海蒂·布赫（Heidi Bucher）1926年出生於瑞士溫特圖爾，1942年至1946年在蘇黎世應用藝術學院就讀，專門從事時裝設計，1993年於瑞士布倫嫩逝世。她的創作主題主要涉及對公共建築和私人建築的討論，以及女性的精神氣質和身體的探討。作品多取材於女性服裝，通過創造性地運用乳膠使其表面呈現出皮膚的質感；之後她將這種藝術創作方法運用到家居物品和整棟房屋建築中，將它們與特定的“女性”空間聯系起來。近兩年，這位歷史上被低估的傑出女性藝術家得到了藝術界持續的認可與關註。

從七十年代起，布赫用乳膠和珍珠母熏制衣服，用以保留其手工制品的時代背景，並制作出類似皮膚的顏色和質感。布赫使用了大量的女性衣物，例如睡衣和絲襪，去批判她成長時經歷過的性別定型。七十年代末，布赫開始在家居物品和空間上加上她標志性的乳膠塗層，將女性衣物和所謂的「女性空間」並列。她撕掉硬化的乳膠塗層，在半透明的皮膚上拓印了建築物上的顏料、鐵銹、灰塵、和細微的印記。

多米尼克．錢伯斯（1993年出生於美國密蘇里州的聖路易斯，日前工作與生活在康乃狄克州的紐哈芬市）的生動繪畫與藝術史脈絡息息相關，如色域繪畫與姿態抽象，藝術家關注的主題圍繞在種族、身份、休閒與沈思的重要性等當代議題上。錢伯斯對於藝術如何作為一種理解的方式、如何再脈絡化及如何在人與世界之間溝通的關係等模式深感興趣。藝術家將繪畫視為批判與知識的創作，也是美學的實踐。同時身為作家，錢伯斯的靈感來自文學作品，特別是魔幻寫實主義和美國社會學家杜波依斯的經典創作《黑人的靈魂》以及其探討的核心主題——受蒙蔽的社會。種族不公的產物是藝術家透過其黑人身體所觀察和親身經歷的隱喻鏡頭。蒙蔽的意象也貫穿在藝術家的創作中，不論是在《Wash Paintings》系列中以大片色彩遮蔽人物的圖像或是繪畫中反覆使用的雨滴圖案，皆為錢伯斯創作中常見的主題及元素。錢伯斯的許多作品融入了預言主義的元素，包含將幽靈般的剪影暗喻成藝術家的替身及熟悉卻不可替代的超現實風景。

錢伯斯近年多以描繪在休息與沈思中的親朋好友們為主要的創作特色。「很多時候，黑人的身體在人們既定的印象中被認定為持續工作且無法休息的狀態。」藝術家解釋：「談論到黑人身體時，人們時常將黑人與奴隸、反抗和抵抗的行為聯想在一起。」在其《Primary Magic 》和《After Albers》創作系列中，錢伯斯試圖消弭這些關聯，他繪畫中的主角不是在閱讀就是陷入沈思中，他們的目光似乎注視著遠遠超過畫面的範圍。錢伯斯將繪畫中的人物安排在不斷變化中的單色夢境中，並暗示了大環境的易變性，其繪畫場景喚起沈浸在閱讀一本好書的樂趣及享受與自己安靜的反思體驗。藝術家將色彩視為作品中的主角之一，色彩與解開創作者在畫面中埋伏的背後寓意同樣重要。錢伯斯巧妙地處理對比色之間的張力與相互的作用，為他的作品帶來微妙的創作火花，藝術家對色彩平衡的處理則為作品注入了和諧的詩意。

特雷西塔·費爾南德斯（1968年生於美國邁阿密，現居於紐約）她是一位概念藝術家，尤以公共雕塑和非常規的材料應用最廣為人知。她對感知和視覺心理的研究十分有興趣，其大規模的實驗性作品往往受景觀、自然現象及不同的歷史和文化啟發。費爾南德斯的作品經常參照大自然，其概念實踐強調地點與物質之間的聯繫。 她經常使用金，石墨，鐵礦石和其他礦物創作，這些礦物與殖民和埋藏在景觀中的暴力有著深刻的歷史聯繫。她的作品冷靜地拆解地方、權利、可見性和消除的效果，為觀眾帶來了親密的體驗。

