亞莉克絲·普拉格爾（生於 1979 年，加利福尼亞州洛杉磯；目前在加利福尼亞州洛杉磯生活和工作）是一位精心創作的攝影師和電影製作人。從廣泛的影響和參考中汲取靈感，靈感源自好萊塢電影，實驗電影，流行文化和街頭攝影等。她刻意將她所有的作品中，讓演員進行舞台表演，融合過去和當代來製造一種模棱兩可的感覺。她熟悉而又不可思議的圖像描繪了綜合虛構和現實的世界， 喚起一種懷舊的感覺普拉格爾在她的照片和電影中培養超現實主義，創造出讓人情感豐富的時刻，虛構記憶或夢想。每張照片都捕捉到了時間凝固的瞬間，邀請觀眾“完成故事” 並推測其敘事背景。普拉格爾的作品經常讓觀眾意識到攝影和電影的窺探本質，建立一種侵入潛在私人時刻的不安感覺。她精密編排的照片和電影揭示了我們在媒體飽和的社會中構建和消費圖像的方式。

普拉格爾曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括韓國首爾樂天美術館（即將展出）、立木畫廊倫敦（2022年）、美國洛杉磯郡藝術博物館（2020年）、愛沙尼亞塔林摄影博物馆（2020年）、瑞典斯德哥爾摩攝影博物館 Fotografiska Museet （2019 年） 、意大利米蘭索達尼基金會 Fondazione Sozzani（2019 年）、荷蘭阿姆斯特丹攝影博物館 FOAM Fotografiemuseum（2019 年）、俄羅斯莫斯科多媒體藝術博物館（2019 年）、瑞士勒洛克勒的美術博物館（2018年，將會舉行）、美國愛荷華得梅恩藝術中心（2017-2018年，將會舉行）、美國聖路易斯藝術博物館（2015年）、法國巴黎老佛爺畫廊（2015年）、 美國德克薩斯高斯邁克爾基金會（2015年）、澳大利亞維多利亞國家美術館（2014年）、美國華盛頓科科倫畫廊（2013年）、美國薩凡納藝術設計學院博物館（2013年）及荷蘭阿姆斯特丹攝影博物館（2012年）。

卡德·阿提亞（1970年生於法國；目前於德國柏林定居及從事藝術創作）的童年在巴黎郊區以及阿爾及利亞度過，而這段跨文化的經歷則成為了他往後充滿活力的藝術創作的一個根基與起點。阿提亞善於在作品裏反思不同文化的美學與價值觀。他以一種詩意、有象征意味的藝術語言探索西方文化霸權與殖民侵略對非西方文化國家的影響與後果。阿提亞在探討殖民時代歷史的同時，也試圖在當今全球化的背景下重新思索我們在殖民時代的政治身份。

