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Art Basel: Throughline

6月17日–2020年6月26日

Detail of painting by Cecilia Vicuña

For Art Basel’s Online Viewing Room, Lehmann Maupin will present Throughline, a series of pairings juxtaposing one recent and one historical work by Gilbert & George, Angel Otero, Do Ho Suh, and Cecilia Vicuña, collapsing the time between early and late works to offer viewers a unique snapshot of each artist's development. Featuring a work from early on in their career, as well as an example from the body of work they are creating today, this presentation aims to provide a retrospective experience often found in museum exhibitions and explores the common thread that runs through these artists’ oeuvres and the distinct evolution of their individual practices.

Through this lens, viewers are given the opportunity to explore how each artist takes a different, yet direct approach to engaging with their earlier work. Otero, for example, has recently begun reincorporating previous representational motifs into his abstract paintings, while Suh has continued to examine the significant relationship between human beings and the architectural spaces they inhabit or revere. Gilbert & George have explored a multitude of ways to construct their iconic dual self-portraits, and Vicuña, working from both photographs and memory, has been recreating paintings that have been lost or destroyed over the last 40 years. Although in many cases mediums and methods have changed, this presentation illuminates how each artist has maintained a commitment to the core themes and larger historical and cultural questions that first inspired their work.

The Beard Pictures by Gilbert & George

吉爾伯特與喬治

BEARD HONOR, 2016

Sculpture by Do Ho Suh

徐道獲

Public Figures, 1998

Wall work by Gilbert & George

吉爾伯特與喬治

THE HEAD AFLOAT ON TOP LEVELS ON THE HORIZON OF OUR THOUGHTS, (from the series 'The General Jungle' or 'Carrying on Sculpting'), 1971

Angel Otero

Drifting Far From Shore, 2020

Thread drawing by Do Ho Suh

徐道獲

Staircase/s, 2019

Painting by Cecilia Vicuña

塞西莉亞·維庫納

Camilo Torres, 1978

Painting by Cecilia Vicuña

塞西莉亞·維庫納

Hilito y Finadita, 2019, after the lost original 1969 work

Exhibition Artists

Portrait of Cecilia Vicuña

塞西莉亞·維庫納(1948年生於智利聖地亞哥, 現於紐約及聖地亞哥生活和工作)的創作融合了詩歌、表演、概念主義及紡織工藝,深入探討現代世界所熱切關注的議題,包括環境生態、人權和文化同質化。藝術家出生及成長於智利聖地亞哥。1970年代,智利軍方發動暴力軍事政變,把當時的薩爾瓦多·阿葉德(Salvador Allende)總統推倒,維庫納隨後被流放。這種無常的感覺及對智利土著歷史文化的敬意一直伴隨著藝術家,深深影響著她往後的藝術生涯。

維庫納於1960年代在智利生活期間,開始創作一系列名為「precarios」的小型雕塑,這種充滿詩意的作品使用了羽毛、石頭、塑料、木材、電線、貝殼、布以及其他人體毛髮。 她一般會使用繩子把這些小型雕塑輕輕的綁在一起,讓作品看似是自然地聯繫。作品的脆弱和短暫性尤其重要,維庫納初期更會在海邊創作,讓作品隨海浪隨意飄走。 同期,維庫納對古代的「奇普」(Quipus) 產生了興趣,「奇普」是一種印加文化中以彩色繩結紀事和交流的方法。她初次編織的經歷可追溯到70年代初,但不久之后她開始用羊毛製作獨特的「奇普」,作為一種短暫和場域特定的裝置作品,將編織和紡紗的儀式與聚會、詩歌和表演結合在一起。 相比維庫納其他作品,她在70年代創作的超現實具象繪畫更明顯地體現了其個人和政治色彩,對當時智利不明局勢和隨後被流放的經歷作出回應。另外,她的畫作也參考了16世紀拉丁美洲藝術家的創作精神。拉丁美洲被西班牙征服後,當地的畫家被迫為天主教會繪畫天使和聖人,但他們同時會創作一些微妙隱晦及具顛覆性的作品。在維庫納的畫作中,她以神話化的個人、政治和文學人物代替宗教偶像,以紀念他們。

Portrait of Do Ho Suh

徐道獲(1962年生於韓國首爾)曾於韓國國立大學主修東方油畫,其後分別在羅德島設計學院及耶魯大學學習油畫及雕塑。自九十年代中期,他開始對傳統個人空間的概念提出質疑,並對其概念在實體及隱喻呈現方面的變維及移動性進行探索。多年來,徐道獲的裝置、繪畫、雕塑和電影作品一直備受國際關註,當中探討的主題包括藝術家的個人經歷和家族歷史,如「家」、「遷徙」、「回憶」和「個體」等。徐道獲認為我們所居住的空間也含有心理的力量,而他嘗試在這些居所以外的地方作品中把記憶、個人體驗和安全感具像化。

