting Views: People and Politics in Contemporary African Art」（2016-2017年）、行為藝術雙年展PERFORMA的「A Performance by Robin Rhode」（2015年）、德國維特拉設計博物館和畢爾包古根漢博物館的「Making Africa」（2015年）、奧地利維也納阿爾貝蒂娜博物館的「DRAWING NOW」（2015年）、美國邁阿密巴斯藝術博物館的「GOLD」（2014年）、紐約現代藝術博物館的「Staging Action: Performance in Photography Since 1960」（2011年）及紐約現代藝術博物館的「New Photography」（2005年）。羅德曾參與多個雙/三年展，包括釜山雙年展（2017年）、第五十六屆威尼斯雙年展（2015年）、第18屆的悉尼雙年展（2012年）、日本橫濱藝術博物館的橫濱三年展（2005年）及第51屆的威尼斯雙年展（2005年）。其作品可見於多個國際公營以及私人收藏，包括意大利都靈裏沃利城堡當代藝術博物館、法國巴黎蓬皮杜藝術中心、美國華盛頓赫希洪博物館和雕塑園、美國邁阿密藝術博物館、法國巴黎現代藝術博物館、美國紐約現代藝術博物館、美國紐約所羅門·R·古根海姆博物館及美國明尼亞波利斯沃克藝術中心。

麥克阿瑟·比尼恩（McArthur Binion）出生於1946年，於1971年獲得美國韋恩州立大學美術學士學位，並在1973年於克蘭布魯克藝術學院獲得藝術碩士學位。在過去的40多年的藝術創作中，比尼恩創造出極簡主義的自傳式抽象藝術風格，他始終致力於將拼貼、繪畫及油畫相結合，並把其個人紀念性物品拼貼於大尺寸網格畫布之上，這種覆雜而深刻的創作過程使他的藝術創作獨樹一幟。從遠處看，這些覆雜的層疊作品就像賈思培·瓊斯、羅伯特·瑞曼或布賴斯·馬登的單色極簡抽象畫作。然而，比起同期藝術家所留意的實質性、抽象化、甚至社會與政治氣候，比尼恩的作品非常貼近他的個人生活，並且十分嚴謹。仔細檢視下，這些單色的抽象方格其實是不完美的手繪線條，讓人近距離的感受比尼恩的身份和經歷。作為一個作家，比尼恩深受語言和音樂的影響，而我們亦可以由他的作品題目和他重疊資訊的方式領會到這個特質。跟爵士樂中即興與編曲的比重大同小異，比尼恩畫布上的方格和他繪畫的手法也充滿了張力。

比尼恩除了在第57屆威尼斯雙年展「VIVA ARTE VIVA」(2017年）展出作品，也曾舉辦個人展覽，包括美國休斯頓當代藝術博物館（2012年）及美國馬裏蘭大學學院畫廊（2010年）。他最近參與的群體展覽包括美國密西西比藝術館的「Picturing Mississippi, 1817-2017: Land of Plenty, Pain, and Promise」（2017年）、美國聖地亞哥當代藝術博物館的「Dimensions of Black: a Collaboration with the San Diego African American Museum of Fine Art」（2017年）、美國新奧爾良美術館的「New at NOMA: Recent Acquisitions in Modern and Contemporary Art」（2017年）、美國國立非裔美國人歷史和文化博物館的「Through the African American Lens」（2017年）、美國紐約哈林工作室博物館的「Circa 1970」（2016年）和「When the Stars Begin to Fall: Imagination in the American South」（2014年）、以及美國休斯頓當代藝術博物館的「Black in the Abstract」（2013年）。他的作品可見於多個公營及私人收藏，包括美國密歇根克蘭布魯克藝術博物館、美國底特律藝術學院、美國肯尼亞堪薩斯城肯珀當代藝術博物館、美國紐約大都會藝術博物館、美國國立非裔美國人歷史和文化博物館、美國新奧爾良美術館、美國菲利普斯收藏館、美國底特律韋恩州立大學和美國紐約惠特尼美國藝術博物館。