阿提亞分別在1993年、1994年和1998年於法國巴黎國立應用藝術學院、西班牙巴塞羅那的馬薩納藝術與設計學院及法國巴黎國立高等裝飾藝術學院獲得學位。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括卡塔爾多哈馬塔夫：阿拉伯現代藝術博物館（2021年）、荷蘭烏得勒支BAK—當代藝術（2021年）、瑞士蘇黎世美術館（2020年）、巴西聖保羅龐貝亞（2020年）、美國柏克萊藝術博物館及太平洋電影資料館（BAMPFA）（2019年）、英國倫敦海沃德畫廊（2019年）、法國巴黎法國馬恩河谷省當代藝術博物館（2018年）、西班牙巴塞羅納米羅基金會美術館（2018年）、加拿大多倫多「發電廠」博物館（2018年）、美國新罕布什爾州胡德藝術博物館（2018年）、法國巴黎東京宮（2018年）、澳大利亞悉尼澳大利亞當代藝術博館（2017年）、德國科布倫茨路德維希博物館（2017年）、美國華盛頓大學米爾德里德·萊恩·肯珀藝術博物館（2017年）、比利時根特當代藝術博物館（S.M.A.K.）（2017年）、法國巴黎龐畢度中心（2016年）、德國法蘭克福現代藝術博物館（2016年）、瑞士洛桑州立美術館（2015年）、德國柏林KW當代藝術研究院（2013年）、英國倫敦白教堂畫廊（2013年）、法國巴黎現代藝術博物館（2012年）、美國波士頓當代美術研究所（2007年）及法國裏昂現代藝術博物館（2006年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括德國柏林格羅皮烏斯·鮑的「YOYI! Care, Repair, Heal」（2022年）、韓國首爾三星美術館的「Human, 7 Questions」（2021年）、西班牙畢爾巴鄂畢爾包古根漢美術館的「The Roaring Twenties」（2021年）、法國巴黎國家凱布朗利博物館的「Africa Reborn」（2021年）、瑞士蘇黎世美術館的「Smoke and Mirrors: The Roaring Twenties」（2020年）、德國柏林格羅皮烏斯·鮑的「Down to Earth」（2020年）、法國巴黎龐畢度中心的「Global(e) Resistance」（2020年）、丹麥奧爾胡斯ARoS奧胡斯藝術博物館的「Mythologies - The Beginning and End of Civilizations」（2020年）、法國巴黎東京宮的「Our World is Burning」（2020年）、阿聯酋杜拜Jameel藝術中心的「Phantom Limb」（2019年）、波士頓當代藝術中心的「When Home Won’t Let You Stay: Migration Through Contemporary Art,」（2019年）、美國華盛頓菲利普美術館的「The Warmth of Other Suns: Stories of Global Displacements」（2019年）、中國上海第十二屆上海雙年展（2018年）、德國慕尼黑現代藝術陳列館（2017年）、維也納立奧波德博物館的「Foreign Gods: Fascination Africa and Oceania」（2016年）、紐約所羅門·R·古根海姆博物館的「But a Storm Is Blowing from Paradise: Contemporary Art of the Middle East and North Africa」（2016年）、德國漢堡堤壩之門美術館的「Picasso in Contemporary Art」（2015年）、巡回美國華盛頓特區史密森尼美國藝術博物館、美國薩凡納藝術設計學院藝術博物館和德國法蘭克福現代藝術博物館的「The Divine Comedy: Heaven, Purgatory, and Hell Revisited」（2014 - 2015年）、紐約新美術館的「Here and Elsewhere」（2014年）、紐約現代藝術博物館的「Performing Histories」（2012年）和英國倫敦泰特現代美術館的「Contested Terrains」（2011年）。

洛里爾·貝爾特蘭（1985 年生於委內瑞拉加拉加斯；現常駐佛羅里達州邁阿密）以其獨特的抽象創作方法而聞名。經過密集的勞動過程，使用塗料堆積成雕塑，挑戰了傳統媒介的概念。藝術家以一種詩意的方式融合了繪畫和雕塑，他在物化色彩的複雜形態，同時「抵製其成為圖像」。在藝術史的語境中，貝爾特蘭將他的作品置於拉丁美洲現代主義和美國戰後繪畫的影響之間，消解了圖像與物體、表面與實質、平面與結構之間的對立鴻溝。同時，貝爾特蘭的作品也並非僅停留在圖像或光學的體驗，隨著他對感知經驗的探究，他的作品記錄了藝術勞動的行為，將時間的流逝可視化，既是作品又是檔案。

藝術家的作品表面由一層層乾透了的油彩組成，從而形成了振動的光學效果。貝爾特蘭為此定制了專用的模具，並將顏料倒入其中，讓顏料隨著時間的推移變硬變乾。他有時也會將一些物質倒入模具——比如他工作室裡剩餘的材料或碎屑，以此在作品中引入「干擾」因素。他重複這個過程數月甚至數年，油彩層層凝結和積累。然後，藝術家取出模具，用一台定制的機器將模具下產生的物質——帶有漩渦和顏色層的硬塊——切成條狀。這些條狀物以大膽的平面構圖被排列，往往附著在一塊木板上。貝爾特蘭的許多作品都考慮了顏色特定組合之間的相互作用，並將其描述為「代碼面板」，視作一種獨特的視覺語言，充滿各種圖像的可能性，而並不只是在描繪單一的圖像。

