卡德·阿提亞（1970年生於法國；目前於德國柏林定居及從事藝術創作）的童年在巴黎郊區以及阿爾及利亞度過，而這段跨文化的經歷則成為了他往後充滿活力的藝術創作的一個根基與起點。阿提亞善於在作品裏反思不同文化的美學與價值觀。他以一種詩意、有象征意味的藝術語言探索西方文化霸權與殖民侵略對非西方文化國家的影響與後果。阿提亞在探討殖民時代歷史的同時，也試圖在當今全球化的背景下重新思索我們在殖民時代的政治身份。

阿提亞分別在1993年、1994年和1998年於法國巴黎國立應用藝術學院、西班牙巴塞羅那的馬薩納藝術與設計學院及法國巴黎國立高等裝飾藝術學院獲得學位。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括卡塔爾多哈馬塔夫：阿拉伯現代藝術博物館（2021年）、荷蘭烏得勒支BAK—當代藝術（2021年）、瑞士蘇黎世美術館（2020年）、巴西聖保羅龐貝亞（2020年）、美國柏克萊藝術博物館及太平洋電影資料館（BAMPFA）（2019年）、英國倫敦海沃德畫廊（2019年）、法國巴黎法國馬恩河谷省當代藝術博物館（2018年）、西班牙巴塞羅納米羅基金會美術館（2018年）、加拿大多倫多「發電廠」博物館（2018年）、美國新罕布什爾州胡德藝術博物館（2018年）、法國巴黎東京宮（2018年）、澳大利亞悉尼澳大利亞當代藝術博館（2017年）、德國科布倫茨路德維希博物館（2017年）、美國華盛頓大學米爾德里德·萊恩·肯珀藝術博物館（2017年）、比利時根特當代藝術博物館（S.M.A.K.）（2017年）、法國巴黎龐畢度中心（2016年）、德國法蘭克福現代藝術博物館（2016年）、瑞士洛桑州立美術館（2015年）、德國柏林KW當代藝術研究院（2013年）、英國倫敦白教堂畫廊（2013年）、法國巴黎現代藝術博物館（2012年）、美國波士頓當代美術研究所（2007年）及法國裏昂現代藝術博物館（2006年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括德國柏林格羅皮烏斯·鮑的「YOYI! Care, Repair, Heal」（2022年）、韓國首爾三星美術館的「Human, 7 Questions」（2021年）、西班牙畢爾巴鄂畢爾包古根漢美術館的「The Roaring Twenties」（2021年）、法國巴黎國家凱布朗利博物館的「Africa Reborn」（2021年）、瑞士蘇黎世美術館的「Smoke and Mirrors: The Roaring Twenties」（2020年）、德國柏林格羅皮烏斯·鮑的「Down to Earth」（2020年）、法國巴黎龐畢度中心的「Global(e) Resistance」（2020年）、丹麥奧爾胡斯ARoS奧胡斯藝術博物館的「Mythologies - The Beginning and End of Civilizations」（2020年）、法國巴黎東京宮的「Our World is Burning」（2020年）、阿聯酋杜拜Jameel藝術中心的「Phantom Limb」（2019年）、波士頓當代藝術中心的「When Home Won’t Let You Stay: Migration Through Contemporary Art,」（2019年）、美國華盛頓菲利普美術館的「The Warmth of Other Suns: Stories of Global Displacements」（2019年）、中國上海第十二屆上海雙年展（2018年）、德國慕尼黑現代藝術陳列館（2017年）、維也納立奧波德博物館的「Foreign Gods: Fascination Africa and Oceania」（2016年）、紐約所羅門·R·古根海姆博物館的「But a Storm Is Blowing from Paradise: Contemporary Art of the Middle East and North Africa」（2016年）、德國漢堡堤壩之門美術館的「Picasso in Contemporary Art」（2015年）、巡回美國華盛頓特區史密森尼美國藝術博物館、美國薩凡納藝術設計學院藝術博物館和德國法蘭克福現代藝術博物館的「The Divine Comedy: Heaven, Purgatory, and Hell Revisited」（2014 - 2015年）、紐約新美術館的「Here and Elsewhere」（2014年）、紐約現代藝術博物館的「Performing Histories」（2012年）和英國倫敦泰特現代美術館的「Contested Terrains」（2011年）。

赫爾南·巴斯（1978年生於美國佛羅裏達州邁阿密；目前定居於美國邁阿密及密切根州的底特律市）的作品充滿文學暗示，並帶有虛無的浪漫主義色彩與舊世界的意象。受到19世紀的唯美和頹廢派作家，尤其是王爾德和於斯曼的影響，巴斯把少年的冒險故事、超常現象與古典詩詞、宗教故事、神話和文學共冶一爐。於2014年出版的巴斯專題著作，是目前為其藝術作品作最詳細介紹的著作。

