장욱진, 이응노, 서세옥
《하나, 그리고 우리》
2026년 3월 11일–4월 18일
리만머핀 서울
리만머핀 서울은 한국 근현대 미술을 대표하는 장욱진, 이응노, 서세옥의 작품을 한자리에서 조망하는 3인전을 개최한다. 세 작가는 서로 다른 조형 언어를 구사하며, 개인과 집단의 관계를 새롭게 사유하고 한국 미술의 지형을 확장해 온 중요한 인물들이다. 본 전시의 제목은 각 작가가 인물을 하나의 고유한 존재로 다루되, 그 형상을 개인의 차원에 한정하지 않고 ‘인간’과 ‘인류’ 전체에 대한 사유로 확장해 온 지점에 주목한다. 수묵화와 유화, 구상과 추상을 넘나들며 이들은 붓을 하나의 구조적 도구로 삼아 선과 덩어리, 여백의 간격을 조직하고, 리듬감 있는 화면을 구축해 왔다. 이러한 구성은 인물들이 모이고 흩어지며 공동의 공간을 형성하는 방식을 드러내며, 고독한 존재로서의 개인과 집합적 삶 사이의 긴장을 섬세하게 탐색한다.
각기 다른 역사적 환경 속에서 출발한 세 작가는 전통을 서로 다른 방식으로 상기하고 변주했다. 이응노와 서세옥은 동양의 수묵화와 서예의 유산을 하나의 근간이 되는 조형적 틀로 여기며, 이를 확장하고 추상화하여 동시대적 문제의식 속에서 재구성했다. 반면 장욱진은 대부분 유화로 작업하며 한때 작가가 ‘붓장난’ 혹은 ‘먹그림’으로 칭한 수묵화를 병행했으나, 문인화의 계보를 직접적으로 계승하는 위치에 자신을 두지 않았다. 대신 그는 시각적 형상을 본질적이고 단정한 형태로 환원함으로써, 수묵의 미학과 평행선을 이루면서도 자신만의 독자적·시각적 어법을 구축했다. 이들에게 전통은 고정된 형식이나 단순한 참조의 대상이 아니라, 현대 생활에서 자신의 존재 이유를 찾기 위해 가변되는 구조이자 끊임없이 재해석되는, 생동하는 언어였다.
고암 이응노의 작업은 기호의 신체화와 신체의 기호화를 교차시킨다. 고암 이전의 ‘죽사(竹史)’라는 호에서 드러나듯 대나무는 서예가로서 그의 출발점이었으나, 이는 점차 문자로, 다시 인간 형상으로 전환된다. 화면 속 문자는 서 있거나 춤추는 인물처럼 읽히며, 인간의 움직임이 곧 글씨가 되는 순간을 드러낸다. 1970년대 ‘문자 추상’에서 형상은 붓놀림과 서체 속에 해체 및 융합되었고, 1979년 이후 집중된 《군상》 연작에서는 인물들이 화면을 가로지르며 집단적 리듬을 형성한다. 반복되는 필획과 먹의 농담은 개별 인물의 경계를 흐리면서도 생동하는 몸짓을 남긴다. 동백림사건 이후 타지에서 바라본 시대 현실이 배경으로 읽히지만, 작가는 이를 정치적 의미에 한정하기보다 인류 보편의 몸짓과 공동의 호흡으로 확장하고자 했다. 그가 인생의 마지막 10여 년 동안 집중적으로 그린 〈군상〉(1987)은 화면을 가로지르는 역동적인 대각선 구도 속에서 인물들이 서로 얽히고 확장되며 강한 운동감을 형성한다. 반복되는 붓질은 개별 인물의 경계를 흐리면서도, 각자의 몸짓을 살아 있게 드러낸다. 검은 먹의 농담과 속도감 있는 선은 집단적 리듬을 만들어내며, 화면 전체를 하나의 거대한 호흡처럼 직조한다.
장욱진의 유화 작업에서는 해와 달, 사람, 강아지, 송아지, 나무, 집 등 그를 대표하는 일상의 요소들이 모두 동일한 평면 위에 놓이는, 단순하고 명료한 세계를 펼쳐 보인다. 그의 화업은 거주지와 작업 공간의 이동에 따라 구분되곤 하는데, 명륜동, 덕소, 수안보, 용인(신갈) 시기는 각각 특징적인 양식적 변화를 보여준다. 특히 수안보 시기는 형식적 실험과 과감성이 두드러진 시기로 평가된다. 이 시기의 〈나무〉(1984)의 화면 중앙에 자리한 한 그루의 나무는 마치 자전하는 지구처럼 화면의 질서를 형성하며, 우주적 순환과 일상의 서정을 동시에 품는다. 절제된 형태, 맑은 색면, 소박한 형상 속에는 삶의 본질을 향한 깊은 사유가 응축되어 있다.