多米尼克．錢伯斯（1993年出生於美國密蘇里州的聖路易斯，日前工作與生活在康乃狄克州的紐哈芬市）的生動繪畫與藝術史脈絡息息相關，如色域繪畫與姿態抽象，藝術家關注的主題圍繞在種族、身份、休閒與沈思的重要性等當代議題上。錢伯斯對於藝術如何作為一種理解的方式、如何再脈絡化及如何在人與世界之間溝通的關係等模式深感興趣。藝術家將繪畫視為批判與知識的創作，也是美學的實踐。同時身為作家，錢伯斯的靈感來自文學作品，特別是魔幻寫實主義和美國社會學家杜波依斯的經典創作《黑人的靈魂》以及其探討的核心主題——受蒙蔽的社會。種族不公的產物是藝術家透過其黑人身體所觀察和親身經歷的隱喻鏡頭。蒙蔽的意象也貫穿在藝術家的創作中，不論是在《Wash Paintings》系列中以大片色彩遮蔽人物的圖像或是繪畫中反覆使用的雨滴圖案，皆為錢伯斯創作中常見的主題及元素。錢伯斯的許多作品融入了預言主義的元素，包含將幽靈般的剪影暗喻成藝術家的替身及熟悉卻不可替代的超現實風景。

錢伯斯近年多以描繪在休息與沈思中的親朋好友們為主要的創作特色。「很多時候，黑人的身體在人們既定的印象中被認定為持續工作且無法休息的狀態。」藝術家解釋：「談論到黑人身體時，人們時常將黑人與奴隸、反抗和抵抗的行為聯想在一起。」在其《Primary Magic 》和《After Albers》創作系列中，錢伯斯試圖消弭這些關聯，他繪畫中的主角不是在閱讀就是陷入沈思中，他們的目光似乎注視著遠遠超過畫面的範圍。錢伯斯將繪畫中的人物安排在不斷變化中的單色夢境中，並暗示了大環境的易變性，其繪畫場景喚起沈浸在閱讀一本好書的樂趣及享受與自己安靜的反思體驗。藝術家將色彩視為作品中的主角之一，色彩與解開創作者在畫面中埋伏的背後寓意同樣重要。錢伯斯巧妙地處理對比色之間的張力與相互的作用，為他的作品帶來微妙的創作火花，藝術家對色彩平衡的處理則為作品注入了和諧的詩意。

特雷西塔·費爾南德斯（1968年生於美國邁阿密，現居於紐約）她是一位概念藝術家，尤以公共雕塑和非常規的材料應用最廣為人知。她對感知和視覺心理的研究十分有興趣，其大規模的實驗性作品往往受景觀、自然現象及不同的歷史和文化啟發。費爾南德斯的作品經常參照大自然，其概念實踐強調地點與物質之間的聯繫。 她經常使用金，石墨，鐵礦石和其他礦物創作，這些礦物與殖民和埋藏在景觀中的暴力有著深刻的歷史聯繫。她的作品冷靜地拆解地方、權利、可見性和消除的效果，為觀眾帶來了親密的體驗。

