카데르 아티아(1970년 프랑스 두니 출생)는 알제리와 파리 교외에서 성장했으며, 현재 베를린과 파리를 오가며 활동하고 있다. 서로 다른 문화 속에서 살아온 경험을 바탕으로 아티아는 전 세계의 사회적, 역사적, 그리고 문화적 차이를 탐구하는 작업 방식을 발전시켜 왔다. 그의 설치와 조각 작품은 서구와 비서구 문화 간의 관계를 시적이면서도 직설적으로 드러낸다. 건축, 인체, 문학, 역사를 아우르는 복합적 탐구를 통해 그는 식민 지배와 갈등의 맥락 속에서 개인과 문화가 어떻게 형성되는지를 보여준다. 작가가 수집한 유물, 그리고 일상 또는 전쟁에서 소비된 물건은 갤러리 공간을 성찰의 장으로 전환하며, 관객으로 하여금 역사에 관한 다층적이고 불완전한 해석을 마주하도록 이끈다. 아티아는 이러한 재전유가 우세와 열세, 전통과 현대, 그리고 낯섦과 익숙함 사이에 놓인 틈을 메울 수 있다고 믿는다.

아티아는 1993년 프랑스 파리 뒤페레 응용예술학교, 1994년 스페인 바르셀로나 마사나 대학, 1998년 프랑스 파리 국립 고등장식예술학교에서 학위를 취득했다. 그의 개인전은 카타르 도하 마타프 아랍 현대 미술관(2021), 네덜란드 위트레흐트 비에이케이(2021), 스위스 취리히 미술관(2020), 브라질 상파울루 세시 폼페이아(2020), 캘리포니아주 버클리 미술관 & 태평양 필름 자료관(2019), 영국 런던 헤이워드 갤러리(2019), 프랑스 발드마른 현대미술관(2018); 스페인 바르셀로나 호안 미로 재단(2018), 캐나다 토론토 파워 플랜트(2018), 뉴햄프셔주 해노버 후드 미술관(2018), 프랑스 파리 팔레 드 도쿄(2018), 호주 시드니 현대미술관(2017), 독일 코블렌츠 루트비히 박물관(2017), 미주리주 세인트루이스 밀드레드 레인 캠퍼 미술관(2017), 벨기에 겐트 시립 현대미술관(2017), 프랑스 파리 퐁피두센터(2016), 독일 프랑크푸르트현대미술관(2016), 스위스 로잔 주립 미술관(2015), 독일 베를린 쿤스트베르케 현대미술 연구소(2013), 영국 런던 화이트채플 갤러리(2013), 프랑스 파리 시립 현대미술관(2012), 매사추세츠주 보스턴 현대미술관(2007), 그리고 프랑스 리옹 현대미술관(2006)에서 개최되었다. 그가 참여한 단체전으로는 독일 베를린 그로피우스-바우의 ⟪YOYI! Care, Repair, Heal⟫(2022), 대한민국 서울의 리움미술관 ⟪Human, 7 Questions⟫(2021), 스페인 빌바오 구겐하임 미술관의 ⟪The Roaring Twenties⟫(2021), 프랑스 파리 께브랑리 미술관의 ⟪Africa Reborn⟫(2021), 스위스 취리히 미술관의 ⟪Smoke and Mirrors: The Roaring Twenties⟫(2020), 독일 베를린 그로피우스-바우의 ⟪Down to Earth⟫(2020), 프랑스 파리 퐁피두센터의 ⟪Global(e) Resistance⟫(2020), 덴마크 오르후스 아로스 미술관의 ⟪Mythologies - The Beginning and End of Civilizations⟫(2020), 프랑스 파리 팔레 드 도쿄의 ⟪Our World is Burning⟫(2020), 아랍에미리트 두바이 자밀아트센터의 ⟪Phantom Limb⟫(2019), 매사추세츠주 보스턴 현대미술관의 ⟪When Home Won’t Let You Stay: Migration Through Contemporary Art⟫(2019~2020, 미네소타주 미니애폴리스 미술관 순회전), 워싱턴 D.C. 필립스 컬렉션의 ⟪When Home Won’t Let You Stay: Migration Through Contemporary Art⟫(2019), 독일 뮌헨 현대미술관의 ⟪The Flow of Forms⟫(2017), 오스트리아 빈 레오폴드 미술관의 ⟪Foreign Gods: Fascination Africa and Oceania⟫(2016), 뉴욕주 뉴욕 구겐하임 미술관의 ⟪But a Storm Is Blowing from Paradise: Contemporary Art of the Middle East and North Africa⟫(2016), 독일 함부르크 다이히토어할렌의 ⟪Picasso in Contemporary Art⟫(2015), 워싱턴 D.C. 국립 아프리카계 미국인 역사 및 문화 박물관의 ⟪The Divine Comedy: Heaven, Purgatory, and Hell Revisited⟫(2014~2015, 조지아 서배너 SCAD 미술관과 독일 프랑크푸르트현대미술관 이동), 뉴욕주 뉴욕 뉴뮤지엄의 ⟪Here and Elsewhere⟫(2014), 뉴욕주 뉴욕 현대미술관의 ⟪Performing Histories⟫(2012), 그리고 영국 런던 테이트 모던의 ⟪Contested Terrains⟫(2011)이 있다.

