曼迪·埃爾—薩伊（1985年生於馬來西亞，現工作及居於倫敦）高度過程驅動的藝術實踐始於對材料及語言的探索，她的創作形式包括富層次的繪畫、雕塑、裝置、圖像、聲音和影像，埃爾—薩伊的作品探討了體制的形成和瓦解，包括身體、語言或是政治上的意義。藝術家對探索「局部—整體」關係尤感興趣，她運用乳膠、橡膠和黏土等有機物的材料把不同的碎片、文本和現成圖像分層及拼湊，具體地證明了重要的事物往往是由微小的互動或重複而產生的。埃爾·薩伊相信，簡單的重複性圖案（例如手繪網格或幾何模型）會製造出不同形式而且令人出乎意料的敘述性組合。

埃爾—薩伊將她的探索性觀察過程聯繫當代社會和政治事件，這些事件往往以混亂且令人不安的方式發生，而對此類事件的辯護或解釋通常是事件發生之後，目的是整理我們主觀和不完整的社會、文化和政治進程。藝術家的作品旨在揭開這些重疊結構的面紗，並揭示它們的複雜性。 埃爾—薩伊對觀察的（科學和自我）過程很感興趣，她相信通過這樣的觀察，人們可以更好地理解塑造我們世界的社會和政治現像，如何以恆久的狀態不斷變化。

塞西莉亞·維庫納（1948年生於智利聖地亞哥， 現於紐約及聖地亞哥生活和工作）的創作融合了詩歌、表演、概念主義及紡織工藝，深入探討現代世界所熱切關注的議題，包括環境生態、人權和文化同質化。藝術家出生及成長於智利聖地亞哥。1970年代，智利軍方發動暴力軍事政變，把當時的薩爾瓦多·阿葉德（Salvador Allende）總統推倒，維庫納隨後被流放。這種無常的感覺及對智利土著歷史文化的敬意一直伴隨著藝術家，深深影響著她往後的藝術生涯。

維庫納於1960年代在智利生活期間，開始創作一系列名為「precarios」的小型雕塑，這種充滿詩意的作品使用了羽毛、石頭、塑料、木材、電線、貝殼、布以及其他人體毛髮。 她一般會使用繩子把這些小型雕塑輕輕的綁在一起，讓作品看似是自然地聯繫。作品的脆弱和短暫性尤其重要，維庫納初期更會在海邊創作，讓作品隨海浪隨意飄走。 同期，維庫納對古代的「奇普」（Quipus） 產生了興趣，「奇普」是一種印加文化中以彩色繩結紀事和交流的方法。她初次編織的經歷可追溯到70年代初，但不久之后她開始用羊毛製作獨特的「奇普」，作為一種短暫和場域特定的裝置作品，將編織和紡紗的儀式與聚會、詩歌和表演結合在一起。 相比維庫納其他作品，她在70年代創作的超現實具象繪畫更明顯地體現了其個人和政治色彩，對當時智利不明局勢和隨後被流放的經歷作出回應。另外，她的畫作也參考了16世紀拉丁美洲藝術家的創作精神。拉丁美洲被西班牙征服後，當地的畫家被迫為天主教會繪畫天使和聖人，但他們同時會創作一些微妙隱晦及具顛覆性的作品。在維庫納的畫作中，她以神話化的個人、政治和文學人物代替宗教偶像，以紀念他們。

納利·華德 （1963 年生於牙買加聖安德魯，現居於紐約）利用他從城市收集得來的物料創作戲劇性的雕塑式裝置藝術。他重新利用物件如嬰兒車、購物車、水瓶、門、電視套裝、收銀機、鞋帶等。華德重新塑造這些從城市收集回來的物件引導觀眾思考，並帶出複雜和隱喻的意義—審視周圍環境的種族、貧窮和消費文化所產生的問題。他偏向由觀眾對其作品提出個人的闡釋，為作品留下開放性的意義。

華德的最代表性的作品是「Amazing Grace」，制作於1993年時他駐場在美國紐約哈林區畫室博物館，作品回應早期九十年代愛滋病和毒品流行的問題。華德以365個遺棄的嬰兒車制作這個大型裝置—嬰兒車經常被美國紐約哈林區露宿者去運送他們的物質—華德用哈林區廢棄消防局中撿到的消防喉綁起嬰兒車。華德設置福音歌手瑪哈莉雅傑克森《奇異恩典》的錄音重覆播放，環繞在展場之中。歌詞講述救贖和變化，帶出樂觀和希望。與他的大部分作品一樣，這個裝置探索主題都有關於他工作地區的物料和社區環境。這年展於2013年曾被美國新當代藝術博物館Studio 231藝術空間和多個歐州地方重新制造。隨著每一個裝置內容上的轉變，作品的重要性都因每個城區的社群不同地與作品聯系而改變。

Billie Zangewa (b. 1973, Blantyre, Malawi; lives and works in Johannesburg, South Africa) creates intricate collages composed of hand-stitched fragments of raw silk. These figurative compositions explore contemporary intersectional identity in an attempt to challenge the historical stereotype, objectification, and exploitation of the black female form. Beginning her career in the fashion and advertising industries, Zangewa employs her understanding of textiles to portray personal and universal experiences through domestic interiors, urban landscapes, and portraiture. Her earliest works were embroideries on found fabrics depicting remembered botanical scenes and animals from Botswana, where the artist was raised, but she soon transitioned to creating cityscapes, focusing on her experience as a woman in the city of Johannesburg and her personal relationships. These works explored her experience of the male gaze, leading her to begin to think more critically about how women view themselves and what the visualization of the female gaze, through self-portraiture, could look like.

After the birth of her son, Zangewa began making her well-known domestic interiors to explore the shift in focus from self-examination and femininity to motherhood and the home. Often referencing scenes or experiences from everyday life, Zangewa has stated that she is interested in depicting the work done by women that keeps society running smoothly, but which is often overlooked, undervalued, or ignored. Zangewa refers to this as “daily feminism,” which can be considered a contemporary version of “the personal is political.” Through the method of their making and their narrative content, Zangewa’s silk paintings illustrate gendered labor in a socio-political context, where the domestic sphere becomes a pretext for a deeper understanding of the construction of identity, questions around gender stereotypes, and racial prejudice.