費爾南德斯分別在美國佛羅裏達國際大學和弗吉尼亞聯邦大學取得美術學士學位和碩士學位。她獲獎無數，於2005年她獲頒著名的MacArthur基金會獎學金。其他獎項包括：古根漢獎學金（2003年）、路易斯·康福特·蒂芙尼雙年展大獎（1999年）、美國學院羅馬附屬學會獎學金（1999年）及美國全國藝術基金會藝術家獎（1994年）。在2011年，費爾南德斯受美國總統奧巴馬委任為美國聯邦美術委員會成員，同時成為該委員會成立100年以來首位拉丁裔委員，向總統、國會和政府機構就國家設計和美學等議題提出建議。費爾南德斯將於2021年在紐約布魯克林的BAM Harvey劇院的屋頂上展示一個大型的戶外雕塑，名為「Paradise Parados」。

Chantal Joffe (b. 1969, St. Albans City, VT; lives and works in London, United Kingdom) creates figurative paintings that address themes of portraiture, motherhood, the passage of time, and art’s relationship to history. Committed to the genre of figurative art, Joffe brings a combination of insight and integrity, as well as psychological and emotional force to her subjects. Almost always depicting women or girls, sometimes in groups, Joffe’s paintings loosely adhere to their source―be it a photograph, magazine page, or reflection in the mirror―reminding us that distortions of scale and form can often make a subject seem more lifelike. Joffe’s paintings alert us to how appearances are carefully constructed and codified, whether in a fashion magazine or the family album, and to the choreography of display. She offers insightful neutrality in her paintings and gives equal billing to catwalk models, porn actresses, mothers and children, loved ones, and literary heroines. Joffe’s choice of subject invites us to question our assumptions about what makes a noble portrait and challenges our expectations of what feminist art might be.

For Joffe, sensuality, self-disclosure, self-consciousness, and intimacy are brought together to heighten already complex narratives about human connection, perception, and representation. These narratives, implicit in the relationship between any artist and subject, are extended to the viewer as propositions and provocations. Whether in paintings a few inches square or ten feet high, Joffe's deceptively casual brushstrokes and ability to combine gesture with a pragmatic approach to representation simultaneously seduces and disarms. Often laying bare the physicality of their making and suffused with a palpable empathetic warmth, Joffe’s paintings offer an insightful examination into ever-shifting human connections and the endless intricacies of looking.

Kim Yun Shin (b. 1935, Wonsan, North Korea; lives and works in Seoul, South Korea) is a multidisciplinary artist known for her dynamic sculpture and painting, which often unfold through a series of interactions with nature. Growing up amidst the backdrop of Korea’s tumultuous history in the 20th century, Kim has established herself as a pioneering figure in the post-war South Korean art scene, overcoming societal norms to carve out a space for herself as a first-generation woman sculptor. Despite facing challenges in a male-dominated field, she ventured to Paris to pursue her artistic aspirations, taught at various universities, and co-founded the Korean Sculptress Association in 1974 to support emerging artists. Partly influenced by her nomadic early life, her work reflects a fearless exploration of diasporic cultures—from France, Mexico, and Brazil, to her adoptive home of Argentina, where she established Museo Kim Yun Shin, the first Korean immigrant art museum. Her journey from turbulent beginnings during the Japanese colonial period and Korean War to becoming a trailblazer in Korean contemporary art reflects the artist’s personal resilience and commitment to artistic innovation.

Across six decades, Kim has developed an aesthetic that engages with the fundamental qualities of materials and nature, navigating themes of confrontation, introspection, and coexistence. Central to her artistic expression is the use of solid wood, a primary medium through which Kim envisions the structural and spiritual elements of antiquity and the primordial world. In doing so, she visualizes the intersection between nature, time, and history, reconsidering the very essence of human existence. Her early sculptures from the 1970s are deeply rooted in traditional Korean hanok architecture, which uses a distinctive technique that joins wooden blocks without nails. In her Stacking Wishes series, the artist also explores traditions of vertical stacking in Korean and Latin American totemism. This notion of organic connection and her interest in East Asian philosophy merge in her iconic Add Two Add One, Divide Two Divide One series, which she began in the late 1970s. The terms “add” and “divide” originate from the philosophical concept of yin (division and fragmentation) and yang (addition and integration). Through a meticulous yet intuitive process—in which Kim “adds” her soul into the solid wood and “divides” the space between the bark and inner wood to create a complete whole—the artist delves into raw materiality and uncovers a newfound vitality.