1978년 플로리다주 마이애미에서 태어나 현재까지 거주하며 작업하고 있는 헤르난 바스는 회화, 종이 작업, 비디오, 설치 작업 등을 통해 청소년기의 모험을 고전 시, 종교 이야기, 신화, 초자연적인 요소, 문학과 엮어낸다. 바스의 초기 작품은 자연의 숭고미를 칭송한 18세기 낭만주의 시대와 더불어 허무주의, 회의주의, 감정의 과잉, 그리고 인위적 자극에 눈을 뜬 19세기 데카당스 운동에 영향을 받았으며, 대부분 청소년기 남성으로 그려지는 바스의 인물은 광활하게 펼쳐진 비일상적인 풍경 뒤에 숨어 깊은 사색에 잠겨 있다. 바스의 작업에 등장하는 인물과 장소는 점점 명확한 형태를 갖추어 그들이 사는 사회 문화적 맥락을 선명하게 드러내기 시작한다. 다양한 시대와 주제를 오가며 호기심, 욕망, 그리고 집착에 관해 탐구하는 바스는 보는 이로 하여금 스스로 질문하고 미묘한 지점을 발견할 수 있도록 관객을 초대한다.

바스의 작품 전반에 등장하는 젊은 남성 인물은 구체적인 외형을 지니고 있지만, 각각의 회화 작품을 포함한 그의 최근 작업은 성 소수자 운동, 욕망, 정치, 뉴스, 음모론, 그리고 오컬트처럼 구체적인 주제 또한 담고 있다. 미국의 하위문화, 그리고 고전 회화의 동시대 해석에 관해 독특한 시각을 견지하고 있는 이러한 작품은 관객으로 하여금 서로 동떨어져 보이는 과거와 현재의 비연속적 순간에서 연관성을 찾을 수 있도록 비판과 성찰의 장을 마련한다. 2019년 11월 리만머핀이 개최한 전시 《TIME LIFE》에서 바스는 그가 영감을 받은 TIME-LIFE의 도서 연작 《Mysteries of the Unknown》를 차용한다. 1987년부터 1991년까지 연재한 각각의 책은 유령, UFO, 초능력, 꿈과 같은 다양한 초자연적 주제에 초점을 두고 있다. 가상과 현실, 미와 추, 그리고 비범함과 평범함 사이의 경계를 탐색하면서 바스는 과거의 사이비 종교 현상을 통해 현재의 정치와 사회 문제에 통찰을 얻고자 한다.