巴斯在1996年於美國邁阿密新世界藝術學院獲得學位。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括中國上海余德耀美術館（2021年）、韓國首爾Space K畫廊（2021年）、美國邁阿密魯貝爾博物館（2020年）、西班牙馬拉加當代藝術中心（2018年）、美國沃特維爾科爾比學院藝術館（2018年）、美國喬治亞州薩凡納藝術館（2017年）、美國邁阿密巴斯藝術博物館（2013年）、及德國漢諾威藝術協會（2012年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括美國邁阿密魯貝爾博物館的「What's Going On」（2022年）、美國邁阿密當代藝術學院博物館的「Fire Figure Fantasy: Selections from ICA Miami’s Collection」（2022年）、美國北邁阿密當代藝術博物館的「Collection Focus: Our Beginnings Never Know Our Ends」（2021年）、韓國仁川天堂藝術空間的「Eternal Forest」（2020年）、美國紐約哈德遜河谷當代藝術館的「Where is the Madness You Promised Me: Dystopian Paintings from the Marc & Livia Straus Collection」（2019年）、德國杜塞爾多夫朱莉婭·斯托切克藏館的「Generation Loss」（2017年）、美國邁阿密佩雷斯藝術館的「On the Horizon: Contemporary Cuban Art from the Jorge M. Pérez Collection」（2017年）、韓國首爾三星美術館的「Tracing Shadows」（2015年）、西班牙大加那利島大西洋現代藝術中心的「On Painting」（2013年）、美國匹茲堡安迪·沃荷博物館的「Contemporary Magic: A Tarot Deck Art Project」（2011年）、第53屆威尼斯雙年展北歐及丹麥展館由Elmgreen & Dragset策劃的「The Collectors」（2009年）、英國倫敦薩奇畫廊的「Triumph of Painting: Part III」（2005年）、法國法蘭克福錫恩美術館的「New Romanticism in Contemporary Art」（2005年）、和美國惠特尼雙年展（2014年）。

比利·查爾迪斯（1959年生於英國肯特查塔姆）十六歲離開中學後，開始在查塔姆海軍船廠當石匠學徒。查爾迪起初未能得到當地藝術學院的面試機會。後來，他創作過百幅繪畫作品考進聖馬丁藝術學院，可是蔑視權威的態度使他在1981年被開除學籍。查爾迪斯隨後展開其藝術生涯，探索戰爭、歷史和社會抗爭等普世主題。在過去的三十五年間，查爾迪斯在國際的知名度不斷提升。他出版了超過四十冊詩歌和五本小說，又灌錄了過百張唱片專輯及創作了過百幅油畫。 查爾迪斯現於英國肯特定居及從事藝術創作。

查爾迪斯曾先後於1977年和1978年在英國肯特Medway College of Design及倫敦中央聖馬汀藝術設計學院讀書。他曾在多個畫廊及美術館舉行個人展覽，包括英國肯特羅切斯特美術館（2016年）、德國法蘭克福呂塞爾斯海姆特色博物館（2016年）、美國紐約White Columns（2010年）及英國倫敦當代藝術學院（2010年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括倫敦Pushkin House的「BILLY CHILDISH, HARRY ADAMS and EDGEWORTH JOHNSTONE: Our Friend Larionov」（2014年）、德國亞琛的「Paintings Sweet Paintings」（2014年）及愛丁堡城市藝術中心的「British Art Show 5」（2000年）。

特雷西塔·費爾南德斯（1968年生於美國邁阿密，現居於紐約）她是一位概念藝術家，尤以公共雕塑和非常規的材料應用最廣為人知。她對感知和視覺心理的研究十分有興趣，其大規模的實驗性作品往往受景觀、自然現象及不同的歷史和文化啟發。費爾南德斯的作品經常參照大自然，其概念實踐強調地點與物質之間的聯繫。 她經常使用金，石墨，鐵礦石和其他礦物創作，這些礦物與殖民和埋藏在景觀中的暴力有著深刻的歷史聯繫。她的作品冷靜地拆解地方、權利、可見性和消除的效果，為觀眾帶來了親密的體驗。

費爾南德斯分別在美國佛羅裏達國際大學和弗吉尼亞聯邦大學取得美術學士學位和碩士學位。她獲獎無數，於2005年她獲頒著名的MacArthur基金會獎學金。其他獎項包括：古根漢獎學金（2003年）、路易斯·康福特·蒂芙尼雙年展大獎（1999年）、美國學院羅馬附屬學會獎學金（1999年）及美國全國藝術基金會藝術家獎（1994年）。在2011年，費爾南德斯受美國總統奧巴馬委任為美國聯邦美術委員會成員，同時成為該委員會成立100年以來首位拉丁裔委員，向總統、國會和政府機構就國家設計和美學等議題提出建議。費爾南德斯將於2021年在紐約布魯克林的BAM Harvey劇院的屋頂上展示一個大型的戶外雕塑，名為「Paradise Parados」。

吉爾伯特與喬治（1943和1942年生於意大利和英國）早於1967年在倫敦的聖馬丁學院認識後便開始在藝術上的合作。他們在學生時代創造了「活雕塑」的概念，把自己的頭和手塗上彩色的金屬粉後穿梭於倫敦的大街和公園。後來他們在紐約、日本、歐洲和澳洲等世界各地的畫廊與博物館發表了這個抽象的雕塑概念。吉爾伯特與喬治的作品意念是把藝術品、藝術家和觀者之間的距離拉近，而他們最後把自己的身份融入這個「活雕塑」，成功地代表了人類的普遍狀況。吉爾伯特與喬治利用視像技術和相片拼貼的技巧來展示他們的作品，令更多觀眾能看到「活雕像」。於2005年，吉爾伯特與喬治代表英國參加威尼斯雙年展。吉爾伯特與喬治目前於英國倫敦居住及從事藝術創作。