歐文·沃姆 （1954 年生於奧地利施泰爾安德莫爾，現居於奧地利維也納）以1996年或1997年開始的項目《One Minute Sculpture》在世界享負盛名。這些作品中沃姆提供文字和繪畫式指引給觀眾，表示用於日常物品（如椅子，水桶，水果或針織毛衣）的動作或姿勢。這些雕塑本質上是短暫的，通過將攝影和表演融入過程，他挑戰媒介傳統特性，以及表演與日常生活、觀眾和參與者之間的界限。這一系列的作品他探索人體和雕塑之間的概念，而在他最近的作品中，他以令人不安的方式將日常物品擬人化，例如將香腸形狀扭曲成抽象雕塑中的青銅雕塑，或是在馬拉喀什中扭曲和膨脹汽車的體積和形狀。沃姆認為增加和減少雕塑的重量這種行為，經常在他的作品中產生放大和縮小的錯覺。沃姆的作品以其獨特幽默的形式主義風格著稱，但當中隱含的是他對社會當代文化所作出的批判，特別是在於回應資本主義影響和由此產生的社會壓力，與藝術家內心的理想背道而馳。沃姆強調這種二分法，利用高低之間、合拼類型之間的邊界空間，探索他認為滑稽的現實。

沃姆在1977年畢業於澳州奧地利格拉茨大學，並在1982年畢業維也納應用藝術大學和純藝術學院。沃姆曾經舉辦多個個人展覽，包括維也納阿爾貝蒂娜博物館（2018年）、奧地利維也納美景宮和博物館（2017年）、德國杜伊斯堡當代藝術博物館（2017年）、奧地利格拉茨美術館（2017年）、巴西銀行文化中心（2017年）、德國柏林現代藝術博物館（2016年）、美國洛杉磯藝術與建築中心（2016年）、泰國曼谷文化藝術中心（2015年）、菲律賓馬尼拉阿亞拉博物館（2015年）、波蘭克拉科夫當代藝術館（2013年）、西班牙馬拉加當代藝術中心（2012年）、 美國達拉斯當代藝術中心（2012年）。沃姆曾經參與多個群展，包括英國倫敦泰特現代美術館的「Performing for the Camera」（2016年）、紐西蘭基督城當化藝術中心的「Precarious Balance」（2016年）、德國沃爾夫斯堡藝術博物館的「Desire for Freedom」（2013年）、德國杜伊斯堡勒姆布魯克博物館的「HEIMsuchung: Uncanny Spaces in Contemporary Art」（2013年）、瑞士蘇黎世美術館的 「The Original Copy: Photography of Sculpture, 1839 to Today」，後來運送至美國當代藝術博物館（2011年），以及比利時安特衛普露天雕塑公園的「Temporary Structures: Performing Architecture in Contemporary Art」（2011年）。沃姆的作品可見於多個公營和私營收藏，包括美國紐約所羅門．古根漢美術館、美國明尼阿波利斯澳克藝術中心、美國紐約奧爾布賴特·諾克斯美術館、美國伯克利藝術博物館、美國紐約現代藝術博物館、美國棕櫚泉藝術博物館、加拿大溫哥華美術館、奧地利維也納阿爾貝蒂娜博物館、德國不來梅藝術館、德國科隆路德維希博物館、德國法蘭克福施塔德爾藝術博物館、瑞士蘇黎世美術館、比利時奧斯坦德美術博物館、比利時安特衛普米德爾海姆雕塑館、法國巴黎蓬皮杜藝術中心、法國波爾多當代藝術博物館、法國裏昂當代藝術博物館、意大利威尼斯佩姬·古根漢收藏、意大利波隆那現代藝術美術館、西班牙馬拉加當代藝術中、日本大阪國立國際美術館、日本十和田藝術中心，以及澳大利亞布裏斯班昆士蘭美術館。

Over the course of his decades-long career, Lari Pittman (b. 1952, Los Angeles, CA, lives and works in Los Angeles, CA) has developed a unique visual aesthetic that has established him as one of the most significant painters of his generation. Pittman’s signature, densely-layered painting style includes a lexicon of signs and symbols (such as bells, eggs, animals, and ropes), a compilation of varied painting techniques, and a clear homage to the handmade, craft, and the decorative. Pittman creates complex compositions that mediate the tension between color, text, and imagery; landscape and decoration; and chaos and order with remarkable dexterity and often on a large scale, and the artist has an innate ability to create compositions in which each element within a painting is given equal space and significance.