빌리 차일디쉬 (1959년 영국 켄트 채텀 출생, 현재 채텀에서 거주하며 작업)는 자기성찰적이고 자전적인 회화, 문학, 음악 작품으로 잘 알려져 있다. 16세에 중등학교를 그만둔 후 채텀 해군 조선소에서 견습 석공으로 일한 차일디쉬는 지역 미술학교의 면접을 거부당했지만 수백 점의 그림을 그려 런던의 세인트 마틴 예술학교에 입학 기회를 얻었다. 그러나 그의 권위에 대한 도전으로 결국 1981년 미술학교에서 퇴학을 당하였다. 차일디쉬는 그 이후에도 여러 편의 소설과 40여 권의 자기고백적인 시를 쓰고 출판했으며, 170여 장의 LP를 녹음하고 수백 점의 유화로 전 세계적으로 컬트적인 지위를 얻게 되었다. 이러한 전방위적인 예술작업을 통해 작가는 전쟁, 시위, 격동의 어린 시절, 중독과의 투쟁과 같은 사회적, 정치적, 개인적 문제를 현재까지 다루고 있다. 그의 시와 음악은 놀라울 정도로 솔직하게 이러한 문제를 탐구하지만, 차일디쉬의 그림은 조금 더 은유적이다. 자작나무 숲, 자화상, 목가적인 영국 풍경 속 고독한 인물, 아내의 누드 와상은 그의 그림에 자주 등장하는 주제로 주변 환경이나 평소 그가 존경하는 인물들로부터 가져온 것이다. 그는 캔버스 일부를 그대로 노출하여 빠르고 직관적인 붓질로 특유의 화법을 구축하였다. 특히, 빈센트 반 고흐, 쿠르트 슈비터스, 에드바르 뭉크와 같은 일명 사회적 아웃사이더에게 흥미를 느끼고 당시의 비주류 예술가들과 스스로를 동일시한다. 그리고 자신을 ‘급진적 전통주의자’라고 칭하며 전통 유화에 대한 경의를 표하면서도 특정 그룹이나 예술 운동과의 연관성을 단호히 거부한다.

차일디쉬는 1977년 켄트 메드웨이 디자인 대학교와 1978년 영국 런던 세인트 마틴 예술학교에서 수학했다. 최근 열린 그의 개인전으로 중국 광저우 허 미술관(2024)을 비롯하여 영국 마게이트 칼 프리드먼 갤러리(2023), 리만머핀 뉴욕(2022), 런던(2022), 서울(2020), 독일 베를린 노이게림슈나이더(2018), 베를린의 빌라 쇼닝겐(2017), 미국 텍사스 댈러스의 고스-마이클 재단(2017), 영국 켄트의 로체스터 아트 갤러리(2016), 독일 프랑크푸르트의 오펠빌렌 뤼셀하임(2016), 뉴욕 화이트 컬럼 (2010), 영국 런던의 인스티튜트 오브 컨템포러리아트 (2010) 등이 있다. 주목할 만한 단체전으로는 스위스 생모리츠의 모니카 드 카르데나스의 《Billy Childish, Franz Gertsch, Alex Katz》(2018), 리만머핀 뉴욕의 《Future Seasons Past》(2015), 덴마크 코펜하겐의 갤러리 미카엘 앤더슨 《The Islanders》(2015), 런던 푸시킨 하우스의 《BILLY CHILDISH, HARRY ADAMS, and EDGEWORTH JOHNSTONE: Our Friend Larionov》(2014), 독일 아헨의 노이어 아헤너 쿤스트페라인의 《Paintings Sweet Paintings》(2014), 영국 에든버러의 시티 아트 센터 《British Art Show 5》(2000) 등이 있다. 그의 작품은 여러 유수 기관 및 컬렉터에 의해 소장되어 있는데 대표적인 소장 기관으로 런던 빅토리아 앤드 앨버트 박물관, 미국 버펄로 AKG 미술관, 런던 잉그램 컬렉션, 서울 아모레퍼시픽 미술관, 중국 상하이 롱뮤지엄, 중국 푸젠 AT G+ Museum, 독일 베를린 보로스 컬렉션 (Boros Collection) 등이 있다.