他們在畢業後搬到了倫敦的東區，並在該處居住和創作了接近五十年。期間，倫敦的東區由一個忙碌的移民和工人階級社區士紳化成一個創意中心，而這種變化也影響了他們的創作。吉爾伯特與喬治在他們的作品中加入街道標志、銀杏樹、塗鴉、海報和人行道，用以表現這個城市和社區的社會政治及居住環境。

施拉澤·赫什阿裏（1955年生於伊朗）於1970年代早期移居倫敦並在1979年畢業於切爾西藝術與設計學院。與她同期受到關註的藝術家包括阿尼什·卡普爾及理查德·迪肯。赫什阿裏擅長通過雕塑探索精神信仰和抽象形態。在1999年，紐約立木畫廊為她舉辦了首場個展，展出了一系列她受蘇菲主義和十三世紀神秘主義詩人魯米啟發的繪畫。赫什阿裏用墨一筆一筆反覆地把伊斯蘭書法刻在布面上。她將工序繁雜的繪畫過程升華至一種冥想性的視覺經歷，濃縮了當下靜止的一刻和過去的體驗。她在1994年獲特納獎提名，目前於英國倫敦定居及從事藝術創作。

赫什阿裏於1979年在英國倫敦藝術大學車路士藝術與設計學院畢業，在多個博物館及美術館舉行個人展覽，包括瑞士日內瓦Espace Muraille（2016年）、新加坡泰勒紙印藝術學院（2016年）、英國利物浦泰特利物浦美術館（2003年）、美國新墨西哥聖達菲美術館（2002年）、英國倫敦大英博物館伊斯蘭美術館（1997年）及英國倫敦卡姆登藝術中心（1993年）。她亦參與多個群體展覽，包括美國休斯頓穆迪藝術中心的「Artists and the Rothko Chapel」（2021年）、美國洛杉磯郡立藝術館的「Ink Dreams: Selections from the Fondation INK Collection」（2021年）、阿聯酋阿布扎比盧浮宮的「Abstraction and Calligraphy − Towards a Universal Language」（2021年）、英國韋克菲爾德長邊畫廊的「Breaking the Mould: Sculpture by Women since 1945」（2021年）、英國倫敦維多利亞與艾爾伯特博物館的「Epic Iran」（2021年）、英國索爾茲伯里教堂的「Celebrating 800 Years of Spirit and Endeavour」（2020年）、法國巴黎伊斯蘭文化中心的「l'Oeil & la Nuit」（2019年）、美國堪薩斯納爾遜藝術博物館的「Regarding Spirituality」（2018年）、美國紐約素描中心的「Drawing Dialogues: The Sol LeWitt Collection」（2016年）、美國薩拉索塔約翰與梅寶瑞格林藝術博物館的「Phantom Bodies: The Human Aura in Art」（2015年）、奧地利維也納冬宮的「Love Story: Anne & Wolfgang Titze Collection」（2014年）、美國東蘭辛遠大美術館的「Pattern」（2013年）、美國紐約大都會藝術博物館的「50 Years of Collecting Islamic Art」（2013年）、英國倫敦皇家藝術學院的「Summer Exhibition」（2012年）、美國紐約的「What is Painting? Contemporary Art from the Collection」（2008年）、美國紐約現代藝術博物館的「Without Boundary: Seventeen Ways of Looking」（2006年）、日本東京森美術館的「Happiness」（2003年）、及義大利威尼斯佩姬·古根漢美術館的「Thinking Big: Concepts for Twenty-First-Century British Sculpture」（2002年）。赫什阿裏亦曾參與多個雙年展，包括意大利第57屆威尼斯雙年展「GLASSTRESS 2017」（2017年）、意大利第55屆威尼斯雙年展「GLASSTRESS 2013」（2013年）、烏克蘭第1屆基輔雙年展（2012年）及澳大利亞第17屆悉尼雙年展（2010年）。

克拉拉·克莉斯塔洛娃（1967年生於捷克斯洛伐克; 目前於瑞典諾爾泰利耶定居），她創作的具象雕塑受神話和童話的啟發，既天真無邪又恐怖，令人憶起童年的幻想、夢想及夢魘。她的作品中很多基於人體和自然元素混合—動物、昆蟲、花和樹，模糊了這些具象的本質，邀請觀眾一同參與討論。克拉拉的雕塑經常描繪轉變的過程，然後停留在物理層面和心理層面兩個狀態之中。它們闡現了天真和恐怖、完美和毀壞、愉快和絕望、好和壞、男性和女性的二元界限。克拉拉認為成年期是一個象征性的時期，代表人類身體上和心理上的轉變和成長。她認為這個時期人類的天真和自由都迷失在社會壓力下，並要做出影響一個人未來方向的決定。克拉拉主要從事雕塑創作，她亦以畫、水彩、拼貼的方式來進行創作了一系列作品。