卡里達・羅爾斯（1976年生於美國特拉華州威爾明頓；現於加利福尼亞州洛杉磯生活和工作）的畫作融合了超現實主義與詩意抽象風格。羅爾斯把其作品主體設置在動態的空間中，而「水」在她的作品中則是重要、有機、多元並具有歷史意義的空間。從歡欣鼓舞到熱情洋溢，甚至完全湮沒於神秘的氣氛中，黑人的身軀浮沉於精緻描繪的海洋景觀，伴隨著氣泡、漣漪、折射的光線和遼闊的藍色光景。對羅爾斯而言，「水」具有治癒身體與心靈的能力，亦能帶出歷史創傷和種族排斥。她活用這種複雜的二元性來營造一個全新的空間，藉以撫慰黑人的傷口及重新塑造她超越種族對立的主體。藝術家巧妙地利用「水」寧靜的特質和超越時間與地域的限制，使原本沈重的主題變得輕盈，讓「水」在作品中的解讀更引人入勝，引起觀眾的多面理解。即使在現今動盪的時代，羅爾斯的作品仍然憑著埋藏在作品標題和各種地形符號，展現出寧靜且富有力量的廣闊視野，同時不忘彰顯人性的光輝。

羅爾斯在近期的作品中重新想像神話莉莉斯（亞當的第一位妻子）的故事，她因不願雌伏在亞當身下而被妖魔化。羅爾斯嘗試延續這神話並重新為莉莉斯定位，讓她從與女性形象對立的惡靈轉化成隨水流飄浮的自我主權者，成為反抗的根源。此外，羅爾斯深受當代黑人女性作家以及她們對交叉性理論的觀點影響， 藝術家經常描繪穿著白袍的黑人婦女和女孩在平靜的領域中漂浮，讓她們從各種微歧視、膚色歧視及世代相傳的心理創傷中獲得解脫。畫中的女性都是從容地輕閉雙眼，從斑斕的藍海中散發著光芒。在安逸和滿足的瞬間，羅爾斯用「水」營造出寓言般的另類國度，以追求親密和歸屬感，以及女性之間的情誼。

納利·華德 （1963 年生於牙買加聖安德魯，現居於紐約）利用他從城市收集得來的物料創作戲劇性的雕塑式裝置藝術。他重新利用物件如嬰兒車、購物車、水瓶、門、電視套裝、收銀機、鞋帶等。華德重新塑造這些從城市收集回來的物件引導觀眾思考，並帶出複雜和隱喻的意義—審視周圍環境的種族、貧窮和消費文化所產生的問題。他偏向由觀眾對其作品提出個人的闡釋，為作品留下開放性的意義。

華德的最代表性的作品是「Amazing Grace」，制作於1993年時他駐場在美國紐約哈林區畫室博物館，作品回應早期九十年代愛滋病和毒品流行的問題。華德以365個遺棄的嬰兒車制作這個大型裝置—嬰兒車經常被美國紐約哈林區露宿者去運送他們的物質—華德用哈林區廢棄消防局中撿到的消防喉綁起嬰兒車。華德設置福音歌手瑪哈莉雅傑克森《奇異恩典》的錄音重覆播放，環繞在展場之中。歌詞講述救贖和變化，帶出樂觀和希望。與他的大部分作品一樣，這個裝置探索主題都有關於他工作地區的物料和社區環境。這年展於2013年曾被美國新當代藝術博物館Studio 231藝術空間和多個歐州地方重新制造。隨著每一個裝置內容上的轉變，作品的重要性都因每個城區的社群不同地與作品聯系而改變。