In the mid-1970s, Pittman attended California Institute of the Arts in Valencia, California, completing a B.F.A. and an M.F.A. The Institute’s strong feminist arts program challenged the devaluation of art forms traditionally associated with women, and it was partially as a result of his engagement with this program that Pittman developed an interest in undermining aesthetic hierarchies and embracing the decorative arts. Pittman’s strong affinity for the decorative can be seen throughout his numerous bodies of work, and it has contributed to his singular visual style. While Pittman’s early works were informed by the socio-political struggle resulting from the peak of the AIDS epidemic, racial discord, and LGBTQ+ civil rights struggles that defined the last two decades of the 20th century, his later paintings evince a shift in focus towards interior spaces, including domestic and psychological subjects.

施拉澤·赫什阿裏（1955年生於伊朗）於1970年代早期移居倫敦並在1979年畢業於切爾西藝術與設計學院。與她同期受到關註的藝術家包括阿尼什·卡普爾及理查德·迪肯。赫什阿裏擅長通過雕塑探索精神信仰和抽象形態。在1999年，紐約立木畫廊為她舉辦了首場個展，展出了一系列她受蘇菲主義和十三世紀神秘主義詩人魯米啟發的繪畫。赫什阿裏用墨一筆一筆反覆地把伊斯蘭書法刻在布面上。她將工序繁雜的繪畫過程升華至一種冥想性的視覺經歷，濃縮了當下靜止的一刻和過去的體驗。她在1994年獲特納獎提名，目前於英國倫敦定居及從事藝術創作。

赫什阿裏於1979年在英國倫敦藝術大學車路士藝術與設計學院畢業，在多個博物館及美術館舉行個人展覽，包括瑞士日內瓦Espace Muraille（2016年）、新加坡泰勒紙印藝術學院（2016年）、英國利物浦泰特利物浦美術館（2003年）、美國新墨西哥聖達菲美術館（2002年）、英國倫敦大英博物館伊斯蘭美術館（1997年）及英國倫敦卡姆登藝術中心（1993年）。她亦參與多個群體展覽，包括美國休斯頓穆迪藝術中心的「Artists and the Rothko Chapel」（2021年）、美國洛杉磯郡立藝術館的「Ink Dreams: Selections from the Fondation INK Collection」（2021年）、阿聯酋阿布扎比盧浮宮的「Abstraction and Calligraphy − Towards a Universal Language」（2021年）、英國韋克菲爾德長邊畫廊的「Breaking the Mould: Sculpture by Women since 1945」（2021年）、英國倫敦維多利亞與艾爾伯特博物館的「Epic Iran」（2021年）、英國索爾茲伯里教堂的「Celebrating 800 Years of Spirit and Endeavour」（2020年）、法國巴黎伊斯蘭文化中心的「l'Oeil & la Nuit」（2019年）、美國堪薩斯納爾遜藝術博物館的「Regarding Spirituality」（2018年）、美國紐約素描中心的「Drawing Dialogues: The Sol LeWitt Collection」（2016年）、美國薩拉索塔約翰與梅寶瑞格林藝術博物館的「Phantom Bodies: The Human Aura in Art」（2015年）、奧地利維也納冬宮的「Love Story: Anne & Wolfgang Titze Collection」（2014年）、美國東蘭辛遠大美術館的「Pattern」（2013年）、美國紐約大都會藝術博物館的「50 Years of Collecting Islamic Art」（2013年）、英國倫敦皇家藝術學院的「Summer Exhibition」（2012年）、美國紐約的「What is Painting? Contemporary Art from the Collection」（2008年）、美國紐約現代藝術博物館的「Without Boundary: Seventeen Ways of Looking」（2006年）、日本東京森美術館的「Happiness」（2003年）、及義大利威尼斯佩姬·古根漢美術館的「Thinking Big: Concepts for Twenty-First-Century British Sculpture」（2002年）。赫什阿裏亦曾參與多個雙年展，包括意大利第57屆威尼斯雙年展「GLASSTRESS 2017」（2017年）、意大利第55屆威尼斯雙年展「GLASSTRESS 2013」（2013年）、烏克蘭第1屆基輔雙年展（2012年）及澳大利亞第17屆悉尼雙年展（2010年）。