克拉拉就讀於瑞典斯德哥爾摩的皇家藝術大學，曾經舉辦多個個人展覽， 包括美國紐約貝浩登畫廊（2022年）、瑞典諾爾泰利耶美術館（2022年）、韓國首爾貝浩登畫廊（2021年）、瑞典斯德哥爾摩卡爾·埃爾德博物館（2021年）、瑞典利雪平美術館（2020年）、瑞典斯德哥爾摩馬格努斯卡爾森畫廊（2020年）、丹麥哥本哈根Kunstforeningen GL Strand（2017年）、美國佛羅裏達諾頓藝術博物館（2014年）、瑞典斯德哥爾摩邦尼爾美術館（2012年）、瑞典哥德堡藝術博物館（2012年）、美國三藩市現代藝術博物館（2011年）、美國新墨西哥聖塔菲國際雙年展（2009年）。克拉拉亦參與過多個群展， 包括美國洛杉磯的「United Talent Agency」（2021年）、法國勒平歐哈拉斯的「Du Cheval a l’oeuvre」（2021年）、荷蘭阿姆斯特丹的「ART ZUID Amsterdam Sculptuur Biennale」（2021年）、荷蘭呂伐登公主庭院陶瓷博物館的「Human After All」（2020年）、中國上海明珠美術館的「In the Name of Flower」（2020年）、瑞典斯德哥爾摩Artipelag的「Signature women」（2020年）、加拿大蒙特利爾蒙特婁美術館的「Tant le moindre de mes atomes t’appartient intimement: Oeuvres choisies de la Collection Bailey」（2019年）、瑞典達爾斯朗格斯特內比美術館的「Klara Kristalova, Marten Medbo, Per B Sundberg」（2019年）、法國梅麥克聖安德烈修道院/當代藝術中心的「Figures de l’Animal」（2019年）、瑞士琉森盧塞恩美術館「Yellow Creature」（2017年）、法國梅麥克聖安德烈修道院/當代藝術中心的「Les imaginaires d’un monde in-tranquille」（2017年）、日本神奈川縣橫濱美術館的「Takashi Murakami’s Superflat Collection」（2017年）、美國肯塔基州路易斯維爾KMAC當代藝術博物館的「Sisters of the Moon」（2016年）、芬蘭埃斯波當代美術館的「In Search of the Present」（2016年）、美國邁阿密盧貝爾家族珍藏館的「NO MAN’S LAND: Women Artists from the Rubell Family Collection」（2015年）。

劉韡（1972年生於和居住於中國北京），他探索中國21世紀後毛澤東時代的社會和政治觀念，如當代社會的矛盾和發展中城市的景觀轉變。他的許多繪畫、影像、裝置、素描及雕塑作品中運用找到的物料重構新的意義。他的作品中經常參考城市中的環境，運用地理和建築的形式展現出來。

劉韡於1996年畢業於中國美術學院。劉韡曾舉辦的個展包括中國上海龍美術館（西岸館）（2020年）、美國俄亥俄州克利夫蘭藝術博物館及克利夫蘭當代藝術博物館（2019年）、中國北京長征空間（2018年）、韓國首爾三星美術館PLATEAU（2016年）、中國北京尤倫斯當代藝術中心（2015年）、荷蘭鹿特丹博伊曼斯布尼根博物館（2014年）、中國上海民生現代美術館（2011年）。他參與過多場國際雙年展和著名群展，例如美國伊利诺伊州芝加哥斯馬特美術館的「The Allure of Matter: Material Art from China」（2020年）、以色列耶路撒冷以色列博物馆的「Bodyscapes」（2020年）、韓國釜山美術館的「Trilogy of Contemporary Art in China: THE SCAR」（2020年）、韓國光州亞洲文化中心的「Homo Faber: Craft in Contemporary Sculpture」（2019年）、美國洛杉磯郡立美術館的「The Allure of Matter: Material Art from China」（2019年）、第58屆威尼斯雙年展（2019年）、西班牙畢爾巴鄂古根海姆美術館及美國舊金山現代藝術博物館的「Art and China after 1989: Theater of the World」（2018年）、卡塔爾多哈卡塔爾博物館的「What About Art? Contemporary Art from China」（2016年）、法國巴黎路易威登基金會「Bentu, Chinese artists at a time of turbulence and transformation」（2016年）、法國裏昂雙年展的「La vie Moderne」（2015年）、舊金山亞洲藝術博物館的「28 Chinese」（2015年）、美國聖安東尼奧美術館（2015年）、 美國邁阿密盧貝爾家族珍藏館（2013年）、阿聯酋第11屆沙迦雙年展的「Re:emerge: Towards a New Cultural Cartography」（2013年）、中國第4屆廣州三年展（2012）、中國上海雙年展「Rehearsal」（2010）、韓國釜山第6屆釜山雙年展「Expenditure」（2008）、 第51屆威尼斯雙年展（2005）。

Mr. (1969年生於日本，在日本東京定居及工作) 研究動漫和漫畫中的視覺藝術語言，用日本文化融合不同形式的當代表現手法。與其他的超平面（superflat）藝術家如村上隆一樣，他的作品體現與批判禦宅族（Otaku）和他們所沈迷的可愛文化－一種迷戀青少年體態、科技、科幻文學、動漫、及電子遊戲的生活方式。除了對禦宅族的與趣，Mr.在1960年代積極參與意大術貧窮藝術運動，受到當時的藝術家以非傳統物料和目的性業余工作所啟發，Mr. 最早時期都是在商店收據、外賣菜單和其他收據上創作漫畫和繪畫。