徐道獲先後在美國羅德島設計學院及耶魯大學獲得藝術學士學位(1994年)和雕塑的藝術碩士學位。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽,包括丹麥奧胡斯藝術博物館(2018年,即將展出)、日本十和田現代美術館(2018年)、美國弗裏斯特視覺藝術中心(2018年,即將展出)、美國華盛頓史密森尼美國藝術博物館(2018年)、美國麥迪遜當代藝術博物館(2017年)、美國聖地牙哥當代美術館(2016年)、美國辛辛那提現代藝術中心(2016年)、美國克利夫蘭現代藝術博物館(2015年)、日本東京森美術館(2015年)、美國奧斯汀當代藝術博物館(2014年)、韓國首爾國立當代藝術博物館(2013年)、日本金沢21世紀美術館(2012-2013年)、日本廣島市現代美術館(2012年)、加利福尼亞大學聖地亞哥分校(2012年)、韓國首爾三星美術館(2012年)及英國倫敦泰特現代藝術館(2011年)。他亦曾參與多個群體展覽,包括意大利威尼斯第16屆國際建築展覽(2018年)、西班牙萊昂卡斯蒂利亞當代藝術博物館的「Shelter in the Storm. A Look at the Exile in the MUSAC Collection」(2018年)、奧爾布賴特·諾克斯藝術館的「Art of the Senses」(2017年,即將展出)、耶路撒冷以色列博物館的「No Place Like Home」(2017年)、美國洛杉磯哈默博物館和曼尼爾私人收藏博物館的「Apparitions: Frottages and Rubbings from 1860 to Now」(2015年)、韓國首爾三星美術館的「Beyond and Between」(2014年)、皇後區藝術博物館的「Shades of Time: An Exhibition from the Archive of Korean American Artists, Part Two 1989 - 2001」(2014年)、 美國芝加哥當代藝術博物館的「Homebodies」(2013年)、韓國大邱藝術博物館的「Dislocation」(2012年)及韓國果川國立當代藝術博物館的「Peppermint Candy: Contemporary Korean Art」(2009年)。徐道獲曾參與多個雙年展,包括新加坡雙年展(2016年)、南韓第9屆光州雙年展(2012年)、英國第6屆利物浦雙年展(2010年)、意大利威尼斯第12屆建築雙年展(2010年)、第8屆伊斯坦布爾國際雙年展(2003年)、第13屆悉尼雙年展(2002年),並作為韓國代表出席了第49屆威尼斯雙年展(2001年)。其作品可見於多個國際公營以及私人收藏,包括美國紐約現代美術博物館、美國紐約惠特尼美國藝術博物館、美國紐約所羅門·古根漢美術館、美國洛杉磯縣立美術館、美國沃克藝術中心、英國倫敦泰特現代藝術館、奧地利維也納Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection、荷蘭弗爾林登美術館、韓國首爾三星美術館、韓國首爾Art Sonje Center、日本東京都現代美術館、日本東京森美術館及日本金沢21世紀美術館。

Portrait of Gilbert & George

吉爾伯特與喬治(1943和1942年生於意大利和英國)早於1967年在倫敦的聖馬丁學院認識後便開始在藝術上的合作。他們在學生時代創造了「活雕塑」的概念,把自己的頭和手塗上彩色的金屬粉後穿梭於倫敦的大街和公園。後來他們在紐約、日本、歐洲和澳洲等世界各地的畫廊與博物館發表了這個抽象的雕塑概念。吉爾伯特與喬治的作品意念是把藝術品、藝術家和觀者之間的距離拉近,而他們最後把自己的身份融入這個「活雕塑」,成功地代表了人類的普遍狀況。吉爾伯特與喬治利用視像技術和相片拼貼的技巧來展示他們的作品,令更多觀眾能看到「活雕像」。於2005年,吉爾伯特與喬治代表英國參加威尼斯雙年展。吉爾伯特與喬治目前於英國倫敦居住及從事藝術創作。

他們在畢業後搬到了倫敦的東區,並在該處居住和創作了接近五十年。期間,倫敦的東區由一個忙碌的移民和工人階級社區士紳化成一個創意中心,而這種變化也影響了他們的創作。吉爾伯特與喬治在他們的作品中加入街道標志、銀杏樹、塗鴉、海報和人行道,用以表現這個城市和社區的社會政治及居住環境。

Art Basel: Throughline | Lehmann Maupin