海蒂·布赫（Heidi Bucher）1926年出生於瑞士溫特圖爾，1942年至1946年在蘇黎世應用藝術學院就讀，專門從事時裝設計，1993年於瑞士布倫嫩逝世。她的創作主題主要涉及對公共建築和私人建築的討論，以及女性的精神氣質和身體的探討。作品多取材於女性服裝，通過創造性地運用乳膠使其表面呈現出皮膚的質感；之後她將這種藝術創作方法運用到家居物品和整棟房屋建築中，將它們與特定的“女性”空間聯系起來。近兩年，這位歷史上被低估的傑出女性藝術家得到了藝術界持續的認可與關註。

從七十年代起，布赫用乳膠和珍珠母熏制衣服，用以保留其手工制品的時代背景，並制作出類似皮膚的顏色和質感。布赫使用了大量的女性衣物，例如睡衣和絲襪，去批判她成長時經歷過的性別定型。七十年代末，布赫開始在家居物品和空間上加上她標志性的乳膠塗層，將女性衣物和所謂的「女性空間」並列。她撕掉硬化的乳膠塗層，在半透明的皮膚上拓印了建築物上的顏料、鐵銹、灰塵、和細微的印記。

施拉澤·赫什阿裏（1955年生於伊朗）於1970年代早期移居倫敦並在1979年畢業於切爾西藝術與設計學院。與她同期受到關註的藝術家包括阿尼什·卡普爾及理查德·迪肯。赫什阿裏擅長通過雕塑探索精神信仰和抽象形態。在1999年，紐約立木畫廊為她舉辦了首場個展，展出了一系列她受蘇菲主義和十三世紀神秘主義詩人魯米啟發的繪畫。赫什阿裏用墨一筆一筆反覆地把伊斯蘭書法刻在布面上。她將工序繁雜的繪畫過程升華至一種冥想性的視覺經歷，濃縮了當下靜止的一刻和過去的體驗。她在1994年獲特納獎提名，目前於英國倫敦定居及從事藝術創作。

赫什阿裏於1979年在英國倫敦藝術大學車路士藝術與設計學院畢業，在多個博物館及美術館舉行個人展覽，包括瑞士日內瓦Espace Muraille（2016年）、新加坡泰勒紙印藝術學院（2016年）、英國利物浦泰特利物浦美術館（2003年）、美國新墨西哥聖達菲美術館（2002年）、英國倫敦大英博物館伊斯蘭美術館（1997年）及英國倫敦卡姆登藝術中心（1993年）。她亦參與多個群體展覽，包括美國休斯頓穆迪藝術中心的「Artists and the Rothko Chapel」（2021年）、美國洛杉磯郡立藝術館的「Ink Dreams: Selections from the Fondation INK Collection」（2021年）、阿聯酋阿布扎比盧浮宮的「Abstraction and Calligraphy − Towards a Universal Language」（2021年）、英國韋克菲爾德長邊畫廊的「Breaking the Mould: Sculpture by Women since 1945」（2021年）、英國倫敦維多利亞與艾爾伯特博物館的「Epic Iran」（2021年）、英國索爾茲伯里教堂的「Celebrating 800 Years of Spirit and Endeavour」（2020年）、法國巴黎伊斯蘭文化中心的「l'Oeil & la Nuit」（2019年）、美國堪薩斯納爾遜藝術博物館的「Regarding Spirituality」（2018年）、美國紐約素描中心的「Drawing Dialogues: The Sol LeWitt Collection」（2016年）、美國薩拉索塔約翰與梅寶瑞格林藝術博物館的「Phantom Bodies: The Human Aura in Art」（2015年）、奧地利維也納冬宮的「Love Story: Anne & Wolfgang Titze Collection」（2014年）、美國東蘭辛遠大美術館的「Pattern」（2013年）、美國紐約大都會藝術博物館的「50 Years of Collecting Islamic Art」（2013年）、英國倫敦皇家藝術學院的「Summer Exhibition」（2012年）、美國紐約的「What is Painting? Contemporary Art from the Collection」（2008年）、美國紐約現代藝術博物館的「Without Boundary: Seventeen Ways of Looking」（2006年）、日本東京森美術館的「Happiness」（2003年）、及義大利威尼斯佩姬·古根漢美術館的「Thinking Big: Concepts for Twenty-First-Century British Sculpture」（2002年）。赫什阿裏亦曾參與多個雙年展，包括意大利第57屆威尼斯雙年展「GLASSTRESS 2017」（2017年）、意大利第55屆威尼斯雙年展「GLASSTRESS 2013」（2013年）、烏克蘭第1屆基輔雙年展（2012年）及澳大利亞第17屆悉尼雙年展（2010年）。

卡里達・羅爾斯（1976年生於美國特拉華州威爾明頓；現於加利福尼亞州洛杉磯生活和工作）的畫作融合了超現實主義與詩意抽象風格。羅爾斯把其作品主體設置在動態的空間中，而「水」在她的作品中則是重要、有機、多元並具有歷史意義的空間。從歡欣鼓舞到熱情洋溢，甚至完全湮沒於神秘的氣氛中，黑人的身軀浮沉於精緻描繪的海洋景觀，伴隨著氣泡、漣漪、折射的光線和遼闊的藍色光景。對羅爾斯而言，「水」具有治癒身體與心靈的能力，亦能帶出歷史創傷和種族排斥。她活用這種複雜的二元性來營造一個全新的空間，藉以撫慰黑人的傷口及重新塑造她超越種族對立的主體。藝術家巧妙地利用「水」寧靜的特質和超越時間與地域的限制，使原本沈重的主題變得輕盈，讓「水」在作品中的解讀更引人入勝，引起觀眾的多面理解。即使在現今動盪的時代，羅爾斯的作品仍然憑著埋藏在作品標題和各種地形符號，展現出寧靜且富有力量的廣闊視野，同時不忘彰顯人性的光輝。

羅爾斯在近期的作品中重新想像神話莉莉斯（亞當的第一位妻子）的故事，她因不願雌伏在亞當身下而被妖魔化。羅爾斯嘗試延續這神話並重新為莉莉斯定位，讓她從與女性形象對立的惡靈轉化成隨水流飄浮的自我主權者，成為反抗的根源。此外，羅爾斯深受當代黑人女性作家以及她們對交叉性理論的觀點影響， 藝術家經常描繪穿著白袍的黑人婦女和女孩在平靜的領域中漂浮，讓她們從各種微歧視、膚色歧視及世代相傳的心理創傷中獲得解脫。畫中的女性都是從容地輕閉雙眼，從斑斕的藍海中散發著光芒。在安逸和滿足的瞬間，羅爾斯用「水」營造出寓言般的另類國度，以追求親密和歸屬感，以及女性之間的情誼。