大衛·薩利（1952年生於美國俄克拉馬州諾曼）分別於1973年和1975年獲瓦倫西亞加州藝術學院學士學位和碩士學位，是20世紀80年代以來美國當代新表現主義最重要藝術家之一。他多以借用的方法把各種不相關的內容混合在同一個主題中來創作，在創作中使用不同風格、空間、色彩和手法，造成畫面的不和諧關系。而正是這種不和諧的碰撞，卻為觀者帶來了充滿藝術想象力的意外發現。藝術家目前於紐約布魯克林定居及從事藝術創作。

他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括美國格林威治布蘭特基金（2021年）、法國巴黎達太羅帕克畫廊（2020年）、西班牙馬德里哈維爾·洛佩茲和弗朗西斯畫廊（2019年）、西班牙馬拉加當代藝術中心（CAC Málaga）（2016年）、美國達拉斯當代藝術中心（2015年）、美國芝加哥藝術俱樂部（2014年）、美國紐約大都會歌劇院（2012年）、墨西哥蒙特雷博物館（2000年）、荷蘭阿姆斯特丹城市博物館（1999年）、奧地利維也納現代美術館（2000年）、意大利都靈沃利城堡當代藝術博物館（2000年）及西班牙畢爾巴鄂古根海姆美術館（1999年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括美國紐約水車市帕里什美術館的「Every Picture Tells a Story, Parrish Art Museum」（2018年）、美國紐約大都會藝術博物館的「Before/On/After: William Wegman and California Conceptualism」（2018年）、瑞士日內瓦現代和當代藝術博物館的「Zeitgeist」（2017年）、美國紐約惠特尼美術館的「Fast Forward: Paintings from the 1980s」（2017年）、美國阿拉巴馬州伯明翰美術館的「Third Space/Shifting Conversations About Contemporary Art」（2017年）、美國紐約帕里什美術館的「Unfinished Business: Paintings from the 1970s and 1980s by Ross Bleckner, Eric Fischl, and David Salle」（2016年）、美國紐約惠特尼美術館的「America is Hard to See」（2015年）、美國波士頓沃克藝術中心和波士頓當代美術館的「This Will Have Been: Art, Love, & Politics in the 1980s」（2012年）及美國紐約大都會藝術博物館的「The Pictures Generation」（2009年）。

特雷西塔·費爾南德斯（1968年生於美國邁阿密，現居於紐約）她是一位概念藝術家，尤以公共雕塑和非常規的材料應用最廣為人知。她對感知和視覺心理的研究十分有興趣，其大規模的實驗性作品往往受景觀、自然現象及不同的歷史和文化啟發。費爾南德斯的作品經常參照大自然，其概念實踐強調地點與物質之間的聯繫。 她經常使用金，石墨，鐵礦石和其他礦物創作，這些礦物與殖民和埋藏在景觀中的暴力有著深刻的歷史聯繫。她的作品冷靜地拆解地方、權利、可見性和消除的效果，為觀眾帶來了親密的體驗。

