卡德·阿提亞（1970年生於法國；目前於德國柏林定居及從事藝術創作）的童年在巴黎郊區以及阿爾及利亞度過，而這段跨文化的經歷則成為了他往後充滿活力的藝術創作的一個根基與起點。阿提亞善於在作品裏反思不同文化的美學與價值觀。他以一種詩意、有象征意味的藝術語言探索西方文化霸權與殖民侵略對非西方文化國家的影響與後果。阿提亞在探討殖民時代歷史的同時，也試圖在當今全球化的背景下重新思索我們在殖民時代的政治身份。

阿提亞分別在1993年、1994年和1998年於法國巴黎國立應用藝術學院、西班牙巴塞羅那的馬薩納藝術與設計學院及法國巴黎國立高等裝飾藝術學院獲得學位。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括卡塔爾多哈馬塔夫：阿拉伯現代藝術博物館（2021年）、荷蘭烏得勒支BAK—當代藝術（2021年）、瑞士蘇黎世美術館（2020年）、巴西聖保羅龐貝亞（2020年）、美國柏克萊藝術博物館及太平洋電影資料館（BAMPFA）（2019年）、英國倫敦海沃德畫廊（2019年）、法國巴黎法國馬恩河谷省當代藝術博物館（2018年）、西班牙巴塞羅納米羅基金會美術館（2018年）、加拿大多倫多「發電廠」博物館（2018年）、美國新罕布什爾州胡德藝術博物館（2018年）、法國巴黎東京宮（2018年）、澳大利亞悉尼澳大利亞當代藝術博館（2017年）、德國科布倫茨路德維希博物館（2017年）、美國華盛頓大學米爾德里德·萊恩·肯珀藝術博物館（2017年）、比利時根特當代藝術博物館（S.M.A.K.）（2017年）、法國巴黎龐畢度中心（2016年）、德國法蘭克福現代藝術博物館（2016年）、瑞士洛桑州立美術館（2015年）、德國柏林KW當代藝術研究院（2013年）、英國倫敦白教堂畫廊（2013年）、法國巴黎現代藝術博物館（2012年）、美國波士頓當代美術研究所（2007年）及法國裏昂現代藝術博物館（2006年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括德國柏林格羅皮烏斯·鮑的「YOYI! Care, Repair, Heal」（2022年）、韓國首爾三星美術館的「Human, 7 Questions」（2021年）、西班牙畢爾巴鄂畢爾包古根漢美術館的「The Roaring Twenties」（2021年）、法國巴黎國家凱布朗利博物館的「Africa Reborn」（2021年）、瑞士蘇黎世美術館的「Smoke and Mirrors: The Roaring Twenties」（2020年）、德國柏林格羅皮烏斯·鮑的「Down to Earth」（2020年）、法國巴黎龐畢度中心的「Global(e) Resistance」（2020年）、丹麥奧爾胡斯ARoS奧胡斯藝術博物館的「Mythologies - The Beginning and End of Civilizations」（2020年）、法國巴黎東京宮的「Our World is Burning」（2020年）、阿聯酋杜拜Jameel藝術中心的「Phantom Limb」（2019年）、波士頓當代藝術中心的「When Home Won’t Let You Stay: Migration Through Contemporary Art,」（2019年）、美國華盛頓菲利普美術館的「The Warmth of Other Suns: Stories of Global Displacements」（2019年）、中國上海第十二屆上海雙年展（2018年）、德國慕尼黑現代藝術陳列館（2017年）、維也納立奧波德博物館的「Foreign Gods: Fascination Africa and Oceania」（2016年）、紐約所羅門·R·古根海姆博物館的「But a Storm Is Blowing from Paradise: Contemporary Art of the Middle East and North Africa」（2016年）、德國漢堡堤壩之門美術館的「Picasso in Contemporary Art」（2015年）、巡回美國華盛頓特區史密森尼美國藝術博物館、美國薩凡納藝術設計學院藝術博物館和德國法蘭克福現代藝術博物館的「The Divine Comedy: Heaven, Purgatory, and Hell Revisited」（2014 - 2015年）、紐約新美術館的「Here and Elsewhere」（2014年）、紐約現代藝術博物館的「Performing Histories」（2012年）和英國倫敦泰特現代美術館的「Contested Terrains」（2011年）。

尼可拉斯·賀羅伯 (1975年生於南非開普敦；現於約翰內斯堡生活和工作）在1994年種族隔離結束時開始了他的職業生涯，當時南非出現了一種新的自由氣氛和民族自豪感。隨著歧視政策的消除，賀羅伯和他的同齡人有權在這些新法律的保護下公開表達他們的意見和想法。賀羅伯的作品一直關注其祖國實現民主及對不斷變化的國際藝術話語。 藝術家使用絲帶、皮革、木材和橡膠碎屑等材料融合併編織在一起，創造出複雜的二維和三維混合作品。每種材料與文化、性別或種族認同有著特定的關聯。這些作品共同創造了一個複雜的視覺敘事，反映了賀羅伯的家鄉南非以及世界各地存在的文化二元對立。他令人回味的擬人化圖像和隱喻性的材料闡明了藝術家在其南非遺產背景下的多方面身份。