費爾南德斯分別在美國佛羅裏達國際大學和弗吉尼亞聯邦大學取得美術學士學位和碩士學位。她獲獎無數，於2005年她獲頒著名的MacArthur基金會獎學金。其他獎項包括：古根漢獎學金（2003年）、路易斯·康福特·蒂芙尼雙年展大獎（1999年）、美國學院羅馬附屬學會獎學金（1999年）及美國全國藝術基金會藝術家獎（1994年）。在2011年，費爾南德斯受美國總統奧巴馬委任為美國聯邦美術委員會成員，同時成為該委員會成立100年以來首位拉丁裔委員，向總統、國會和政府機構就國家設計和美學等議題提出建議。費爾南德斯將於2021年在紐約布魯克林的BAM Harvey劇院的屋頂上展示一個大型的戶外雕塑，名為「Paradise Parados」。

麗莎·露（1969年生於美國紐約；目前於洛杉磯工作及生活）1996年在紐約新當代藝術博物館展出了一比一大小的廚房雕塑作品，引起關注。她開創先河，利用玻璃小彩珠作為雕塑的原材料。通過其緩慢的手工制作過程，廚房成為女性的紀念碑，代表著女性勞工在歷史上一直被忽視。該項目確立了她對物質、社會實踐和監禁的探索。

2005年，露移居至南非的誇祖魯．納塔爾省，她在省內聘請一群精通珠飾傳統工藝的祖魯族女性，共同協作「Security Fence」（2005）的大型雕塑。藝術家與祖魯族女匠一同工作，重新思考在非西方的歷史和社會學框架中實踐藝術，並強調以材料和勞動為主要題材。在過去的十年中，露專註於極簡主義的調色，利用由手汗、油和瑕疵引起的顏色的自然變化作為色調標記制作方式。在她的單色、像素化、編織的「繪畫」中，有玻璃珠微妙的變化和條紋，在作品創作的重覆和無形過程之下，展現人性和美感。

瑪麗蓮·敏特（1948年生於美國洛杉磯，現於紐約生活及工作）於1970年畢業於美國佛羅裏達大學，獲得藝術學士學位，並於1972年取得紐約雪城大學藝術碩士學位。她曾於世界各地的眾多博物館和美術館舉行個展，包括紐約布魯克林博物館（2016-2017年）、加州橙縣藝術博物館（2016年）、丹佛當代藝術博物館（2015年）、休斯敦當代藝術館（2015年）、德國漢堡堤霸之門（Deichtorhallen）美術館（2011年）、聖地牙哥當代美術館（2010年）、西班牙塞烏蒂La Conservera當代藝術中心（2009年）及三藩市現代藝術博物館（2005年）。她亦參與多個群展及雙年展，包括英國倫敦攝政公園的Frieze London藝術博覽會中由Alison M. Gingeras策展的「Sex Work: Feminist Art & Radical Politics」（2017年）、美國邁阿密Jeffrey Deitch 及 Larry Gagosian呈獻由iana Widmaier Picasso策展的「Desire」（2016年）、美國邁阿密的盧貝爾家族珍藏館的「No Man’s Land: Women Artists from the Rubell Family Collection」（2015年）、紐約布魯克林博物館的「Killer Heels: The Art of the High Heeled Shoe」（2014年）、巴爾的摩藝術博物館的「Collection in Context: Lynda Benglis, John Chamberlain, Andy Warhol, and Marilyn Minter」（2010年）、三蕕市現代藝術博物館的「The Anniversary Show」（2010年）、奧斯汀有蘭頓藝術博物館的「Desire」（2010年）、SITE聖塔菲雙年展的「 Pretty Is And Pretty Does」（2009年）、韓國釜山雙年展「Expenditure」（2008年）、意大利那不勒斯美術館的「Dangerous Beauty」（2007年）及紐約惠特尼年年展（2006年）。她的作品可見於多個國際公營及私人收藏，包括美國邁阿密佩雷斯藝術博物館、紐約所羅門古根漢博物館、三藩市現代藝術博物館、波士頓美術館、紐約現代藝術博物館、洛杉磯當代藝術美術館及紐約惠特尼美國藝術博物館。