1970년대 말 집중적으로 제작한 먹그림 작업은 한 번에 그어지는 필선의 긴장과 투명성을 통해 또 다른 현대성을 구축했으며, 전통 재료를 유지한 채 개념적 전환을 시도한 사례로 읽힌다. 자신의 작업을 일종의 ‘붓장난’ 혹은 ‘먹그림’이라 명명하며 제도적 범주와 거리를 두었는데, 특히 〈나무 아래 두 사람〉(1982)에서 볼 수 있듯이 단순화된 형상과 평면적 구성은 전통 산수나 화조의 반복이 아니라, 기호적 최소화를 통해 존재의 구조를 탐색하는 방식에 가깝다.
산정 서세옥은 문인화의 정신을 현대적으로 계승하며 수묵 추상의 지평을 확장했다. 1960년 결성된 묵림회는 전통에 뿌리를 두면서도 실험적 수묵 회화를 지향한 중요한 전환점이었다. 이후 그는 절제된 필획과 반복, 리듬이 강조된 화면을 통해 인간과 자연의 본질을 탐구했다. 대표작 《사람들》 연작에서 그는 최소한의 필획으로 인물 군집을 구성한다. 빠르고 힘 있게 그어진 선들은 때로는 서로 연결되고, 분리되며 화면 위에 긴장과 리듬을 형성한다. 인물은 개별 초상을 넘어 상징적 존재로 환원되고, 반복과 변주의 구조 속에서 집단과 개인의 관계가 추상적 형태로 드러난다. 한지 위에 스며드는 먹의 번짐은 물성과 시간성을 동시에 내포하며, 행위 자체를 화면의 일부로 남긴다.
이응노가 기호와 신체의 상호작용을 통해 수묵화를 국제적 추상의 담론과 연결 지었다면, 서세옥은 문인화 전통 안에서 추상의 가능성을 확장했으며, 장욱진은 엄격한 장르 구분을 유보하여 존재론적 구조를 본질적 형식으로 환원하였다. 서로 다른 궤적 속에서 이들의 작업은 인간 형상을 단순한 모티브로 다루기보다, 화면 위에서 리듬을 이루는 군집으로, 절제된 형상이자 응축된 존재로, 혹은 전원적 화면 위에서 고요히 자신의 우주를 확장해 나가는 단일한 존재로 제시한다.
작가 소개
고암 이응노(1904년 충청남도 홍성 출생, 1989년 프랑스 파리 작고)는 한국 문인화의 전통에서 출발해 서구 추상의 전위에 이른 현대미술의 거장이다. 일제강점기와 해방, 전쟁, 분단과 민주화에 이르는 격동의 시대를 관통하며 그는 끊임없이 자신의 조형 언어를 갱신했다. 동서양을 오가며 활동했고, 특히 파리에서 수학하고 정착하며 한국적 전통과 현대성을 하나의 진화하는 작업 세계 안에서 통합하였다. 한국과 프랑스를 잇는 중요한 가교로서, 그의 작품 세계는 전통적 매체와 시각 언어가 현대미술의 맥락 속에서 어떻게 새롭게 재구성될 수 있는지를 설득력 있게 보여준다.
작가의 개인전은 서울 가나아트센터 (2024), 파리 퐁피두센터 파리 (2017), 파리 세르누쉬 미술관 (2017), 서울 국립현대미술관 덕수궁관 (2004) 등에서 개최되었다. 주요 단체전으로는 서울 국립현대미술관 덕수궁관 《광복 80주년 기념전: 고향과 그리움의 풍경》(2025–2026); 대전 이응노미술관 《이응노 탄생 120주년 기념전》(2023); 미국 오하이오 클리블랜드 미술관 《Creating Urgency: Modern and Contemporary Korean Art》(2022); 서울 국립현대미술관 《MMCA 이건희 컬렉션: 한국미술 명작》(2021) 등이 있다. 2007년 개관한 이응노미술관은 그의 작품과 예술 세계를 지속적으로 조명해오고 있다. 이응노는 1962년 상파울루 비엔날레 명예상을 수상했으며, 1978년 파리 장식미술관으로부터 그랑프리를 수여받았다. 그의 작품은 뉴욕 현대미술관, 파리 퐁피두센터, 파리 장식미술관, 서울 국립현대미술관, 대전 이응노미술관 등 국내외 주요 기관에 소장되어 있다.