在2010年以前，Mr. 的繪畫描繪了被禦宅族情色化（hyper-sexualized）的虛構年輕女孩－「蘿莉控」（lolicon)，反映禦宅族對年輕女孩的動漫形象的偏好。自2011年的東北地震帶來的一連串核事故，Mr. 開始擺脫 “可愛”的角色、鮮艷的色彩和整潔的線條，改以抽象粗糙的繪畫風格來探索毀滅的主題。2012年Mr. 在香港紐約立木畫廊和2015年在美國西雅圖藝術博物館舉行的展覽中，Mr. 展出一個以日本日常生活的物品和垃圾創作的大型裝置藝術，使觀眾有身臨其境的感覺，提醒人們在2011年災難發生後覆蓋東北的殘骸。Mr. 邀請觀眾與作品進行身體互動，一瞥日本人的心理狀態，體驗時同時亦保持陌生感。此後，Mr. 將這種情緒延伸到他的畫作中 - 踐踏、撕裂和燃燒他的畫布，使畫布的表面呈現仿舊的質感，往往與畫上用色明亮、天真無邪的卡通人物不一致。

湯尼·奧斯勒(1957年生於美國紐約)從上世紀70年代中期起便是非常活躍的影像藝術先鋒人物。今天，他依舊是影像藝術領域裏最具影響力、實驗性和創新性的藝術家。他在1979年從加州藝術學院獲得了藝術學士學位。作品結合各種媒介，例如影像、雕塑和行為藝術。他利用幽默、諷刺和夢幻的方式探索人類與大眾媒介科技之間的關系。在2011年，奧斯勒受邀參加第54屆威尼斯雙年展的平行展玻璃展覽。在2005年，其回顧展《Dispositifs》先後在法國巴黎的國立網球場現代美術館、西班牙薩拉曼卡的DA2當代美術館及丹麥哥本哈根的坤斯特弗裏根展廳展出。2013年2月，倫敦泰特現代美術館展出其讓觀眾身臨其境的裝置藝術作品－《The Influence Machine》。奧斯勒目前於美國紐約定居及從事藝術創作。

奧斯勒在1979年於加州藝術學院獲得藝術學士學位。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括美國華盛頓赫希洪博物館和雕塑園（2018年）、西班牙CaixaForum Madrid（2017年）、美國紐約現代藝術博物館（2016年）、法國阿爾勒盧瑪阿爾勒基金會（2015年）、荷蘭阿姆斯特丹市立博物館（2014年）、英國倫敦泰特現代美術館（2014年）、巴西聖保羅當代美術館（2013年）、烏克蘭基輔平丘克藝術中心（2013年）、韓國首爾Art Sonje Center（2012年）、丹麥歐胡斯奧爾胡斯現代藝術博物館（2012年）及法國巴黎國立網球場現代美術館、西班牙薩拉曼卡DA2當代美術館和丹麥哥本哈根坤斯特弗裏根展廳（2005年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括美國洛杉磯布羅德基金會的「Creature」（2016年）、美國紐約惠特尼美術館的「America Is Hard to See」（2015年）、美國克利夫蘭美術館的「Disembodied」（2013年）、法國巴黎蓬皮杜藝術中心的「Mike Kelley」（2013年）、英國倫敦Hayward Gallery Project Space的「The Royal Family」（2012年）、美國紐約惠特尼美術館的「Off the Wall: Part 1—Thirty Performative Actions」（2010年）、意大利羅馬國立二十一世紀藝術博物館的「Spazio: The Scene and the Imaginary」（2010年）、美國紐約現代藝術博物館的「Looking at Music」（2008年）及美國洛杉磯保羅·蓋蒂博物館的「California Video」（2008年）。其作品可見於多個國際公營以及私人收藏，包括美國匹茲堡卡內基藝術博物館、法國巴黎卡地亞當代藝術基金會、國洛杉磯布羅德基金會、德國慕尼黑戈茨收藏、美國洛杉磯漢莫爾美術館、美國密爾沃基藝術館、美國沃斯堡現代藝術博物館、美國紐約現代藝術博物館、英國倫敦薩奇美術館、英國倫敦泰特現代美術館及美國紐約惠特尼美術館。

亞莉克絲·普拉格爾（生於 1979 年，加利福尼亞州洛杉磯；目前在加利福尼亞州洛杉磯生活和工作）是一位精心創作的攝影師和電影製作人。從廣泛的影響和參考中汲取靈感，靈感源自好萊塢電影，實驗電影，流行文化和街頭攝影等。她刻意將她所有的作品中，讓演員進行舞台表演，融合過去和當代來製造一種模棱兩可的感覺。她熟悉而又不可思議的圖像描繪了綜合虛構和現實的世界， 喚起一種懷舊的感覺普拉格爾在她的照片和電影中培養超現實主義，創造出讓人情感豐富的時刻，虛構記憶或夢想。每張照片都捕捉到了時間凝固的瞬間，邀請觀眾“完成故事” 並推測其敘事背景。普拉格爾的作品經常讓觀眾意識到攝影和電影的窺探本質，建立一種侵入潛在私人時刻的不安感覺。她精密編排的照片和電影揭示了我們在媒體飽和的社會中構建和消費圖像的方式。