費爾南德斯分別在美國佛羅裏達國際大學和弗吉尼亞聯邦大學取得美術學士學位和碩士學位。她獲獎無數，於2005年她獲頒著名的MacArthur基金會獎學金。其他獎項包括：古根漢獎學金（2003年）、路易斯·康福特·蒂芙尼雙年展大獎（1999年）、美國學院羅馬附屬學會獎學金（1999年）及美國全國藝術基金會藝術家獎（1994年）。在2011年，費爾南德斯受美國總統奧巴馬委任為美國聯邦美術委員會成員，同時成為該委員會成立100年以來首位拉丁裔委員，向總統、國會和政府機構就國家設計和美學等議題提出建議。費爾南德斯將於2021年在紐約布魯克林的BAM Harvey劇院的屋頂上展示一個大型的戶外雕塑，名為「Paradise Parados」。

Kim Yun Shin (b. 1935, Wonsan, North Korea; lives and works in Seoul, South Korea) is a multidisciplinary artist known for her dynamic sculpture and painting, which often unfold through a series of interactions with nature. Growing up amidst the backdrop of Korea’s tumultuous history in the 20th century, Kim has established herself as a pioneering figure in the post-war South Korean art scene, overcoming societal norms to carve out a space for herself as a first-generation woman sculptor. Despite facing challenges in a male-dominated field, she ventured to Paris to pursue her artistic aspirations, taught at various universities, and co-founded the Korean Sculptress Association in 1974 to support emerging artists. Partly influenced by her nomadic early life, her work reflects a fearless exploration of diasporic cultures—from France, Mexico, and Brazil, to her adoptive home of Argentina, where she established Museo Kim Yun Shin, the first Korean immigrant art museum. Her journey from turbulent beginnings during the Japanese colonial period and Korean War to becoming a trailblazer in Korean contemporary art reflects the artist’s personal resilience and commitment to artistic innovation.

Across six decades, Kim has developed an aesthetic that engages with the fundamental qualities of materials and nature, navigating themes of confrontation, introspection, and coexistence. Central to her artistic expression is the use of solid wood, a primary medium through which Kim envisions the structural and spiritual elements of antiquity and the primordial world. In doing so, she visualizes the intersection between nature, time, and history, reconsidering the very essence of human existence. Her early sculptures from the 1970s are deeply rooted in traditional Korean hanok architecture, which uses a distinctive technique that joins wooden blocks without nails. In her Stacking Wishes series, the artist also explores traditions of vertical stacking in Korean and Latin American totemism. This notion of organic connection and her interest in East Asian philosophy merge in her iconic Add Two Add One, Divide Two Divide One series, which she began in the late 1970s. The terms “add” and “divide” originate from the philosophical concept of yin (division and fragmentation) and yang (addition and integration). Through a meticulous yet intuitive process—in which Kim “adds” her soul into the solid wood and “divides” the space between the bark and inner wood to create a complete whole—the artist delves into raw materiality and uncovers a newfound vitality.

New York-based artist Oren Pinhassi (b. 1985, Tel Aviv, Israel; lives and works in New York, NY) creates sensuous sculptures and large-scale installations that explore the politics of architectural spaces as they relate to the human body. His anthropomorphic sculptures, often standing up to eight feet in height, examine individual vulnerability and fluidity within the built environment, probing new possibilities for coexistence. Pinhassi’s haptic and immersive spaces redefine the relationship between viewer and environment, provoking a visceral interaction with the art object that yields a heightened awareness of humankind’s place within larger socio-political ecosystems.

Pinhassi has developed a distinct visual language that combines the superfluous and ergonomic with the utopian. Mimicking familiar images—such as a palm tree, a shower, or a chaise lounge—Pinhassi’s sculptures break down binary categories between people and objects. This implied borderless polyamory carries a pattern of erotic transmutation that guides the formation of new understandings in which object, architecture, and the body flow seamlessly into one another in free association. Pinhassi is drawn to organic materials for their shape-shifting potential and works primarily with sand and plaster. Akin to the work of Arte Povera artists, this use of non-traditional materials is an integral part of Pinhassi’s practice. Part of his sculpting process consists of the repetitive layering of burlap, plaster, and sand over welded steel skeletons, revealing the touch of the artist’s hand across every piece. The results are totemic-like figures that collapse preconceived notions of private and public space and our agency within them, heralding a futuristic hybridity.

