克拉拉·克莉斯塔洛娃（1967年生於捷克斯洛伐克; 目前於瑞典諾爾泰利耶定居），她創作的具象雕塑受神話和童話的啟發，既天真無邪又恐怖，令人憶起童年的幻想、夢想及夢魘。她的作品中很多基於人體和自然元素混合—動物、昆蟲、花和樹，模糊了這些具象的本質，邀請觀眾一同參與討論。克拉拉的雕塑經常描繪轉變的過程，然後停留在物理層面和心理層面兩個狀態之中。它們闡現了天真和恐怖、完美和毀壞、愉快和絕望、好和壞、男性和女性的二元界限。克拉拉認為成年期是一個象征性的時期，代表人類身體上和心理上的轉變和成長。她認為這個時期人類的天真和自由都迷失在社會壓力下，並要做出影響一個人未來方向的決定。克拉拉主要從事雕塑創作，她亦以畫、水彩、拼貼的方式來進行創作了一系列作品。

克拉拉就讀於瑞典斯德哥爾摩的皇家藝術大學，曾經舉辦多個個人展覽， 包括美國紐約貝浩登畫廊（2022年）、瑞典諾爾泰利耶美術館（2022年）、韓國首爾貝浩登畫廊（2021年）、瑞典斯德哥爾摩卡爾·埃爾德博物館（2021年）、瑞典利雪平美術館（2020年）、瑞典斯德哥爾摩馬格努斯卡爾森畫廊（2020年）、丹麥哥本哈根Kunstforeningen GL Strand（2017年）、美國佛羅裏達諾頓藝術博物館（2014年）、瑞典斯德哥爾摩邦尼爾美術館（2012年）、瑞典哥德堡藝術博物館（2012年）、美國三藩市現代藝術博物館（2011年）、美國新墨西哥聖塔菲國際雙年展（2009年）。克拉拉亦參與過多個群展， 包括美國洛杉磯的「United Talent Agency」（2021年）、法國勒平歐哈拉斯的「Du Cheval a l’oeuvre」（2021年）、荷蘭阿姆斯特丹的「ART ZUID Amsterdam Sculptuur Biennale」（2021年）、荷蘭呂伐登公主庭院陶瓷博物館的「Human After All」（2020年）、中國上海明珠美術館的「In the Name of Flower」（2020年）、瑞典斯德哥爾摩Artipelag的「Signature women」（2020年）、加拿大蒙特利爾蒙特婁美術館的「Tant le moindre de mes atomes t’appartient intimement: Oeuvres choisies de la Collection Bailey」（2019年）、瑞典達爾斯朗格斯特內比美術館的「Klara Kristalova, Marten Medbo, Per B Sundberg」（2019年）、法國梅麥克聖安德烈修道院/當代藝術中心的「Figures de l’Animal」（2019年）、瑞士琉森盧塞恩美術館「Yellow Creature」（2017年）、法國梅麥克聖安德烈修道院/當代藝術中心的「Les imaginaires d’un monde in-tranquille」（2017年）、日本神奈川縣橫濱美術館的「Takashi Murakami’s Superflat Collection」（2017年）、美國肯塔基州路易斯維爾KMAC當代藝術博物館的「Sisters of the Moon」（2016年）、芬蘭埃斯波當代美術館的「In Search of the Present」（2016年）、美國邁阿密盧貝爾家族珍藏館的「NO MAN’S LAND: Women Artists from the Rubell Family Collection」（2015年）。

亞莉克絲·普拉格爾（生於 1979 年，加利福尼亞州洛杉磯；目前在加利福尼亞州洛杉磯生活和工作）是一位精心創作的攝影師和電影製作人。從廣泛的影響和參考中汲取靈感，靈感源自好萊塢電影，實驗電影，流行文化和街頭攝影等。她刻意將她所有的作品中，讓演員進行舞台表演，融合過去和當代來製造一種模棱兩可的感覺。她熟悉而又不可思議的圖像描繪了綜合虛構和現實的世界， 喚起一種懷舊的感覺普拉格爾在她的照片和電影中培養超現實主義，創造出讓人情感豐富的時刻，虛構記憶或夢想。每張照片都捕捉到了時間凝固的瞬間，邀請觀眾“完成故事” 並推測其敘事背景。普拉格爾的作品經常讓觀眾意識到攝影和電影的窺探本質，建立一種侵入潛在私人時刻的不安感覺。她精密編排的照片和電影揭示了我們在媒體飽和的社會中構建和消費圖像的方式。