Billie Zangewa (b. 1973, Blantyre, Malawi; lives and works in Johannesburg, South Africa) creates intricate collages composed of hand-stitched fragments of raw silk. These figurative compositions explore contemporary intersectional identity in an attempt to challenge the historical stereotype, objectification, and exploitation of the black female form. Beginning her career in the fashion and advertising industries, Zangewa employs her understanding of textiles to portray personal and universal experiences through domestic interiors, urban landscapes, and portraiture. Her earliest works were embroideries on found fabrics depicting remembered botanical scenes and animals from Botswana, where the artist was raised, but she soon transitioned to creating cityscapes, focusing on her experience as a woman in the city of Johannesburg and her personal relationships. These works explored her experience of the male gaze, leading her to begin to think more critically about how women view themselves and what the visualization of the female gaze, through self-portraiture, could look like.

After the birth of her son, Zangewa began making her well-known domestic interiors to explore the shift in focus from self-examination and femininity to motherhood and the home. Often referencing scenes or experiences from everyday life, Zangewa has stated that she is interested in depicting the work done by women that keeps society running smoothly, but which is often overlooked, undervalued, or ignored. Zangewa refers to this as “daily feminism,” which can be considered a contemporary version of “the personal is political.” Through the method of their making and their narrative content, Zangewa’s silk paintings illustrate gendered labor in a socio-political context, where the domestic sphere becomes a pretext for a deeper understanding of the construction of identity, questions around gender stereotypes, and racial prejudice.

麥克阿瑟·比尼恩（McArthur Binion）出生於1946年，於1971年獲得美國韋恩州立大學美術學士學位，並在1973年於克蘭布魯克藝術學院獲得藝術碩士學位。在過去的40多年的藝術創作中，比尼恩創造出極簡主義的自傳式抽象藝術風格，他始終致力於將拼貼、繪畫及油畫相結合，並把其個人紀念性物品拼貼於大尺寸網格畫布之上，這種覆雜而深刻的創作過程使他的藝術創作獨樹一幟。從遠處看，這些覆雜的層疊作品就像賈思培·瓊斯、羅伯特·瑞曼或布賴斯·馬登的單色極簡抽象畫作。然而，比起同期藝術家所留意的實質性、抽象化、甚至社會與政治氣候，比尼恩的作品非常貼近他的個人生活，並且十分嚴謹。仔細檢視下，這些單色的抽象方格其實是不完美的手繪線條，讓人近距離的感受比尼恩的身份和經歷。作為一個作家，比尼恩深受語言和音樂的影響，而我們亦可以由他的作品題目和他重疊資訊的方式領會到這個特質。跟爵士樂中即興與編曲的比重大同小異，比尼恩畫布上的方格和他繪畫的手法也充滿了張力。

比尼恩除了在第57屆威尼斯雙年展「VIVA ARTE VIVA」(2017年）展出作品，也曾舉辦個人展覽，包括美國休斯頓當代藝術博物館（2012年）及美國馬裏蘭大學學院畫廊（2010年）。他最近參與的群體展覽包括美國密西西比藝術館的「Picturing Mississippi, 1817-2017: Land of Plenty, Pain, and Promise」（2017年）、美國聖地亞哥當代藝術博物館的「Dimensions of Black: a Collaboration with the San Diego African American Museum of Fine Art」（2017年）、美國新奧爾良美術館的「New at NOMA: Recent Acquisitions in Modern and Contemporary Art」（2017年）、美國國立非裔美國人歷史和文化博物館的「Through the African American Lens」（2017年）、美國紐約哈林工作室博物館的「Circa 1970」（2016年）和「When the Stars Begin to Fall: Imagination in the American South」（2014年）、以及美國休斯頓當代藝術博物館的「Black in the Abstract」（2013年）。他的作品可見於多個公營及私人收藏，包括美國密歇根克蘭布魯克藝術博物館、美國底特律藝術學院、美國肯尼亞堪薩斯城肯珀當代藝術博物館、美國紐約大都會藝術博物館、美國國立非裔美國人歷史和文化博物館、美國新奧爾良美術館、美國菲利普斯收藏館、美國底特律韋恩州立大學和美國紐約惠特尼美國藝術博物館。

