納利·華德 （1963 年生於牙買加聖安德魯，現居於紐約）利用他從城市收集得來的物料創作戲劇性的雕塑式裝置藝術。他重新利用物件如嬰兒車、購物車、水瓶、門、電視套裝、收銀機、鞋帶等。華德重新塑造這些從城市收集回來的物件引導觀眾思考，並帶出複雜和隱喻的意義—審視周圍環境的種族、貧窮和消費文化所產生的問題。他偏向由觀眾對其作品提出個人的闡釋，為作品留下開放性的意義。

華德的最代表性的作品是「Amazing Grace」，制作於1993年時他駐場在美國紐約哈林區畫室博物館，作品回應早期九十年代愛滋病和毒品流行的問題。華德以365個遺棄的嬰兒車制作這個大型裝置—嬰兒車經常被美國紐約哈林區露宿者去運送他們的物質—華德用哈林區廢棄消防局中撿到的消防喉綁起嬰兒車。華德設置福音歌手瑪哈莉雅傑克森《奇異恩典》的錄音重覆播放，環繞在展場之中。歌詞講述救贖和變化，帶出樂觀和希望。與他的大部分作品一樣，這個裝置探索主題都有關於他工作地區的物料和社區環境。這年展於2013年曾被美國新當代藝術博物館Studio 231藝術空間和多個歐州地方重新制造。隨著每一個裝置內容上的轉變，作品的重要性都因每個城區的社群不同地與作品聯系而改變。

卡德·阿提亞（1970年生於法國；目前於德國柏林定居及從事藝術創作）的童年在巴黎郊區以及阿爾及利亞度過，而這段跨文化的經歷則成為了他往後充滿活力的藝術創作的一個根基與起點。阿提亞善於在作品裏反思不同文化的美學與價值觀。他以一種詩意、有象征意味的藝術語言探索西方文化霸權與殖民侵略對非西方文化國家的影響與後果。阿提亞在探討殖民時代歷史的同時，也試圖在當今全球化的背景下重新思索我們在殖民時代的政治身份。

阿提亞分別在1993年、1994年和1998年於法國巴黎國立應用藝術學院、西班牙巴塞羅那的馬薩納藝術與設計學院及法國巴黎國立高等裝飾藝術學院獲得學位。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括卡塔爾多哈馬塔夫：阿拉伯現代藝術博物館（2021年）、荷蘭烏得勒支BAK—當代藝術（2021年）、瑞士蘇黎世美術館（2020年）、巴西聖保羅龐貝亞（2020年）、美國柏克萊藝術博物館及太平洋電影資料館（BAMPFA）（2019年）、英國倫敦海沃德畫廊（2019年）、法國巴黎法國馬恩河谷省當代藝術博物館（2018年）、西班牙巴塞羅納米羅基金會美術館（2018年）、加拿大多倫多「發電廠」博物館（2018年）、美國新罕布什爾州胡德藝術博物館（2018年）、法國巴黎東京宮（2018年）、澳大利亞悉尼澳大利亞當代藝術博館（2017年）、德國科布倫茨路德維希博物館（2017年）、美國華盛頓大學米爾德里德·萊恩·肯珀藝術博物館（2017年）、比利時根特當代藝術博物館（S.M.A.K.）（2017年）、法國巴黎龐畢度中心（2016年）、德國法蘭克福現代藝術博物館（2016年）、瑞士洛桑州立美術館（2015年）、德國柏林KW當代藝術研究院（2013年）、英國倫敦白教堂畫廊（2013年）、法國巴黎現代藝術博物館（2012年）、美國波士頓當代美術研究所（2007年）及法國裏昂現代藝術博物館（2006年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括德國柏林格羅皮烏斯·鮑的「YOYI! Care, Repair, Heal」（2022年）、韓國首爾三星美術館的「Human, 7 Questions」（2021年）、西班牙畢爾巴鄂畢爾包古根漢美術館的「The Roaring Twenties」（2021年）、法國巴黎國家凱布朗利博物館的「Africa Reborn」（2021年）、瑞士蘇黎世美術館的「Smoke and Mirrors: The Roaring Twenties」（2020年）、德國柏林格羅皮烏斯·鮑的「Down to Earth」（2020年）、法國巴黎龐畢度中心的「Global(e) Resistance」（2020年）、丹麥奧爾胡斯ARoS奧胡斯藝術博物館的「Mythologies - The Beginning and End of Civilizations」（2020年）、法國巴黎東京宮的「Our World is Burning」（2020年）、阿聯酋杜拜Jameel藝術中心的「Phantom Limb」（2019年）、波士頓當代藝術中心的「When Home Won’t Let You Stay: Migration Through Contemporary Art,」（2019年）、美國華盛頓菲利普美術館的「The Warmth of Other Suns: Stories of Global Displacements」（2019年）、中國上海第十二屆上海雙年展（2018年）、德國慕尼黑現代藝術陳列館（2017年）、維也納立奧波德博物館的「Foreign Gods: Fascination Africa and Oceania」（2016年）、紐約所羅門·R·古根海姆博物館的「But a Storm Is Blowing from Paradise: Contemporary Art of the Middle East and North Africa」（2016年）、德國漢堡堤壩之門美術館的「Picasso in Contemporary Art」（2015年）、巡回美國華盛頓特區史密森尼美國藝術博物館、美國薩凡納藝術設計學院藝術博物館和德國法蘭克福現代藝術博物館的「The Divine Comedy: Heaven, Purgatory, and Hell Revisited」（2014 - 2015年）、紐約新美術館的「Here and Elsewhere」（2014年）、紐約現代藝術博物館的「Performing Histories」（2012年）和英國倫敦泰特現代美術館的「Contested Terrains」（2011年）。