嘉芙蓮·奧比（1961年生於美國桑達斯基，現居於美國洛杉磯）以充滿活力的彩色攝影著名，她考究美國生活的各個層面，從個人的身份、亞文化、社區、城市以至壯麗的自然。九十年代，奧比展出「Being and Having」人像攝影系列使她受到關注。「Being and Having」系列她拍攝身邊圈子的男同性戀者、女同性戀者、跨性別人士和藝術家。奧比遊歷多個國家去探索美國群體和地貌的多元性，記錄典型美國個體 - 高中足球運動員和2008年總統就職典禮 - 透過人像攝影繼續展示美國亞文化。就像充滿戲劇性的舞台表演，奧比在親密攝影作品中展示了易服人士、同性伴侶、紋身、疤痕和穿孔的身體，喚起傳統文藝覆興時期的人像創作 - 權力和尊重。在她的人像攝影中，奧比建立了一種模糊性 - 身份和地點 - 誇大男性或女性特征，或是誇大鏡頭的距離、裁剪或模糊景觀。

奧比於1985年美國三藩市藝術學院獲得學士學位，並於1988年於美國加州藝術學院獲得碩士學位。奧比曾經舉辦多個個人展覽，包括包括美國洛杉磯馬爾恰諾藝術基金會（2019年）、立木畫廊紐約（2018年）、美國新澤西州普林斯頓大學建築學院（2018年）、挪威奧斯陸海涅昂斯塔德藝術中心（2017年）、美國諾瓦東南大學藝術博物館（2017年）、美國洛杉磯縣藝術博物館（2016年）、美國洛杉磯當代藝術博物館（太平洋設計中心）（2016年）、美國洛杉磯哈默博物館（2016年）、美國哥倫布衛克斯那藝術中心（2015年）、 美國長灘藝術博物館（2012年）、美國紐約蘇格拉底雕塑公園（2012年）、美國波士頓當代藝術學院（2011年）、波蘭藝術博物館（2010年）、美國紐約所羅門古根漢博物館（2008年）、美國芝加哥當代藝術博物館（2006年）、美國沃克藝術中心（2002年），以及美國聖路易斯藝術博物館（2000年）。奧比的作品亦可見於多個群展，包括英國倫敦海沃德畫廊的「Kiss My Geners」（2019年）、美國紐約所羅門·R·古根漢美術館的「Implicit Tensions: Mapplethorpe Now」（2019年）、美國芝加哥當代藝術館的「West by Midwest」（2019年）、美國波士頓美術博物館的「Ansel Adams in Our Time」（2018年）、美國洛杉磯當代藝術博物館的「Permanent Collection: Catherine Opie and Sterling Ruby」（2017年）、美國洛杉磯蓋蒂中心的「Breaking News」（2016 - 2017年）、美國舊金山當代藝術博物館的「A Slow Succession with Many Interruptions」（2016 -2017年）、美國紐約惠特尼美國藝術館的「Human Interest: Portraits from the Whitney’s Collection」（2016年）、美國紐約布魯克林博物館的「Who Shot Sports: A Photographic History」（2016年）、美國洛杉磯哈默博物館的「Residue: The Persistence of the Real」（2015年）、美國紐約惠特尼美國藝術館的「America Is Hard to See」（2015年）、美國密歇根大學美術館的「Storylines: Contemporary Art at the Guggenheim」（2015年）、美國芝加哥當代藝術博物館的「Unbound: Contemporary Art After Frida Kahlo」（2014年）、美國華盛頓國家婦女藝術博物館「Role Models: Feminine Identity in Contemporary American Photography」（2008年）。奧比的作品可見於多個國際公營和私營收藏，包括美國紐約Albright-Knox藝廊、美國邁阿密藝術博物館、美國紐約所羅門古根漢博物館、以色列耶路撒冷以色列博物館、美國波士頓當代藝術學院、美國紐約惠特尼美術館、美國紐約現代藝術博物館、美國洛杉磯哈默博物館、倫敦泰特現代美術館。

卡里達・羅爾斯（1976年生於美國特拉華州威爾明頓；現於加利福尼亞州洛杉磯生活和工作）的畫作融合了超現實主義與詩意抽象風格。羅爾斯把其作品主體設置在動態的空間中，而「水」在她的作品中則是重要、有機、多元並具有歷史意義的空間。從歡欣鼓舞到熱情洋溢，甚至完全湮沒於神秘的氣氛中，黑人的身軀浮沉於精緻描繪的海洋景觀，伴隨著氣泡、漣漪、折射的光線和遼闊的藍色光景。對羅爾斯而言，「水」具有治癒身體與心靈的能力，亦能帶出歷史創傷和種族排斥。她活用這種複雜的二元性來營造一個全新的空間，藉以撫慰黑人的傷口及重新塑造她超越種族對立的主體。藝術家巧妙地利用「水」寧靜的特質和超越時間與地域的限制，使原本沈重的主題變得輕盈，讓「水」在作品中的解讀更引人入勝，引起觀眾的多面理解。即使在現今動盪的時代，羅爾斯的作品仍然憑著埋藏在作品標題和各種地形符號，展現出寧靜且富有力量的廣闊視野，同時不忘彰顯人性的光輝。