테레시타 페르난데스의 작품은 지하에서 우주, 국경, 그리고 인간이 내면에 간직하고 있는 이해하기 어려운 정신적 풍경에 이르기까지 다양한 풍경을 구성하는 요소를 광범위하게 재조명하는 것이 특징이다. 페르난데스는 물질, 인간, 장소 사이의 밀접한 관계를 풀어내고, 땅과 풍경에 대한 고정된 개념을 시적으로 도전하며 우리가 상상하고 정의하는 방식에 내재된 폭력과 식민지화의 역사를 작품으로 선보인다. 권력, 가시성, 삭제에 대한 질문은 페르난데스 작품의 중요한 주제이며, 그녀는 아름다움과 사회 정치적인 것, 친밀한 것, 거대한 것을 서로 얽히게 하는 미묘한 방식으로 이러한 주제에 맞서고 있다. 페르난데스는 풍경에 의인화된 감성을 불어넣으며 “당신은 풍경을 바라보지만, 그 풍경은 또한 당신을 돌아본다. 풍경은 당신이 보는 것보다 보이지 않는 것에 관한 것이다.”라고 말한다.

페르난데스는 맥아더 재단 펠로우이며 크리에이티브 캐피탈 어워드, 메리디안 문화 외교상, 구겐하임 펠로우십, 루이스 컴포트 티파니 비엔날레 어워드, 미국 로마 아카데미 펠로우십(AFAAR), 시각예술 분야 국립예술기금 개인 예술가 보조금 등 수많은 상을 수상했다. 2011년에는 버락 오바마 대통령에 의해 미국 미술위원회 위원으로 임명되었다. 그녀는 100년 역사의 연방 패널에서 활동하는 최초의 라틴계 여성으로, 디자인과 미학에 관한 국가적 사안에 대해 대통령과 의회에 자문을 제공한다. 2016년에는 포드 재단과 함께 미국 라틴계 예술의 미래 심포지엄을 기획하고, 감독하여 전국의 예술가와 큐레이터, 박물관 관장, 학자들이 모여 문화 기관 내에서의 가시성 방식을 논의하는 자리를 마련했다.

Gilbert & George (b. 1943, San Martin de Tor, Italy & 1942, Plymouth, United Kingdom; lives and works in London, United Kingdom) met in 1967 in art school at Saint Martin’s, where they first developed their signature form of “living sculptures” by walking around the streets of London with their heads and hands coated with multi-color metallic powders. Since then, they have lived and worked together, their individual identities subsumed into a vision of animate sculpture, becoming representations of the universal human condition, which is a central theme in their work. Their embrace of video technology, along with their well-known photo-collage works, allowed Gilbert & George to extend their living sculptures beyond a particular time and place and broadcast their art to wider audiences, establishing their motto of “art for all.”

Shortly after art school, they moved to London’s East End, then a bustling immigrant and working-class neighborhood, which has served as their home and studio for almost 50 years. Their changing neighborhood, which has become a gentrified creative center, has significantly influenced their work. The artists often appear in their work as witnesses to life unfolding in the sociopolitical and urban conditions of this area. Through imagery specific to London and the East End in particular, Gilbert & George create an ongoing portrait of the city that includes street signs, ginkgo trees, graffiti, postering, and gum-stained sidewalks.

Shirazeh Houshiary (b. 1955, Shiraz, Iran; lives and works in London, United Kingdom) makes painting, sculpture, and animation that seek to challenge viewers’ perceptions of time, space, and materiality. Her works often engage opposing ideas and states of being, including transparency and opacity, sound and silence, surface and depth, and presence and absence. From a distance, her paintings are reminiscent of a swirling galaxy, but as the viewer draws closer, the meticulousness, detail, and hidden Arabic letters that make up her amorphous forms begin to unfold. The universe, with its contradiction, paradox, and complexity is a core subject matter in her work. The Arabic words embedded in her compositions are a juxtaposition of the opposing phrases “I am” and “I am not,” oscillating freely between focused and unfocused states, where the meaning of our existence becomes superfluous and lost in Houshiary’s imagined cosmos.