Tammy Nguyen (b. 1984, San Francisco, CA; lives and works in Easton, CT) creates paintings, drawings, artist books, prints, and zines that explore the intersections between geopolitics, ecology, and lesser-known histories. A story teller, Nguyen’s multidisciplinary practice takes two forms—her more traditional fine arts practice, which encompasses her lush, dense paintings, as well as her prints, drawings, and unique artist books, and her publishing practice, embodied through her imprint, Passenger Pigeon Press, which creates and distributes Martha’s Quarterly, a subscription of artist books and interdisciplinary collaborations. Across both domains Nguyen’s work aims to unsettle, and the tension between the artist’s elegant forms and harmonious aesthetics often belies the nature of her content. The confusion this dissonance creates becomes generative, opening space for reevaluation, radical thinking, and the dislodging of complacency.

Many of Nguyen’s paintings expand from her unique artist books, often through engagement with similar themes, questions, or investigations. Throughout her work she has explored a range of topics and ideas, including the Bandung conference, the first large-scale Afro-Asian conference which was attended by world leaders from 29 non-aligned countries during the Cold War, Forest City, a sprawling off-shore development project in Malaysia, and the red-shanked douc langur, an endangered species of monkey native to Laos, Vietnam, and Cambodia. A recent artist book series, Four Ways Through a Cave (2021), relates Nguyen’s travels through the Phong Nha-Ke Bang karst in Vietnam, significant for its numerous underground caverns and passageways and its history in the Vietnam War as a crucial area of the Ho Chi Minh Trail. The book simultaneously invokes Plato’s allegory of the cave—the recognition of truth through the loss of illusion—and conveys the sense of physically moving through a cave, with circular-shaped cutouts that shift from page to page, tunneling through the book and transforming the reader into a momentary spelunker.

Todd Gray (b. 1954, Los Angeles, CA; lives and works in Los Angeles, CA and Akwidaa, Ghana) is a photo-based artist whose work aims to destabilize assumptions about the veracity of photography and provoke reconsiderations of long-accepted norms and beliefs surrounding the medium, including the role of the viewer in constructing meaning. His lush photo assemblages are composed of images ranging from imperial European gardens, West African landscapes, and architecture, to rock icons and portraits of the artist himself, all carefully arranged to create critical juxtapositions that examine ideas of African diaspora, colonialism, societal power structures, and dominant cultural beliefs. With an eye informed by his four decades as a professional music photographer as well as his B.F.A. and M.F.A. from California Institute of the Arts, Gray’s photo sculptures are infused with a certain subversive beauty, reflecting his strong sense of visual aesthetics.

Gray’s distinctive photo collages range in size from the domestic to the monumental, with his largest to date spanning over 30 feet. The artist utilizes layered frames in his work—from simple wood to ornate, rococo pieces—which are either artist-made or sourced from flea markets and estate sales. Gray stacks these frames on top of one another, deliberately obscuring certain elements of his photographs and striking a delicate balance between revealing and concealing his subject matter. Images are rotated, cropped, and subtly abstracted, even as they remain firmly representational. All of the photographs (with the exception of those from the Hubble telescope) are sourced directly from Gray’s own catalog in a process the artist refers to as “appropriating his own archive.” As the creator of now iconic imagery of cultural figures such as Michael Jackson, Iggy Pop, and the Rolling Stones, the artist navigates an area between the appropriation of the Pictures Generation and Pop Art’s acknowledgement of popular imagery and commerce as drivers of so-called high culture. Across his collages, Gray weaves historical imagery into pictures of the present, reminding us that the realities of our world today are shaped by those of our collective past.