Chantal Joffe (b. 1969, St. Albans City, VT; lives and works in London, United Kingdom) creates figurative paintings that address themes of portraiture, motherhood, the passage of time, and art’s relationship to history. Committed to the genre of figurative art, Joffe brings a combination of insight and integrity, as well as psychological and emotional force to her subjects. Almost always depicting women or girls, sometimes in groups, Joffe’s paintings loosely adhere to their source―be it a photograph, magazine page, or reflection in the mirror―reminding us that distortions of scale and form can often make a subject seem more lifelike. Joffe’s paintings alert us to how appearances are carefully constructed and codified, whether in a fashion magazine or the family album, and to the choreography of display. She offers insightful neutrality in her paintings and gives equal billing to catwalk models, porn actresses, mothers and children, loved ones, and literary heroines. Joffe’s choice of subject invites us to question our assumptions about what makes a noble portrait and challenges our expectations of what feminist art might be.

For Joffe, sensuality, self-disclosure, self-consciousness, and intimacy are brought together to heighten already complex narratives about human connection, perception, and representation. These narratives, implicit in the relationship between any artist and subject, are extended to the viewer as propositions and provocations. Whether in paintings a few inches square or ten feet high, Joffe's deceptively casual brushstrokes and ability to combine gesture with a pragmatic approach to representation simultaneously seduces and disarms. Often laying bare the physicality of their making and suffused with a palpable empathetic warmth, Joffe’s paintings offer an insightful examination into ever-shifting human connections and the endless intricacies of looking.

塞西莉亞·維庫納（1948年生於智利聖地亞哥， 現於紐約及聖地亞哥生活和工作）的創作融合了詩歌、表演、概念主義及紡織工藝，深入探討現代世界所熱切關注的議題，包括環境生態、人權和文化同質化。藝術家出生及成長於智利聖地亞哥。1970年代，智利軍方發動暴力軍事政變，把當時的薩爾瓦多·阿葉德（Salvador Allende）總統推倒，維庫納隨後被流放。這種無常的感覺及對智利土著歷史文化的敬意一直伴隨著藝術家，深深影響著她往後的藝術生涯。

維庫納於1960年代在智利生活期間，開始創作一系列名為「precarios」的小型雕塑，這種充滿詩意的作品使用了羽毛、石頭、塑料、木材、電線、貝殼、布以及其他人體毛髮。 她一般會使用繩子把這些小型雕塑輕輕的綁在一起，讓作品看似是自然地聯繫。作品的脆弱和短暫性尤其重要，維庫納初期更會在海邊創作，讓作品隨海浪隨意飄走。 同期，維庫納對古代的「奇普」（Quipus） 產生了興趣，「奇普」是一種印加文化中以彩色繩結紀事和交流的方法。她初次編織的經歷可追溯到70年代初，但不久之后她開始用羊毛製作獨特的「奇普」，作為一種短暫和場域特定的裝置作品，將編織和紡紗的儀式與聚會、詩歌和表演結合在一起。 相比維庫納其他作品，她在70年代創作的超現實具象繪畫更明顯地體現了其個人和政治色彩，對當時智利不明局勢和隨後被流放的經歷作出回應。另外，她的畫作也參考了16世紀拉丁美洲藝術家的創作精神。拉丁美洲被西班牙征服後，當地的畫家被迫為天主教會繪畫天使和聖人，但他們同時會創作一些微妙隱晦及具顛覆性的作品。在維庫納的畫作中，她以神話化的個人、政治和文學人物代替宗教偶像，以紀念他們。