麥克阿瑟·比尼恩（McArthur Binion）出生於1946年，於1971年獲得美國韋恩州立大學美術學士學位，並在1973年於克蘭布魯克藝術學院獲得藝術碩士學位。在過去的40多年的藝術創作中，比尼恩創造出極簡主義的自傳式抽象藝術風格，他始終致力於將拼貼、繪畫及油畫相結合，並把其個人紀念性物品拼貼於大尺寸網格畫布之上，這種覆雜而深刻的創作過程使他的藝術創作獨樹一幟。從遠處看，這些覆雜的層疊作品就像賈思培·瓊斯、羅伯特·瑞曼或布賴斯·馬登的單色極簡抽象畫作。然而，比起同期藝術家所留意的實質性、抽象化、甚至社會與政治氣候，比尼恩的作品非常貼近他的個人生活，並且十分嚴謹。仔細檢視下，這些單色的抽象方格其實是不完美的手繪線條，讓人近距離的感受比尼恩的身份和經歷。作為一個作家，比尼恩深受語言和音樂的影響，而我們亦可以由他的作品題目和他重疊資訊的方式領會到這個特質。跟爵士樂中即興與編曲的比重大同小異，比尼恩畫布上的方格和他繪畫的手法也充滿了張力。

比尼恩除了在第57屆威尼斯雙年展「VIVA ARTE VIVA」(2017年）展出作品，也曾舉辦個人展覽，包括美國休斯頓當代藝術博物館（2012年）及美國馬裏蘭大學學院畫廊（2010年）。他最近參與的群體展覽包括美國密西西比藝術館的「Picturing Mississippi, 1817-2017: Land of Plenty, Pain, and Promise」（2017年）、美國聖地亞哥當代藝術博物館的「Dimensions of Black: a Collaboration with the San Diego African American Museum of Fine Art」（2017年）、美國新奧爾良美術館的「New at NOMA: Recent Acquisitions in Modern and Contemporary Art」（2017年）、美國國立非裔美國人歷史和文化博物館的「Through the African American Lens」（2017年）、美國紐約哈林工作室博物館的「Circa 1970」（2016年）和「When the Stars Begin to Fall: Imagination in the American South」（2014年）、以及美國休斯頓當代藝術博物館的「Black in the Abstract」（2013年）。他的作品可見於多個公營及私人收藏，包括美國密歇根克蘭布魯克藝術博物館、美國底特律藝術學院、美國肯尼亞堪薩斯城肯珀當代藝術博物館、美國紐約大都會藝術博物館、美國國立非裔美國人歷史和文化博物館、美國新奧爾良美術館、美國菲利普斯收藏館、美國底特律韋恩州立大學和美國紐約惠特尼美國藝術博物館。

特雷西塔·費爾南德斯（1968年生於美國邁阿密，現居於紐約）她是一位概念藝術家，尤以公共雕塑和非常規的材料應用最廣為人知。她對感知和視覺心理的研究十分有興趣，其大規模的實驗性作品往往受景觀、自然現象及不同的歷史和文化啟發。費爾南德斯的作品經常參照大自然，其概念實踐強調地點與物質之間的聯繫。 她經常使用金，石墨，鐵礦石和其他礦物創作，這些礦物與殖民和埋藏在景觀中的暴力有著深刻的歷史聯繫。她的作品冷靜地拆解地方、權利、可見性和消除的效果，為觀眾帶來了親密的體驗。

費爾南德斯分別在美國佛羅裏達國際大學和弗吉尼亞聯邦大學取得美術學士學位和碩士學位。她獲獎無數，於2005年她獲頒著名的MacArthur基金會獎學金。其他獎項包括：古根漢獎學金（2003年）、路易斯·康福特·蒂芙尼雙年展大獎（1999年）、美國學院羅馬附屬學會獎學金（1999年）及美國全國藝術基金會藝術家獎（1994年）。在2011年，費爾南德斯受美國總統奧巴馬委任為美國聯邦美術委員會成員，同時成為該委員會成立100年以來首位拉丁裔委員，向總統、國會和政府機構就國家設計和美學等議題提出建議。費爾南德斯將於2021年在紐約布魯克林的BAM Harvey劇院的屋頂上展示一個大型的戶外雕塑，名為「Paradise Parados」。