普拉格爾曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括韓國首爾樂天美術館（即將展出）、立木畫廊倫敦（2022年）、美國洛杉磯郡藝術博物館（2020年）、愛沙尼亞塔林摄影博物馆（2020年）、瑞典斯德哥爾摩攝影博物館 Fotografiska Museet （2019 年） 、意大利米蘭索達尼基金會 Fondazione Sozzani（2019 年）、荷蘭阿姆斯特丹攝影博物館 FOAM Fotografiemuseum（2019 年）、俄羅斯莫斯科多媒體藝術博物館（2019 年）、瑞士勒洛克勒的美術博物館（2018年，將會舉行）、美國愛荷華得梅恩藝術中心（2017-2018年，將會舉行）、美國聖路易斯藝術博物館（2015年）、法國巴黎老佛爺畫廊（2015年）、 美國德克薩斯高斯邁克爾基金會（2015年）、澳大利亞維多利亞國家美術館（2014年）、美國華盛頓科科倫畫廊（2013年）、美國薩凡納藝術設計學院博物館（2013年）及荷蘭阿姆斯特丹攝影博物館（2012年）。

羅賓·羅德（1976年生於南非開普敦）在約翰內斯堡長大，2000年畢業於約翰內斯堡電影電視戲劇藝術學院。這位居住在柏林的藝術家遊走於攝影、表演藝術、繪畫和雕塑等媒材。他利用肥皂、炭筆、粉筆和油漆等日常生活中的媒介來創作美麗悅目的故事。羅德長大於南非種族隔離時代後，社會不再受政治或社會議題支配，獨立創新的個人表達方式得到重視。隨著街舞、電影和大眾運動對青少年文化的影響日益擴大，以及社會對壁畫這種敘事形式的接受，羅德融合豐富歷史與街頭美學的藝術甚有代表性。透過藝術創作，他把城市變成了幻想世界。藝術家或演員跟作品的互動更為圖像添加立體感。他的作品融入個人表達和廣泛的社會經濟問題，並混合豐富的歷史和當代背景。羅德目前於德國柏林定居及從事藝術創作。

羅德在1996年到2001年間分別就讀於南非約翰內斯堡大學及Association of Film and Dramatic Arts （AFDA）。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括以色列特拉維夫藝術博物館（2017年）、美國薩凡納藝術與設計學院（2016年）、美國紐約繪畫中心（2015年）、美國紐約紐伯格藝術博物館（2014年）、澳大利亞墨爾本維多利亞國家美術館（2013年）、洛杉磯郡藝術博物館（2010年）、美國俄亥俄韋克斯納藝術中心（2009年）、英國倫敦海沃德美術館（2008年）及德國慕尼克藝術之家（2007年）。他亦曾參與多個群體展覽及雙/三年展，包括美國佛羅裏達傑克遜維爾博物館的「Synthesize: Art + Music」（2017年）、美國巴爾的摩藝術博物館的「Shifting Views: People and Politics in Contemporary African Art」（2016-2017年）、行為藝術雙年展PERFORMA的「A Performance by Robin Rhode」（2015年）、德國維特拉設計博物館和畢爾包古根漢博物館的「Making Africa」（2015年）、奧地利維也納阿爾貝蒂娜博物館的「DRAWING NOW」（2015年）、美國邁阿密巴斯藝術博物館的「GOLD」（2014年）、紐約現代藝術博物館的「Staging Action: Performance in Photography Since 1960」（2011年）及紐約現代藝術博物館的「New Photography」（2005年）。羅德曾參與多個雙/三年展，包括釜山雙年展（2017年）、第五十六屆威尼斯雙年展（2015年）、第18屆的悉尼雙年展（2012年）、日本橫濱藝術博物館的橫濱三年展（2005年）及第51屆的威尼斯雙年展（2005年）。其作品可見於多個國際公營以及私人收藏，包括意大利都靈裏沃利城堡當代藝術博物館、法國巴黎蓬皮杜藝術中心、美國華盛頓赫希洪博物館和雕塑園、美國邁阿密藝術博物館、法國巴黎現代藝術博物館、美國紐約現代藝術博物館、美國紐約所羅門·R·古根海姆博物館及美國明尼亞波利斯沃克藝術中心。

埃爾溫·沃姆 （1954 年生於奧地利施泰爾安德莫爾，現居於奧地利維也納）是一位奧地利藝術家，在過去的四十年裡，他的創作實踐極大地拓展了雕塑的可能性。沃姆的作品根植於關於雕塑本質、空間構成以及人體、日常物品和姿態如何轉化為雕塑形式的概念性問題，挑戰著人們對雕塑媒介的傳統定義。儘管他的作品中充斥著超大尺寸的醃黃瓜、擬人化的香腸、空蕩蕩的西裝以及比例失調的房屋，但沃姆最著名的作品還是他標誌性的《One Minute Sculpture》。這些作品指導參與者用日常物品擺出不合邏輯的姿勢來創作臨時雕塑。透過他充滿悖論的作品，沃姆直面當代社會的哲學問題——從對地位和消費主義的痴迷，到對傳統價值體系的焦慮，再到現代心理學的複雜性。同時，這位藝術家透過對體積、表面、尺度和時間的大膽形式實驗，探索雕塑的全新可能性。儘管沃姆認為荒誕是重要的創作工具，但其作品中始終蘊含著對當代文化的社會批判。沃姆強調這種二元性，他遊走於高雅與通俗的邊緣地帶，融合不同的藝術流派，探索他眼中虛構的現實。