賀羅伯於2002年獲得約翰內斯堡威特沃特斯蘭德理工學院的美術學位，並曾在多個博物館和美術館舉辦個人展覽，當中包括以色列特拉維夫藝術博物館（2021年）、美國佐治亞州薩凡納藝術與設計學院（SCAD）藝術博物館（2019年）、南非開普敦梅特蘭學院（2018年）、南非開普敦蔡茨非洲當代藝術館（2017年）、瑞典烏普薩拉美術博物館（2017年）、荷蘭海牙貝爾登博物館海邊雕塑館（2016年）、美國邁阿密Locust Project（2013年）、挪威奧斯陸國家藝術館（2011年）、法國拉科斯特薩凡納藝術與設計學院（2010年）、英國倫敦泰特現代美術館（2008年）、美國波士頓當代藝術學院（2008年）及美國佐治亞州薩凡納藝術與設計學院（SCAD）藝術館（2007年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括佛羅里達州邁阿密佩雷斯藝術博物館的「Allied with Power: African and African Diaspora Art from the Jorge M. Pérez Collection」（2020年）、挪威奧斯陸阿斯楚普費恩利現代藝術博物館的「Alpha Crucis」（2020年）、德國瑪塔黑爾福德博物館的「In the Spotlight of the Night - Life in the Gloom」（2019年）、英國倫敦海沃德畫的「Kiss My Genders」（2019年）、美國得梅因藝術中心及堪薩斯州歐弗蘭帕克內爾曼當代藝術博物館的「Queer Abstraction」（2019年）、摩洛哥馬拉喀什阿爾馬登非洲當代藝術博物館（MACAAL）的「Material Insanity」（2019年）、加拿大蒙特利爾美術館的「Face to Face: From Yesterday to Today, Non-Western Art and Picasso」（2018年）、美國加利福尼亞州三藩市非裔移民博物館的「After the Thrill is Gone: Fashion, Politics, and Culture in Contemporary South African Art」（2018年）、法國巴黎路易威登基金會的「Art/Afrique, le nouvel atelier」（2017年）、英國倫敦泰特現代美術館的「Energy and Process」（2016年）、德國法蘭克福現代藝術博物館和美國薩凡納藝術博物館及美國華盛頓史密森國立非洲藝術博物館的「The Divine Comedy: Heaven, Purgatory and Hell Revisited by Contemporary African Artists」（2014-2015年）、法國巴黎蓬皮杜藝術中心的「A History (art architecture design, from the 80s to now)」（2015年）、法國巴黎東京宮三年展的「Intense Proximity」（2012年）及美國哈萊姆區工作室博物館的「Flow」（2011年）。賀羅伯曾參與多個雙年展，包括英國第11屆利物浦雙年展（2021年）、澳洲第18屆悉尼雙年展（2012年）、意大利第54屆威尼斯雙年展（2011年）、英國第6屆利物浦雙年展（2010年）、及中國第3屆廣州三年展 （2008年）。

Tammy Nguyen (b. 1984, San Francisco, CA; lives and works in Easton, CT) creates paintings, drawings, artist books, prints, and zines that explore the intersections between geopolitics, ecology, and lesser-known histories. A story teller, Nguyen’s multidisciplinary practice takes two forms—her more traditional fine arts practice, which encompasses her lush, dense paintings, as well as her prints, drawings, and unique artist books, and her publishing practice, embodied through her imprint, Passenger Pigeon Press, which creates and distributes Martha’s Quarterly, a subscription of artist books and interdisciplinary collaborations. Across both domains Nguyen’s work aims to unsettle, and the tension between the artist’s elegant forms and harmonious aesthetics often belies the nature of her content. The confusion this dissonance creates becomes generative, opening space for reevaluation, radical thinking, and the dislodging of complacency.

Many of Nguyen’s paintings expand from her unique artist books, often through engagement with similar themes, questions, or investigations. Throughout her work she has explored a range of topics and ideas, including the Bandung conference, the first large-scale Afro-Asian conference which was attended by world leaders from 29 non-aligned countries during the Cold War, Forest City, a sprawling off-shore development project in Malaysia, and the red-shanked douc langur, an endangered species of monkey native to Laos, Vietnam, and Cambodia. A recent artist book series, Four Ways Through a Cave (2021), relates Nguyen’s travels through the Phong Nha-Ke Bang karst in Vietnam, significant for its numerous underground caverns and passageways and its history in the Vietnam War as a crucial area of the Ho Chi Minh Trail. The book simultaneously invokes Plato’s allegory of the cave—the recognition of truth through the loss of illusion—and conveys the sense of physically moving through a cave, with circular-shaped cutouts that shift from page to page, tunneling through the book and transforming the reader into a momentary spelunker.

Billie Zangewa (b. 1973, Blantyre, Malawi; lives and works in Johannesburg, South Africa) creates intricate collages composed of hand-stitched fragments of raw silk. These figurative compositions explore contemporary intersectional identity in an attempt to challenge the historical stereotype, objectification, and exploitation of the black female form. Beginning her career in the fashion and advertising industries, Zangewa employs her understanding of textiles to portray personal and universal experiences through domestic interiors, urban landscapes, and portraiture. Her earliest works were embroideries on found fabrics depicting remembered botanical scenes and animals from Botswana, where the artist was raised, but she soon transitioned to creating cityscapes, focusing on her experience as a woman in the city of Johannesburg and her personal relationships. These works explored her experience of the male gaze, leading her to begin to think more critically about how women view themselves and what the visualization of the female gaze, through self-portraiture, could look like.

After the birth of her son, Zangewa began making her well-known domestic interiors to explore the shift in focus from self-examination and femininity to motherhood and the home. Often referencing scenes or experiences from everyday life, Zangewa has stated that she is interested in depicting the work done by women that keeps society running smoothly, but which is often overlooked, undervalued, or ignored. Zangewa refers to this as “daily feminism,” which can be considered a contemporary version of “the personal is political.” Through the method of their making and their narrative content, Zangewa’s silk paintings illustrate gendered labor in a socio-political context, where the domestic sphere becomes a pretext for a deeper understanding of the construction of identity, questions around gender stereotypes, and racial prejudice.