施拉澤·赫什阿裏（1955年生於伊朗）於1970年代早期移居倫敦並在1979年畢業於切爾西藝術與設計學院。與她同期受到關註的藝術家包括阿尼什·卡普爾及理查德·迪肯。赫什阿裏擅長通過雕塑探索精神信仰和抽象形態。在1999年，紐約立木畫廊為她舉辦了首場個展，展出了一系列她受蘇菲主義和十三世紀神秘主義詩人魯米啟發的繪畫。赫什阿裏用墨一筆一筆反覆地把伊斯蘭書法刻在布面上。她將工序繁雜的繪畫過程升華至一種冥想性的視覺經歷，濃縮了當下靜止的一刻和過去的體驗。她在1994年獲特納獎提名，目前於英國倫敦定居及從事藝術創作。

赫什阿裏於1979年在英國倫敦藝術大學車路士藝術與設計學院畢業，在多個博物館及美術館舉行個人展覽，包括瑞士日內瓦Espace Muraille（2016年）、新加坡泰勒紙印藝術學院（2016年）、英國利物浦泰特利物浦美術館（2003年）、美國新墨西哥聖達菲美術館（2002年）、英國倫敦大英博物館伊斯蘭美術館（1997年）及英國倫敦卡姆登藝術中心（1993年）。她亦參與多個群體展覽，包括美國休斯頓穆迪藝術中心的「Artists and the Rothko Chapel」（2021年）、美國洛杉磯郡立藝術館的「Ink Dreams: Selections from the Fondation INK Collection」（2021年）、阿聯酋阿布扎比盧浮宮的「Abstraction and Calligraphy − Towards a Universal Language」（2021年）、英國韋克菲爾德長邊畫廊的「Breaking the Mould: Sculpture by Women since 1945」（2021年）、英國倫敦維多利亞與艾爾伯特博物館的「Epic Iran」（2021年）、英國索爾茲伯里教堂的「Celebrating 800 Years of Spirit and Endeavour」（2020年）、法國巴黎伊斯蘭文化中心的「l'Oeil & la Nuit」（2019年）、美國堪薩斯納爾遜藝術博物館的「Regarding Spirituality」（2018年）、美國紐約素描中心的「Drawing Dialogues: The Sol LeWitt Collection」（2016年）、美國薩拉索塔約翰與梅寶瑞格林藝術博物館的「Phantom Bodies: The Human Aura in Art」（2015年）、奧地利維也納冬宮的「Love Story: Anne & Wolfgang Titze Collection」（2014年）、美國東蘭辛遠大美術館的「Pattern」（2013年）、美國紐約大都會藝術博物館的「50 Years of Collecting Islamic Art」（2013年）、英國倫敦皇家藝術學院的「Summer Exhibition」（2012年）、美國紐約的「What is Painting? Contemporary Art from the Collection」（2008年）、美國紐約現代藝術博物館的「Without Boundary: Seventeen Ways of Looking」（2006年）、日本東京森美術館的「Happiness」（2003年）、及義大利威尼斯佩姬·古根漢美術館的「Thinking Big: Concepts for Twenty-First-Century British Sculpture」（2002年）。赫什阿裏亦曾參與多個雙年展，包括意大利第57屆威尼斯雙年展「GLASSTRESS 2017」（2017年）、意大利第55屆威尼斯雙年展「GLASSTRESS 2013」（2013年）、烏克蘭第1屆基輔雙年展（2012年）及澳大利亞第17屆悉尼雙年展（2010年）。

Kim Yun Shin (b. 1935, Wonsan, North Korea; lives and works in Seoul, South Korea) is a multidisciplinary artist known for her dynamic sculpture and painting, which often unfold through a series of interactions with nature. Growing up amidst the backdrop of Korea’s tumultuous history in the 20th century, Kim has established herself as a pioneering figure in the post-war South Korean art scene, overcoming societal norms to carve out a space for herself as a first-generation woman sculptor. Despite facing challenges in a male-dominated field, she ventured to Paris to pursue her artistic aspirations, taught at various universities, and co-founded the Korean Sculptress Association in 1974 to support emerging artists. Partly influenced by her nomadic early life, her work reflects a fearless exploration of diasporic cultures—from France, Mexico, and Brazil, to her adoptive home of Argentina, where she established Museo Kim Yun Shin, the first Korean immigrant art museum. Her journey from turbulent beginnings during the Japanese colonial period and Korean War to becoming a trailblazer in Korean contemporary art reflects the artist’s personal resilience and commitment to artistic innovation.

