Over the past two decades, Rana Begum has developed a distinct visual language rooted in repetition and abstraction. Drawing on the history of geometric abstraction—as well as the practices of artists such as Agnes Martin, Donald Judd, Mary Martin, Sol Lewitt, Jesús Rafael Soto, and Tess Jaray—Begum’s work is informed by both the urban environment and the geometric motifs of traditional Islamic art and architecture. Central to her work is light, which she treats as both subject and medium, allowing her pieces to absorb, reflect, and transform their surroundings in ways that feel both temporal and sensorial. Often using industrial materials and reflective surfaces, Begum creates visually dynamic experiences that shift with the viewer’s perspective and environment. The influence of Islamic art and the spiritual importance of repetition and ritual is also at the heart of Begum’s practice. Begum’s focus on symmetry, rhythm, and pattern evokes a sense of the infinite, creating meditative spaces in which seemingly static works are activated.

Born in Bangladesh in 1977, Begum lives and works in London. In 1999, Begum graduated with a BA in Fine Art from Chelsea College of Art and Design, and in 2002, she earned an MFA in Painting from Slade School of Fine Art. Begum has exhibited in museums and biennials worldwide and created public art commissions in Europe, Asia, and the United States. Notable museum presentations include her participation in Is this Tomorrow at the Whitechapel Gallery in London, as well as her site-specific installation at the Museum of Fine Arts, Boston, which remains on permanent view. Her work has also been featured in numerous biennials around the world, including the Taipei Biennial in 2026, Desert X in Coachella Valley in 2023, and the 11th Gwangju Biennial in South Korea in 2016, among others.

比利·查爾迪斯（1959年生於英國肯特查塔姆）十六歲離開中學後，開始在查塔姆海軍船廠當石匠學徒。查爾迪起初未能得到當地藝術學院的面試機會。後來，他創作過百幅繪畫作品考進聖馬丁藝術學院，可是蔑視權威的態度使他在1981年被開除學籍。查爾迪斯隨後展開其藝術生涯，探索戰爭、歷史和社會抗爭等普世主題。在過去的三十五年間，查爾迪斯在國際的知名度不斷提升。他出版了超過四十冊詩歌和五本小說，又灌錄了過百張唱片專輯及創作了過百幅油畫。 查爾迪斯現於英國肯特定居及從事藝術創作。

查爾迪斯曾先後於1977年和1978年在英國肯特Medway College of Design及倫敦中央聖馬汀藝術設計學院讀書。他曾在多個畫廊及美術館舉行個人展覽，包括英國肯特羅切斯特美術館（2016年）、德國法蘭克福呂塞爾斯海姆特色博物館（2016年）、美國紐約White Columns（2010年）及英國倫敦當代藝術學院（2010年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括倫敦Pushkin House的「BILLY CHILDISH, HARRY ADAMS and EDGEWORTH JOHNSTONE: Our Friend Larionov」（2014年）、德國亞琛的「Paintings Sweet Paintings」（2014年）及愛丁堡城市藝術中心的「British Art Show 5」（2000年）。

Freya Douglas-Morris (b. 1980, London, United Kingdom; lives and works in London, United Kingdom) is a British artist known for her vividly colored landscapes that depict rich flora, glowing skies, and serene waters and shorelines. Using a bright, Fauvist color palette, the artist renders imagined scenes inspired by life and her long, meditative walks through nature. Her striking application of oil on canvas—ranging from bold swaths of color, to highly detailed foliage painting, to sheer washes that create a watercolor effect—contributes to the surreal, ethereal quality of her scenes. Rather than recreating physical landscapes, Douglas-Morris often depicts internal terrain, open to her viewers’ own journeys, experiences, relationships, and memories. In visualizing the emotional or personal experience of a place, the artist’s work occupies a universal space, reminding us of our connection to the natural world and to the inner worlds we carry within.