納利·華德 （1963 年生於牙買加聖安德魯，現居於紐約）利用他從城市收集得來的物料創作戲劇性的雕塑式裝置藝術。他重新利用物件如嬰兒車、購物車、水瓶、門、電視套裝、收銀機、鞋帶等。華德重新塑造這些從城市收集回來的物件引導觀眾思考，並帶出複雜和隱喻的意義—審視周圍環境的種族、貧窮和消費文化所產生的問題。他偏向由觀眾對其作品提出個人的闡釋，為作品留下開放性的意義。

華德的最代表性的作品是「Amazing Grace」，制作於1993年時他駐場在美國紐約哈林區畫室博物館，作品回應早期九十年代愛滋病和毒品流行的問題。華德以365個遺棄的嬰兒車制作這個大型裝置—嬰兒車經常被美國紐約哈林區露宿者去運送他們的物質—華德用哈林區廢棄消防局中撿到的消防喉綁起嬰兒車。華德設置福音歌手瑪哈莉雅傑克森《奇異恩典》的錄音重覆播放，環繞在展場之中。歌詞講述救贖和變化，帶出樂觀和希望。與他的大部分作品一樣，這個裝置探索主題都有關於他工作地區的物料和社區環境。這年展於2013年曾被美國新當代藝術博物館Studio 231藝術空間和多個歐州地方重新制造。隨著每一個裝置內容上的轉變，作品的重要性都因每個城區的社群不同地與作品聯系而改變。

麗莎·露（1969年生於美國紐約；目前於洛杉磯工作及生活）1996年在紐約新當代藝術博物館展出了一比一大小的廚房雕塑作品，引起關注。她開創先河，利用玻璃小彩珠作為雕塑的原材料。通過其緩慢的手工制作過程，廚房成為女性的紀念碑，代表著女性勞工在歷史上一直被忽視。該項目確立了她對物質、社會實踐和監禁的探索。

2005年，露移居至南非的誇祖魯．納塔爾省，她在省內聘請一群精通珠飾傳統工藝的祖魯族女性，共同協作「Security Fence」（2005）的大型雕塑。藝術家與祖魯族女匠一同工作，重新思考在非西方的歷史和社會學框架中實踐藝術，並強調以材料和勞動為主要題材。在過去的十年中，露專註於極簡主義的調色，利用由手汗、油和瑕疵引起的顏色的自然變化作為色調標記制作方式。在她的單色、像素化、編織的「繪畫」中，有玻璃珠微妙的變化和條紋，在作品創作的重覆和無形過程之下，展現人性和美感。

海蒂·布赫（Heidi Bucher）1926年出生於瑞士溫特圖爾，1942年至1946年在蘇黎世應用藝術學院就讀，專門從事時裝設計，1993年於瑞士布倫嫩逝世。她的創作主題主要涉及對公共建築和私人建築的討論，以及女性的精神氣質和身體的探討。作品多取材於女性服裝，通過創造性地運用乳膠使其表面呈現出皮膚的質感；之後她將這種藝術創作方法運用到家居物品和整棟房屋建築中，將它們與特定的“女性”空間聯系起來。近兩年，這位歷史上被低估的傑出女性藝術家得到了藝術界持續的認可與關註。

從七十年代起，布赫用乳膠和珍珠母熏制衣服，用以保留其手工制品的時代背景，並制作出類似皮膚的顏色和質感。布赫使用了大量的女性衣物，例如睡衣和絲襪，去批判她成長時經歷過的性別定型。七十年代末，布赫開始在家居物品和空間上加上她標志性的乳膠塗層，將女性衣物和所謂的「女性空間」並列。她撕掉硬化的乳膠塗層，在半透明的皮膚上拓印了建築物上的顏料、鐵銹、灰塵、和細微的印記。

卡德·阿提亞（1970年生於法國；目前於德國柏林定居及從事藝術創作）的童年在巴黎郊區以及阿爾及利亞度過，而這段跨文化的經歷則成為了他往後充滿活力的藝術創作的一個根基與起點。阿提亞善於在作品裏反思不同文化的美學與價值觀。他以一種詩意、有象征意味的藝術語言探索西方文化霸權與殖民侵略對非西方文化國家的影響與後果。阿提亞在探討殖民時代歷史的同時，也試圖在當今全球化的背景下重新思索我們在殖民時代的政治身份。