Across six decades, Kim has developed an aesthetic that engages with the fundamental qualities of materials and nature, navigating themes of confrontation, introspection, and coexistence. Central to her artistic expression is the use of solid wood, a primary medium through which Kim envisions the structural and spiritual elements of antiquity and the primordial world. In doing so, she visualizes the intersection between nature, time, and history, reconsidering the very essence of human existence. Her early sculptures from the 1970s are deeply rooted in traditional Korean hanok architecture, which uses a distinctive technique that joins wooden blocks without nails. In her Stacking Wishes series, the artist also explores traditions of vertical stacking in Korean and Latin American totemism. This notion of organic connection and her interest in East Asian philosophy merge in her iconic Add Two Add One, Divide Two Divide One series, which she began in the late 1970s. The terms “add” and “divide” originate from the philosophical concept of yin (division and fragmentation) and yang (addition and integration). Through a meticulous yet intuitive process—in which Kim “adds” her soul into the solid wood and “divides” the space between the bark and inner wood to create a complete whole—the artist delves into raw materiality and uncovers a newfound vitality.

徐道獲（1962年生於韓國首爾）曾於韓國國立大學主修東方油畫，其後分別在羅德島設計學院及耶魯大學學習油畫及雕塑。自九十年代中期，他開始對傳統個人空間的概念提出質疑，並對其概念在實體及隱喻呈現方面的變維及移動性進行探索。多年來，徐道獲的裝置、繪畫、雕塑和電影作品一直備受國際關註，當中探討的主題包括藝術家的個人經歷和家族歷史，如「家」、「遷徙」、「回憶」和「個體」等。徐道獲認為我們所居住的空間也含有心理的力量，而他嘗試在這些居所以外的地方作品中把記憶、個人體驗和安全感具像化。

徐道獲先後在美國羅德島設計學院及耶魯大學獲得藝術學士學位（1994年）和雕塑的藝術碩士學位。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括丹麥奧胡斯藝術博物館（2018年，即將展出）、日本十和田現代美術館（2018年）、美國弗裏斯特視覺藝術中心（2018年，即將展出）、美國華盛頓史密森尼美國藝術博物館（2018年）、美國麥迪遜當代藝術博物館（2017年）、美國聖地牙哥當代美術館（2016年）、美國辛辛那提現代藝術中心（2016年）、美國克利夫蘭現代藝術博物館（2015年）、日本東京森美術館（2015年）、美國奧斯汀當代藝術博物館（2014年）、韓國首爾國立當代藝術博物館（2013年）、日本金沢21世紀美術館（2012-2013年）、日本廣島市現代美術館（2012年）、加利福尼亞大學聖地亞哥分校（2012年）、韓國首爾三星美術館（2012年）及英國倫敦泰特現代藝術館（2011年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括意大利威尼斯第16屆國際建築展覽（2018年）、西班牙萊昂卡斯蒂利亞當代藝術博物館的「Shelter in the Storm. A Look at the Exile in the MUSAC Collection」（2018年）、奧爾布賴特·諾克斯藝術館的「Art of the Senses」（2017年，即將展出）、耶路撒冷以色列博物館的「No Place Like Home」（2017年）、美國洛杉磯哈默博物館和曼尼爾私人收藏博物館的「Apparitions: Frottages and Rubbings from 1860 to Now」（2015年）、韓國首爾三星美術館的「Beyond and Between」（2014年）、皇後區藝術博物館的「Shades of Time: An Exhibition from the Archive of Korean American Artists, Part Two 1989 - 2001」（2014年）、 美國芝加哥當代藝術博物館的「Homebodies」（2013年）、韓國大邱藝術博物館的「Dislocation」（2012年）及韓國果川國立當代藝術博物館的「Peppermint Candy: Contemporary Korean Art」（2009年）。徐道獲曾參與多個雙年展，包括新加坡雙年展（2016年）、南韓第9屆光州雙年展（2012年）、英國第6屆利物浦雙年展（2010年）、意大利威尼斯第12屆建築雙年展（2010年）、第8屆伊斯坦布爾國際雙年展（2003年）、第13屆悉尼雙年展（2002年），並作為韓國代表出席了第49屆威尼斯雙年展（2001年）。其作品可見於多個國際公營以及私人收藏，包括美國紐約現代美術博物館、美國紐約惠特尼美國藝術博物館、美國紐約所羅門·古根漢美術館、美國洛杉磯縣立美術館、美國沃克藝術中心、英國倫敦泰特現代藝術館、奧地利維也納Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection、荷蘭弗爾林登美術館、韓國首爾三星美術館、韓國首爾Art Sonje Center、日本東京都現代美術館、日本東京森美術館及日本金沢21世紀美術館。