嘉芙蓮·奧比（1961年生於美國桑達斯基，現居於美國洛杉磯）以充滿活力的彩色攝影著名，她考究美國生活的各個層面，從個人的身份、亞文化、社區、城市以至壯麗的自然。九十年代，奧比展出「Being and Having」人像攝影系列使她受到關注。「Being and Having」系列她拍攝身邊圈子的男同性戀者、女同性戀者、跨性別人士和藝術家。奧比遊歷多個國家去探索美國群體和地貌的多元性，記錄典型美國個體 - 高中足球運動員和2008年總統就職典禮 - 透過人像攝影繼續展示美國亞文化。就像充滿戲劇性的舞台表演，奧比在親密攝影作品中展示了易服人士、同性伴侶、紋身、疤痕和穿孔的身體，喚起傳統文藝覆興時期的人像創作 - 權力和尊重。在她的人像攝影中，奧比建立了一種模糊性 - 身份和地點 - 誇大男性或女性特征，或是誇大鏡頭的距離、裁剪或模糊景觀。

奧比於1985年美國三藩市藝術學院獲得學士學位，並於1988年於美國加州藝術學院獲得碩士學位。奧比曾經舉辦多個個人展覽，包括包括美國洛杉磯馬爾恰諾藝術基金會（2019年）、立木畫廊紐約（2018年）、美國新澤西州普林斯頓大學建築學院（2018年）、挪威奧斯陸海涅昂斯塔德藝術中心（2017年）、美國諾瓦東南大學藝術博物館（2017年）、美國洛杉磯縣藝術博物館（2016年）、美國洛杉磯當代藝術博物館（太平洋設計中心）（2016年）、美國洛杉磯哈默博物館（2016年）、美國哥倫布衛克斯那藝術中心（2015年）、 美國長灘藝術博物館（2012年）、美國紐約蘇格拉底雕塑公園（2012年）、美國波士頓當代藝術學院（2011年）、波蘭藝術博物館（2010年）、美國紐約所羅門古根漢博物館（2008年）、美國芝加哥當代藝術博物館（2006年）、美國沃克藝術中心（2002年），以及美國聖路易斯藝術博物館（2000年）。奧比的作品亦可見於多個群展，包括英國倫敦海沃德畫廊的「Kiss My Geners」（2019年）、美國紐約所羅門·R·古根漢美術館的「Implicit Tensions: Mapplethorpe Now」（2019年）、美國芝加哥當代藝術館的「West by Midwest」（2019年）、美國波士頓美術博物館的「Ansel Adams in Our Time」（2018年）、美國洛杉磯當代藝術博物館的「Permanent Collection: Catherine Opie and Sterling Ruby」（2017年）、美國洛杉磯蓋蒂中心的「Breaking News」（2016 - 2017年）、美國舊金山當代藝術博物館的「A Slow Succession with Many Interruptions」（2016 -2017年）、美國紐約惠特尼美國藝術館的「Human Interest: Portraits from the Whitney’s Collection」（2016年）、美國紐約布魯克林博物館的「Who Shot Sports: A Photographic History」（2016年）、美國洛杉磯哈默博物館的「Residue: The Persistence of the Real」（2015年）、美國紐約惠特尼美國藝術館的「America Is Hard to See」（2015年）、美國密歇根大學美術館的「Storylines: Contemporary Art at the Guggenheim」（2015年）、美國芝加哥當代藝術博物館的「Unbound: Contemporary Art After Frida Kahlo」（2014年）、美國華盛頓國家婦女藝術博物館「Role Models: Feminine Identity in Contemporary American Photography」（2008年）。奧比的作品可見於多個國際公營和私營收藏，包括美國紐約Albright-Knox藝廊、美國邁阿密藝術博物館、美國紐約所羅門古根漢博物館、以色列耶路撒冷以色列博物館、美國波士頓當代藝術學院、美國紐約惠特尼美術館、美國紐約現代藝術博物館、美國洛杉磯哈默博物館、倫敦泰特現代美術館。