普拉格爾曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括韓國首爾樂天美術館（即將展出）、立木畫廊倫敦（2022年）、美國洛杉磯郡藝術博物館（2020年）、愛沙尼亞塔林摄影博物馆（2020年）、瑞典斯德哥爾摩攝影博物館 Fotografiska Museet （2019 年） 、意大利米蘭索達尼基金會 Fondazione Sozzani（2019 年）、荷蘭阿姆斯特丹攝影博物館 FOAM Fotografiemuseum（2019 年）、俄羅斯莫斯科多媒體藝術博物館（2019 年）、瑞士勒洛克勒的美術博物館（2018年，將會舉行）、美國愛荷華得梅恩藝術中心（2017-2018年，將會舉行）、美國聖路易斯藝術博物館（2015年）、法國巴黎老佛爺畫廊（2015年）、 美國德克薩斯高斯邁克爾基金會（2015年）、澳大利亞維多利亞國家美術館（2014年）、美國華盛頓科科倫畫廊（2013年）、美國薩凡納藝術設計學院博物館（2013年）及荷蘭阿姆斯特丹攝影博物館（2012年）。

羅賓·羅德（1976年生於南非開普敦）在約翰內斯堡長大，2000年畢業於約翰內斯堡電影電視戲劇藝術學院。這位居住在柏林的藝術家遊走於攝影、表演藝術、繪畫和雕塑等媒材。他利用肥皂、炭筆、粉筆和油漆等日常生活中的媒介來創作美麗悅目的故事。羅德長大於南非種族隔離時代後，社會不再受政治或社會議題支配，獨立創新的個人表達方式得到重視。隨著街舞、電影和大眾運動對青少年文化的影響日益擴大，以及社會對壁畫這種敘事形式的接受，羅德融合豐富歷史與街頭美學的藝術甚有代表性。透過藝術創作，他把城市變成了幻想世界。藝術家或演員跟作品的互動更為圖像添加立體感。他的作品融入個人表達和廣泛的社會經濟問題，並混合豐富的歷史和當代背景。羅德目前於德國柏林定居及從事藝術創作。

羅德在1996年到2001年間分別就讀於南非約翰內斯堡大學及Association of Film and Dramatic Arts （AFDA）。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括以色列特拉維夫藝術博物館（2017年）、美國薩凡納藝術與設計學院（2016年）、美國紐約繪畫中心（2015年）、美國紐約紐伯格藝術博物館（2014年）、澳大利亞墨爾本維多利亞國家美術館（2013年）、洛杉磯郡藝術博物館（2010年）、美國俄亥俄韋克斯納藝術中心（2009年）、英國倫敦海沃德美術館（2008年）及德國慕尼克藝術之家（2007年）。他亦曾參與多個群體展覽及雙/三年展，包括美國佛羅裏達傑克遜維爾博物館的「Synthesize: Art + Music」（2017年）、美國巴爾的摩藝術博物館的「Shifting Views: People and Politics in Contemporary African Art」（2016-2017年）、行為藝術雙年展PERFORMA的「A Performance by Robin Rhode」（2015年）、德國維特拉設計博物館和畢爾包古根漢博物館的「Making Africa」（2015年）、奧地利維也納阿爾貝蒂娜博物館的「DRAWING NOW」（2015年）、美國邁阿密巴斯藝術博物館的「GOLD」（2014年）、紐約現代藝術博物館的「Staging Action: Performance in Photography Since 1960」（2011年）及紐約現代藝術博物館的「New Photography」（2005年）。羅德曾參與多個雙/三年展，包括釜山雙年展（2017年）、第五十六屆威尼斯雙年展（2015年）、第18屆的悉尼雙年展（2012年）、日本橫濱藝術博物館的橫濱三年展（2005年）及第51屆的威尼斯雙年展（2005年）。其作品可見於多個國際公營以及私人收藏，包括意大利都靈裏沃利城堡當代藝術博物館、法國巴黎蓬皮杜藝術中心、美國華盛頓赫希洪博物館和雕塑園、美國邁阿密藝術博物館、法國巴黎現代藝術博物館、美國紐約現代藝術博物館、美國紐約所羅門·R·古根海姆博物館及美國明尼亞波利斯沃克藝術中心。

大衛·薩利（1952年生於美國俄克拉馬州諾曼）分別於1973年和1975年獲瓦倫西亞加州藝術學院學士學位和碩士學位，是20世紀80年代以來美國當代新表現主義最重要藝術家之一。他多以借用的方法把各種不相關的內容混合在同一個主題中來創作，在創作中使用不同風格、空間、色彩和手法，造成畫面的不和諧關系。而正是這種不和諧的碰撞，卻為觀者帶來了充滿藝術想象力的意外發現。藝術家目前於紐約布魯克林定居及從事藝術創作。