羅爾斯在近期的作品中重新想像神話莉莉斯（亞當的第一位妻子）的故事，她因不願雌伏在亞當身下而被妖魔化。羅爾斯嘗試延續這神話並重新為莉莉斯定位，讓她從與女性形象對立的惡靈轉化成隨水流飄浮的自我主權者，成為反抗的根源。此外，羅爾斯深受當代黑人女性作家以及她們對交叉性理論的觀點影響， 藝術家經常描繪穿著白袍的黑人婦女和女孩在平靜的領域中漂浮，讓她們從各種微歧視、膚色歧視及世代相傳的心理創傷中獲得解脫。畫中的女性都是從容地輕閉雙眼，從斑斕的藍海中散發著光芒。在安逸和滿足的瞬間，羅爾斯用「水」營造出寓言般的另類國度，以追求親密和歸屬感，以及女性之間的情誼。

羅賓·羅德（1976年生於南非開普敦）在約翰內斯堡長大，2000年畢業於約翰內斯堡電影電視戲劇藝術學院。這位居住在柏林的藝術家遊走於攝影、表演藝術、繪畫和雕塑等媒材。他利用肥皂、炭筆、粉筆和油漆等日常生活中的媒介來創作美麗悅目的故事。羅德長大於南非種族隔離時代後，社會不再受政治或社會議題支配，獨立創新的個人表達方式得到重視。隨著街舞、電影和大眾運動對青少年文化的影響日益擴大，以及社會對壁畫這種敘事形式的接受，羅德融合豐富歷史與街頭美學的藝術甚有代表性。透過藝術創作，他把城市變成了幻想世界。藝術家或演員跟作品的互動更為圖像添加立體感。他的作品融入個人表達和廣泛的社會經濟問題，並混合豐富的歷史和當代背景。羅德目前於德國柏林定居及從事藝術創作。

羅德在1996年到2001年間分別就讀於南非約翰內斯堡大學及Association of Film and Dramatic Arts （AFDA）。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括以色列特拉維夫藝術博物館（2017年）、美國薩凡納藝術與設計學院（2016年）、美國紐約繪畫中心（2015年）、美國紐約紐伯格藝術博物館（2014年）、澳大利亞墨爾本維多利亞國家美術館（2013年）、洛杉磯郡藝術博物館（2010年）、美國俄亥俄韋克斯納藝術中心（2009年）、英國倫敦海沃德美術館（2008年）及德國慕尼克藝術之家（2007年）。他亦曾參與多個群體展覽及雙/三年展，包括美國佛羅裏達傑克遜維爾博物館的「Synthesize: Art + Music」（2017年）、美國巴爾的摩藝術博物館的「Shifting Views: People and Politics in Contemporary African Art」（2016-2017年）、行為藝術雙年展PERFORMA的「A Performance by Robin Rhode」（2015年）、德國維特拉設計博物館和畢爾包古根漢博物館的「Making Africa」（2015年）、奧地利維也納阿爾貝蒂娜博物館的「DRAWING NOW」（2015年）、美國邁阿密巴斯藝術博物館的「GOLD」（2014年）、紐約現代藝術博物館的「Staging Action: Performance in Photography Since 1960」（2011年）及紐約現代藝術博物館的「New Photography」（2005年）。羅德曾參與多個雙/三年展，包括釜山雙年展（2017年）、第五十六屆威尼斯雙年展（2015年）、第18屆的悉尼雙年展（2012年）、日本橫濱藝術博物館的橫濱三年展（2005年）及第51屆的威尼斯雙年展（2005年）。其作品可見於多個國際公營以及私人收藏，包括意大利都靈裏沃利城堡當代藝術博物館、法國巴黎蓬皮杜藝術中心、美國華盛頓赫希洪博物館和雕塑園、美國邁阿密藝術博物館、法國巴黎現代藝術博物館、美國紐約現代藝術博物館、美國紐約所羅門·R·古根海姆博物館及美國明尼亞波利斯沃克藝術中心。