장욱진(1917년 충청남도 연기군 출생, 1990년 서울 작고)은 한국 근현대미술을 대표하는 주요 작가이다. 그의 회화는 대체로 소품 규모로 제작되었으며, 나무, 집, 새, 아이, 마을, 가축 등 일상적이고 친숙한 소재를 중심으로 전개된다. 특히 ‘집’은 반복적으로 등장하는 핵심 모티프로, 그의 작업에서 정서적이자 상징적인 중심축으로 기능한다. 구조적 응축과 형식적 절제가 빚어내는 긴장, 그리고 정교하게 조율된 화면의 균형감은 그의 작업을 특징짓는 요소이다. 일상의 풍경과 이웃, 때로는 불교적 주제를 다루기도 했으며, 그는 삶을 본질적인 형태로 환원해냈다. 절제된 이미지는 고요하고 시간성을 초월한 세계를 환기하며, 그 안에서 집은 정신적 안식처가 되고 인간은 자연과 온화한 조화를 이룬다.
1964년 반도화랑에서 첫 개인전을 개최했으며, 이후 공간화랑 (1974,1981)과 국제갤러리 (1986)에서 개인전을 열어 한국 근현대 회화에서 독자적인 위치를 확립했다. 작고 이후에는 호암미술관 (1995)과 갤러리현대 (2000)에서 회고전이 개최되었다. 최근, 국립현대미술관 서울에서 열린 《가장 진지한 고백: 장욱진 회고전》(2023)을 통해 그의 예술 세계가 재조명되었다. 현재 양주 장욱진미술관에서 《번지고 남아있는: 장욱진 먹그림》전이 2026년 4월 5일까지 진행 중이며, 이어 2026년 4월 강릉시립미술관 솔올에서 개인전이 개최될 예정이다. 2014년 개관한 장욱진미술관은 작가의 작품과 유산을 지속적으로 보존·연구·전시하고 있다. 그의 주요 작품은 국립현대미술관, 리움미술관, 양주시립장욱진미술관, 장욱진미술문화재단 등에 소장되어 있다.
산정 서세옥(1929년 대구 출생–2020년 서울 작고)은 1950년 서울대학교 동양화과에서 학사 학위를 받았다. 한국 현대 수묵화의 맥락에서 그는 전통과 전후 아방가르드의 시대적 요구를 조율하고자 했다. 1960년 ‘먹의 숲’을 뜻하는 묵림회를 창립해 전후 한국 최초의 아방가르드 수묵화 운동을 이끌었으며, 정체된 화단에 문제를 제기하며 비판적 재해석을 통해 수묵화의 새로운 가능성을 모색했다. 주로 종이에 먹으로 작업하며 절제된 필획과 역동적인 움직임이 균형을 이루는 독자적인 서예적 조형 언어를 구축했고, 1960년대 이후에는 간결한 선으로 연결된 인물들이 빠르고 리드미컬한 붓질 속에서 형상화된 〈사람들〉 연작으로 널리 알려졌다. 문인화 전통에 깊이 뿌리를 두면서도 한국 모더니즘의 형성에 중요한 역할을 한 작가로 평가된다.
서세옥은 리만머핀 서울 (2021)과 리만머핀 뉴욕 (2018)을 비롯하여 갤러리현대 (2016), 서울 국립현대미술관 (2015, 2005), 일본 도쿄의 메종 에르메스 (2007) 등의 주요 기관에서 개인전을 가졌다. 주요 단체전 및 국제 비엔날레로 서울 국립현대미술관 《MMCA 소장품전: 한국 현대미술》(2025), 리만머핀 서울 《삼세대(三世代): 서세옥(19./29-2020)을 기리며》(2022); 서울 국립현대미술관 《MMCA 소장품 하이라이트 2020+》(2020); 리만머핀 홍콩 《be/longing》(2020); 미국 로스앤젤레스 카운티 미술관 《Beyond Line: The Art of Korean Writing》(2019); 서울 리움미술관 《교감(交感)》(2014); 제7회 상파울루 비엔날레(1963) 등이 있다. 작가는 대한민국 정부로부터 2021년 금관문화훈장, 2012년 은관문화훈장에 추서되었다. 그의 작품은 전 세계 유수의 공공 및 사립 기관에 소장되어 있다. 대표적인 기관으로는 영국 런던의 대영박물관, 일본의 후쿠오카시 미술관, 호암미술관, 프랑스 파리의 프랑스 문화부, 텍사스주의 휴스턴 미술관, 국립현대미술관 등이 있다.
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