他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括美國格林威治布蘭特基金（2021年）、法國巴黎達太羅帕克畫廊（2020年）、西班牙馬德里哈維爾·洛佩茲和弗朗西斯畫廊（2019年）、西班牙馬拉加當代藝術中心（CAC Málaga）（2016年）、美國達拉斯當代藝術中心（2015年）、美國芝加哥藝術俱樂部（2014年）、美國紐約大都會歌劇院（2012年）、墨西哥蒙特雷博物館（2000年）、荷蘭阿姆斯特丹城市博物館（1999年）、奧地利維也納現代美術館（2000年）、意大利都靈沃利城堡當代藝術博物館（2000年）及西班牙畢爾巴鄂古根海姆美術館（1999年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括美國紐約水車市帕里什美術館的「Every Picture Tells a Story, Parrish Art Museum」（2018年）、美國紐約大都會藝術博物館的「Before/On/After: William Wegman and California Conceptualism」（2018年）、瑞士日內瓦現代和當代藝術博物館的「Zeitgeist」（2017年）、美國紐約惠特尼美術館的「Fast Forward: Paintings from the 1980s」（2017年）、美國阿拉巴馬州伯明翰美術館的「Third Space/Shifting Conversations About Contemporary Art」（2017年）、美國紐約帕里什美術館的「Unfinished Business: Paintings from the 1970s and 1980s by Ross Bleckner, Eric Fischl, and David Salle」（2016年）、美國紐約惠特尼美術館的「America is Hard to See」（2015年）、美國波士頓沃克藝術中心和波士頓當代美術館的「This Will Have Been: Art, Love, & Politics in the 1980s」（2012年）及美國紐約大都會藝術博物館的「The Pictures Generation」（2009年）。

珍妮弗·施泰因坎普（1958年生於美國科羅拉多州丹佛）分別在1989和1991年從藝術中心設計學院取得美術學士學位和碩士學位， 更於2011年獲得博士的榮譽。施泰因坎普運用3D電腦動畫技術與新媒體創作投影裝置藝術。其作品探索空間、動態及現象學等概念。她的數碼動畫作品利用實際空間和幻覺空間互相交疊令觀者融入藝術品之中。她的作品雖然視覺上具有誘惑力，卻隱約使用了不詳的參考。例如在「Daisy Bell」裏，施泰因坎普表現了一系列美麗但有毒的花。她的作品時常探究時間這個題目，描繪如季節轉換和生命周期一般的周期性事件。因為這些周期都沒有開始、中間或結束，所以施泰因坎普使用的是非敘事的手法去敘述時間的改變。從這方面來看，她的作品更註重感官上的體驗，比起其他影片或媒介主導的作品更像六十年代推動光影藝術的詹姆斯·特瑞爾和瑪麗·科西斯。她目前於美國加州洛杉磯定居及從事藝術創作。

她曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括美國科羅拉多斯普林斯美術中心（2017年）、美國波特蘭藝術博物館（2017年）、美國聖地亞哥當代藝術博物館（2016年及2011年）、美國德州瑪克內美術館（2016年）、美國休斯頓美術博物館（2012及2014年）、美國聖路易斯當代藝術博物館（2013年）、美國奧馬哈喬斯林藝術博物館（2013年）、西班牙馬拉加當代藝術中心（2009年）、美國紐約奧爾布賴特·諾克斯美術館（2008年）及美國聖荷西當代藝術館和美國堪薩斯城肯珀當代藝術館（2006年）。她亦參與過多個群體展覽及雙年展，包括美國諾克斯維爾博物館的「Virtual Views: Digital Art from the Thoma Foundation」（2018年）、瑞典烏德瓦拉布胡斯省博物館的「Nature Morte: contemporary artists reinvigorate the still-life tradition」（2016年）、美國聖荷西藝術博物館的「Momentum: An Experiment in the Unexpected」（2014年）、美國林肯謝爾頓藝術博物館的「Turning Inside Out: Video Art by Nam June Paik, Joan Jonas, and Jennifer Steinkamp」（2012年）、美國丹佛藝術博物館的「Blink! Light, Sound and the Moving Image」（2011年）、美國洛杉磯當代美術館的「The Artist's Museum」（2010年）及美國洛杉磯保羅·蓋蒂博物館的「California Video」（2008年）。施泰因坎普亦曾參與多個雙年展，包括第11屆開羅國際雙年展（2008年）及第8屆伊斯坦布爾雙年展（2003年）。其作品可見於多個國際公營以及私人收藏，包括美國諾福克克萊斯勒美術館、美國華盛頓國家美術館、美國洛杉磯哈默博物館、土耳其伊斯坦布爾現代博物館、美國洛杉磯縣立藝術博物館、美國明尼亞阿波利藝術學院、美國北邁阿密當代藝術博物館及美國休斯頓美術博物館。

徐道獲（1962年生於韓國首爾）曾於韓國國立大學主修東方油畫，其後分別在羅德島設計學院及耶魯大學學習油畫及雕塑。自九十年代中期，他開始對傳統個人空間的概念提出質疑，並對其概念在實體及隱喻呈現方面的變維及移動性進行探索。多年來，徐道獲的裝置、繪畫、雕塑和電影作品一直備受國際關註，當中探討的主題包括藝術家的個人經歷和家族歷史，如「家」、「遷徙」、「回憶」和「個體」等。徐道獲認為我們所居住的空間也含有心理的力量，而他嘗試在這些居所以外的地方作品中把記憶、個人體驗和安全感具像化。