Douglas-Morris studied Fine Art at Brighton University before receiving an MA from the Royal College of Art in 2013. In 2012, her work was included in the Liverpool Biennial. Her work has also been featured in several museum exhibitions, including the Saatchi Gallery in London, UK, and the Dallas Contemporary Museum in Dallas, TX. In 2024, the Dallas Museum of Art acquired a work for its permanent collection. The artist lives and works in London.

曼迪·埃爾—薩伊（1985年生於馬來西亞，現工作及居於倫敦）高度過程驅動的藝術實踐始於對材料及語言的探索，她的創作形式包括富層次的繪畫、雕塑、裝置、圖像、聲音和影像，埃爾—薩伊的作品探討了體制的形成和瓦解，包括身體、語言或是政治上的意義。藝術家對探索「局部—整體」關係尤感興趣，她運用乳膠、橡膠和黏土等有機物的材料把不同的碎片、文本和現成圖像分層及拼湊，具體地證明了重要的事物往往是由微小的互動或重複而產生的。埃爾·薩伊相信，簡單的重複性圖案（例如手繪網格或幾何模型）會製造出不同形式而且令人出乎意料的敘述性組合。

埃爾—薩伊將她的探索性觀察過程聯繫當代社會和政治事件，這些事件往往以混亂且令人不安的方式發生，而對此類事件的辯護或解釋通常是事件發生之後，目的是整理我們主觀和不完整的社會、文化和政治進程。藝術家的作品旨在揭開這些重疊結構的面紗，並揭示它們的複雜性。 埃爾—薩伊對觀察的（科學和自我）過程很感興趣，她相信通過這樣的觀察，人們可以更好地理解塑造我們世界的社會和政治現像，如何以恆久的狀態不斷變化。

吉爾伯特與喬治（1943和1942年生於意大利和英國）早於1967年在倫敦的聖馬丁學院認識後便開始在藝術上的合作。他們在學生時代創造了「活雕塑」的概念，把自己的頭和手塗上彩色的金屬粉後穿梭於倫敦的大街和公園。後來他們在紐約、日本、歐洲和澳洲等世界各地的畫廊與博物館發表了這個抽象的雕塑概念。吉爾伯特與喬治的作品意念是把藝術品、藝術家和觀者之間的距離拉近，而他們最後把自己的身份融入這個「活雕塑」，成功地代表了人類的普遍狀況。吉爾伯特與喬治利用視像技術和相片拼貼的技巧來展示他們的作品，令更多觀眾能看到「活雕像」。於2005年，吉爾伯特與喬治代表英國參加威尼斯雙年展。吉爾伯特與喬治目前於英國倫敦居住及從事藝術創作。

他們在畢業後搬到了倫敦的東區，並在該處居住和創作了接近五十年。期間，倫敦的東區由一個忙碌的移民和工人階級社區士紳化成一個創意中心，而這種變化也影響了他們的創作。吉爾伯特與喬治在他們的作品中加入街道標志、銀杏樹、塗鴉、海報和人行道，用以表現這個城市和社區的社會政治及居住環境。

施拉澤·赫什阿裏（1955年生於伊朗）於1970年代早期移居倫敦並在1979年畢業於切爾西藝術與設計學院。與她同期受到關註的藝術家包括阿尼什·卡普爾及理查德·迪肯。赫什阿裏擅長通過雕塑探索精神信仰和抽象形態。在1999年，紐約立木畫廊為她舉辦了首場個展，展出了一系列她受蘇菲主義和十三世紀神秘主義詩人魯米啟發的繪畫。赫什阿裏用墨一筆一筆反覆地把伊斯蘭書法刻在布面上。她將工序繁雜的繪畫過程升華至一種冥想性的視覺經歷，濃縮了當下靜止的一刻和過去的體驗。她在1994年獲特納獎提名，目前於英國倫敦定居及從事藝術創作。