阿提亞分別在1993年、1994年和1998年於法國巴黎國立應用藝術學院、西班牙巴塞羅那的馬薩納藝術與設計學院及法國巴黎國立高等裝飾藝術學院獲得學位。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括卡塔爾多哈馬塔夫：阿拉伯現代藝術博物館（2021年）、荷蘭烏得勒支BAK—當代藝術（2021年）、瑞士蘇黎世美術館（2020年）、巴西聖保羅龐貝亞（2020年）、美國柏克萊藝術博物館及太平洋電影資料館（BAMPFA）（2019年）、英國倫敦海沃德畫廊（2019年）、法國巴黎法國馬恩河谷省當代藝術博物館（2018年）、西班牙巴塞羅納米羅基金會美術館（2018年）、加拿大多倫多「發電廠」博物館（2018年）、美國新罕布什爾州胡德藝術博物館（2018年）、法國巴黎東京宮（2018年）、澳大利亞悉尼澳大利亞當代藝術博館（2017年）、德國科布倫茨路德維希博物館（2017年）、美國華盛頓大學米爾德里德·萊恩·肯珀藝術博物館（2017年）、比利時根特當代藝術博物館（S.M.A.K.）（2017年）、法國巴黎龐畢度中心（2016年）、德國法蘭克福現代藝術博物館（2016年）、瑞士洛桑州立美術館（2015年）、德國柏林KW當代藝術研究院（2013年）、英國倫敦白教堂畫廊（2013年）、法國巴黎現代藝術博物館（2012年）、美國波士頓當代美術研究所（2007年）及法國裏昂現代藝術博物館（2006年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括德國柏林格羅皮烏斯·鮑的「YOYI! Care, Repair, Heal」（2022年）、韓國首爾三星美術館的「Human, 7 Questions」（2021年）、西班牙畢爾巴鄂畢爾包古根漢美術館的「The Roaring Twenties」（2021年）、法國巴黎國家凱布朗利博物館的「Africa Reborn」（2021年）、瑞士蘇黎世美術館的「Smoke and Mirrors: The Roaring Twenties」（2020年）、德國柏林格羅皮烏斯·鮑的「Down to Earth」（2020年）、法國巴黎龐畢度中心的「Global(e) Resistance」（2020年）、丹麥奧爾胡斯ARoS奧胡斯藝術博物館的「Mythologies - The Beginning and End of Civilizations」（2020年）、法國巴黎東京宮的「Our World is Burning」（2020年）、阿聯酋杜拜Jameel藝術中心的「Phantom Limb」（2019年）、波士頓當代藝術中心的「When Home Won’t Let You Stay: Migration Through Contemporary Art,」（2019年）、美國華盛頓菲利普美術館的「The Warmth of Other Suns: Stories of Global Displacements」（2019年）、中國上海第十二屆上海雙年展（2018年）、德國慕尼黑現代藝術陳列館（2017年）、維也納立奧波德博物館的「Foreign Gods: Fascination Africa and Oceania」（2016年）、紐約所羅門·R·古根海姆博物館的「But a Storm Is Blowing from Paradise: Contemporary Art of the Middle East and North Africa」（2016年）、德國漢堡堤壩之門美術館的「Picasso in Contemporary Art」（2015年）、巡回美國華盛頓特區史密森尼美國藝術博物館、美國薩凡納藝術設計學院藝術博物館和德國法蘭克福現代藝術博物館的「The Divine Comedy: Heaven, Purgatory, and Hell Revisited」（2014 - 2015年）、紐約新美術館的「Here and Elsewhere」（2014年）、紐約現代藝術博物館的「Performing Histories」（2012年）和英國倫敦泰特現代美術館的「Contested Terrains」（2011年）。