徐道獲先後在美國羅德島設計學院及耶魯大學獲得藝術學士學位（1994年）和雕塑的藝術碩士學位。他曾在眾多美術館及博物館舉行個人展覽，包括丹麥奧胡斯藝術博物館（2018年，即將展出）、日本十和田現代美術館（2018年）、美國弗裏斯特視覺藝術中心（2018年，即將展出）、美國華盛頓史密森尼美國藝術博物館（2018年）、美國麥迪遜當代藝術博物館（2017年）、美國聖地牙哥當代美術館（2016年）、美國辛辛那提現代藝術中心（2016年）、美國克利夫蘭現代藝術博物館（2015年）、日本東京森美術館（2015年）、美國奧斯汀當代藝術博物館（2014年）、韓國首爾國立當代藝術博物館（2013年）、日本金沢21世紀美術館（2012-2013年）、日本廣島市現代美術館（2012年）、加利福尼亞大學聖地亞哥分校（2012年）、韓國首爾三星美術館（2012年）及英國倫敦泰特現代藝術館（2011年）。他亦曾參與多個群體展覽，包括意大利威尼斯第16屆國際建築展覽（2018年）、西班牙萊昂卡斯蒂利亞當代藝術博物館的「Shelter in the Storm. A Look at the Exile in the MUSAC Collection」（2018年）、奧爾布賴特·諾克斯藝術館的「Art of the Senses」（2017年，即將展出）、耶路撒冷以色列博物館的「No Place Like Home」（2017年）、美國洛杉磯哈默博物館和曼尼爾私人收藏博物館的「Apparitions: Frottages and Rubbings from 1860 to Now」（2015年）、韓國首爾三星美術館的「Beyond and Between」（2014年）、皇後區藝術博物館的「Shades of Time: An Exhibition from the Archive of Korean American Artists, Part Two 1989 - 2001」（2014年）、 美國芝加哥當代藝術博物館的「Homebodies」（2013年）、韓國大邱藝術博物館的「Dislocation」（2012年）及韓國果川國立當代藝術博物館的「Peppermint Candy: Contemporary Korean Art」（2009年）。徐道獲曾參與多個雙年展，包括新加坡雙年展（2016年）、南韓第9屆光州雙年展（2012年）、英國第6屆利物浦雙年展（2010年）、意大利威尼斯第12屆建築雙年展（2010年）、第8屆伊斯坦布爾國際雙年展（2003年）、第13屆悉尼雙年展（2002年），並作為韓國代表出席了第49屆威尼斯雙年展（2001年）。其作品可見於多個國際公營以及私人收藏，包括美國紐約現代美術博物館、美國紐約惠特尼美國藝術博物館、美國紐約所羅門·古根漢美術館、美國洛杉磯縣立美術館、美國沃克藝術中心、英國倫敦泰特現代藝術館、奧地利維也納Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection、荷蘭弗爾林登美術館、韓國首爾三星美術館、韓國首爾Art Sonje Center、日本東京都現代美術館、日本東京森美術館及日本金沢21世紀美術館。

納利·華德 （1963 年生於牙買加聖安德魯，現居於紐約）利用他從城市收集得來的物料創作戲劇性的雕塑式裝置藝術。他重新利用物件如嬰兒車、購物車、水瓶、門、電視套裝、收銀機、鞋帶等。華德重新塑造這些從城市收集回來的物件引導觀眾思考，並帶出複雜和隱喻的意義—審視周圍環境的種族、貧窮和消費文化所產生的問題。他偏向由觀眾對其作品提出個人的闡釋，為作品留下開放性的意義。

華德的最代表性的作品是「Amazing Grace」，制作於1993年時他駐場在美國紐約哈林區畫室博物館，作品回應早期九十年代愛滋病和毒品流行的問題。華德以365個遺棄的嬰兒車制作這個大型裝置—嬰兒車經常被美國紐約哈林區露宿者去運送他們的物質—華德用哈林區廢棄消防局中撿到的消防喉綁起嬰兒車。華德設置福音歌手瑪哈莉雅傑克森《奇異恩典》的錄音重覆播放，環繞在展場之中。歌詞講述救贖和變化，帶出樂觀和希望。與他的大部分作品一樣，這個裝置探索主題都有關於他工作地區的物料和社區環境。這年展於2013年曾被美國新當代藝術博物館Studio 231藝術空間和多個歐州地方重新制造。隨著每一個裝置內容上的轉變，作品的重要性都因每個城區的社群不同地與作品聯系而改變。

埃爾溫·沃姆 （1954 年生於奧地利施泰爾安德莫爾，現居於奧地利維也納）是一位奧地利藝術家，在過去的四十年裡，他的創作實踐極大地拓展了雕塑的可能性。沃姆的作品根植於關於雕塑本質、空間構成以及人體、日常物品和姿態如何轉化為雕塑形式的概念性問題，挑戰著人們對雕塑媒介的傳統定義。儘管他的作品中充斥著超大尺寸的醃黃瓜、擬人化的香腸、空蕩蕩的西裝以及比例失調的房屋，但沃姆最著名的作品還是他標誌性的《One Minute Sculpture》。這些作品指導參與者用日常物品擺出不合邏輯的姿勢來創作臨時雕塑。透過他充滿悖論的作品，沃姆直面當代社會的哲學問題——從對地位和消費主義的痴迷，到對傳統價值體系的焦慮，再到現代心理學的複雜性。同時，這位藝術家透過對體積、表面、尺度和時間的大膽形式實驗，探索雕塑的全新可能性。儘管沃姆認為荒誕是重要的創作工具，但其作品中始終蘊含著對當代文化的社會批判。沃姆強調這種二元性，他遊走於高雅與通俗的邊緣地帶，融合不同的藝術流派，探索他眼中虛構的現實。