赫什阿裏於1979年在英國倫敦藝術大學車路士藝術與設計學院畢業，在多個博物館及美術館舉行個人展覽，包括瑞士日內瓦Espace Muraille（2016年）、新加坡泰勒紙印藝術學院（2016年）、英國利物浦泰特利物浦美術館（2003年）、美國新墨西哥聖達菲美術館（2002年）、英國倫敦大英博物館伊斯蘭美術館（1997年）及英國倫敦卡姆登藝術中心（1993年）。她亦參與多個群體展覽，包括美國休斯頓穆迪藝術中心的「Artists and the Rothko Chapel」（2021年）、美國洛杉磯郡立藝術館的「Ink Dreams: Selections from the Fondation INK Collection」（2021年）、阿聯酋阿布扎比盧浮宮的「Abstraction and Calligraphy − Towards a Universal Language」（2021年）、英國韋克菲爾德長邊畫廊的「Breaking the Mould: Sculpture by Women since 1945」（2021年）、英國倫敦維多利亞與艾爾伯特博物館的「Epic Iran」（2021年）、英國索爾茲伯里教堂的「Celebrating 800 Years of Spirit and Endeavour」（2020年）、法國巴黎伊斯蘭文化中心的「l'Oeil & la Nuit」（2019年）、美國堪薩斯納爾遜藝術博物館的「Regarding Spirituality」（2018年）、美國紐約素描中心的「Drawing Dialogues: The Sol LeWitt Collection」（2016年）、美國薩拉索塔約翰與梅寶瑞格林藝術博物館的「Phantom Bodies: The Human Aura in Art」（2015年）、奧地利維也納冬宮的「Love Story: Anne & Wolfgang Titze Collection」（2014年）、美國東蘭辛遠大美術館的「Pattern」（2013年）、美國紐約大都會藝術博物館的「50 Years of Collecting Islamic Art」（2013年）、英國倫敦皇家藝術學院的「Summer Exhibition」（2012年）、美國紐約的「What is Painting? Contemporary Art from the Collection」（2008年）、美國紐約現代藝術博物館的「Without Boundary: Seventeen Ways of Looking」（2006年）、日本東京森美術館的「Happiness」（2003年）、及義大利威尼斯佩姬·古根漢美術館的「Thinking Big: Concepts for Twenty-First-Century British Sculpture」（2002年）。赫什阿裏亦曾參與多個雙年展，包括意大利第57屆威尼斯雙年展「GLASSTRESS 2017」（2017年）、意大利第55屆威尼斯雙年展「GLASSTRESS 2013」（2013年）、烏克蘭第1屆基輔雙年展（2012年）及澳大利亞第17屆悉尼雙年展（2010年）。

Chantal Joffe (b. 1969, St. Albans City, VT; lives and works in London, United Kingdom) creates figurative paintings that address themes of portraiture, motherhood, the passage of time, and art’s relationship to history. Committed to the genre of figurative art, Joffe brings a combination of insight and integrity, as well as psychological and emotional force to her subjects. Almost always depicting women or girls, sometimes in groups, Joffe’s paintings loosely adhere to their source―be it a photograph, magazine page, or reflection in the mirror―reminding us that distortions of scale and form can often make a subject seem more lifelike. Joffe’s paintings alert us to how appearances are carefully constructed and codified, whether in a fashion magazine or the family album, and to the choreography of display. She offers insightful neutrality in her paintings and gives equal billing to catwalk models, porn actresses, mothers and children, loved ones, and literary heroines. Joffe’s choice of subject invites us to question our assumptions about what makes a noble portrait and challenges our expectations of what feminist art might be.

For Joffe, sensuality, self-disclosure, self-consciousness, and intimacy are brought together to heighten already complex narratives about human connection, perception, and representation. These narratives, implicit in the relationship between any artist and subject, are extended to the viewer as propositions and provocations. Whether in paintings a few inches square or ten feet high, Joffe's deceptively casual brushstrokes and ability to combine gesture with a pragmatic approach to representation simultaneously seduces and disarms. Often laying bare the physicality of their making and suffused with a palpable empathetic warmth, Joffe’s paintings offer an insightful examination into ever-shifting human connections and the endless intricacies of looking.

徐道獲（1962年生於韓國首爾）曾於韓國國立大學主修東方油畫，其後分別在羅德島設計學院及耶魯大學學習油畫及雕塑。自九十年代中期，他開始對傳統個人空間的概念提出質疑，並對其概念在實體及隱喻呈現方面的變維及移動性進行探索。多年來，徐道獲的裝置、繪畫、雕塑和電影作品一直備受國際關註，當中探討的主題包括藝術家的個人經歷和家族歷史，如「家」、「遷徙」、「回憶」和「個體」等。徐道獲認為我們所居住的空間也含有心理的力量，而他嘗試在這些居所以外的地方作品中把記憶、個人體驗和安全感具像化。

徐道獲先後在美國羅德島設計學院及耶魯大學獲得藝術學士學位（1994年）和雕塑的藝術碩士學位。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括丹麥奧胡斯藝術博物館（2018年，即將展出）、日本十和田現代美術館（2018年）、美國弗裏斯特視覺藝術中心（2018年，即將展出）、美國華盛頓史密森尼美國藝術博物館（2018年）、美國麥迪遜當代藝術博物館（2017年）、美國聖地牙哥當代美術館（2016年）、美國辛辛那提現代藝術中心（2016年）、美國克利夫蘭現代藝術博物館（2015年）、日本東京森美術館（2015年）、美國奧斯汀當代藝術博物館（2014年）、韓國首爾國立當代藝術博物館（2013年）、日本金沢21世紀美術館（2012-2013年）、日本廣島市現代美術館（2012年）、加利福尼亞大學聖地亞哥分校（2012年）、韓國首爾三星美術館（2012年）及英國倫敦泰特現代藝術館（2011年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括意大利威尼斯第16屆國際建築展覽（2018年）、西班牙萊昂卡斯蒂利亞當代藝術博物館的「Shelter in the Storm. A Look at the Exile in the MUSAC Collection」（2018年）、奧爾布賴特·諾克斯藝術館的「Art of the Senses」（2017年，即將展出）、耶路撒冷以色列博物館的「No Place Like Home」（2017年）、美國洛杉磯哈默博物館和曼尼爾私人收藏博物館的「Apparitions: Frottages and Rubbings from 1860 to Now」（2015年）、韓國首爾三星美術館的「Beyond and Between」（2014年）、皇後區藝術博物館的「Shades of Time: An Exhibition from the Archive of Korean American Artists, Part Two 1989 - 2001」（2014年）、 美國芝加哥當代藝術博物館的「Homebodies」（2013年）、韓國大邱藝術博物館的「Dislocation」（2012年）及韓國果川國立當代藝術博物館的「Peppermint Candy: Contemporary Korean Art」（2009年）。徐道獲曾參與多個雙年展，包括新加坡雙年展（2016年）、南韓第9屆光州雙年展（2012年）、英國第6屆利物浦雙年展（2010年）、意大利威尼斯第12屆建築雙年展（2010年）、第8屆伊斯坦布爾國際雙年展（2003年）、第13屆悉尼雙年展（2002年），並作為韓國代表出席了第49屆威尼斯雙年展（2001年）。其作品可見於多個國際公營以及私人收藏，包括美國紐約現代美術博物館、美國紐約惠特尼美國藝術博物館、美國紐約所羅門·古根漢美術館、美國洛杉磯縣立美術館、美國沃克藝術中心、英國倫敦泰特現代藝術館、奧地利維也納Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection、荷蘭弗爾林登美術館、韓國首爾三星美術館、韓國首爾Art Sonje Center、日本東京都現代美術館、日本東京森美術館及日本金沢21世紀美術館。