Houshiary’s painting technique involves the successive layering of pigment and line, a laborious process that often takes several months to complete. Her surfaces are composed of intricate patterns that appear to pulse, undulate, and recede into the canvas, like a veil or membrane. She takes a similar methodical approach to her dynamic sculptures, constructing towers out of glass or aluminum bricks that, layer by layer, seem to emerge from the floor. Each vertical plane of bricks echoes the original shape of the structure’s footprint incrementally rotated to the maximum degree the form will allow before the resulting helix shape becomes unstable. For each work, Houshiary attempts to visualize subjects that are inherently intangible—an echo, human breath, or memory.

Klara Kristalova (b. 1967, Czechoslovakia; lives and works in Norrtälje, Sweden) creates figurative ceramic sculptures that take on hybrid forms. Many of Kristalova’s works incorporate both aspects of the human body and elements of nature, such as animals, insects, flowers, and trees. Infused with uncanny details and observations from her daily life and surroundings, Kristalova’s figures constitute a juxtaposition of scale where minute details reflect the monumental impact of constant change. Her oeuvre is grounded in an exploration of transitional states essential to both human and ecological life, and her sculptures conjure a familiar yet fantastical presence that exudes raw emotion. Building a fictive world that bridges humanity, ecology, and fantasy, Kristalova’s sculptures undergird the omnipresence of change across all forms of life.

Crafted in the artist’s secluded studio in Norrtälje, Sweden, Kristalova’s rugged style evokes a sense of discomfort, mirroring the sensitive and porous emotional landscape one finds themselves in when weathering changes. The figures exist in a liminal state, often possessing both human and anthropomorphic qualities and perhaps challenging such distinctions altogether. In this sense, Kristalova’s rustic style reminds us that the sculptural process is inherently transformative, as natural materials are shaped into static and enduring forms.

Liu Wei (b. 1972, Beijing, China; lives and works in Beijing, China) explores 21st-century socio-political concepts such as the contradictions of contemporary society and the transformation of developing cities and the urban landscape. In many of his sculptural and installation works, he uses found materials that are re-contextualized to draw new meanings out of the materials from which they are made. Liu Wei frequently uses geometric and architectural forms in his work as a reference to his urban surroundings.

Liu Wei graduated from the China Academy of Art in 1996. Solo exhibitions of his work have been organized at Long Museum, Shanghai, China (2020); Cleveland Museum of Art, Cleveland, OH (2019); Museum of Contemporary Art, Cleveland, OH (2019); PLATEAU, Samsung Museum of Art, Seoul, South Korea (2016); Ullens Center for Contemporary Art (UCCA), Beijing, China (2015); Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, the Netherlands (2014); and Minsheng Art Museum, Shanghai, China (2011).

미스터(1969년 쿠파 출생, 현재 일본 사이타마 거주)는 상위문화와 하위문화의 결합을 통해 동시대적 표현 양식을 구현한다. 작가에게 애니메이션과 만화는 시각 언어이자 일본 문화를 가늠하는 척도이며, 무라카미 다카시를 포함한 동료 슈퍼플랫 작가와 마찬가지로 미스터 역시 오타쿠, 즉 청소년기, 만화, 애니메이션, 비디오 게임과 같은 일본의 귀여운 서브컬처에 대한 애착을 다루고 있다. 오타쿠에 대한 그의 관심과 더불어, 그의 작업에는 1960년대 이탈리아 미술 사조인 아르테 포베라의 영향도 드러난다. 관습에서 벗어난 재료와 의도된 아마추어 정신에서 영감받은 미스터는 상점 영수증, 포장 음식, 거래 명세서와 같은 폐지 위에 그림을 그리는데, 이러한 만화 형식의 회화 및 드로잉이 그의 초기 작업을 구성하고 있다.

2010년 이전, 미스터는 성적으로 과하게 묘사된 어린 여성의 초상화를 그의 작업에 종종 그려 넣었다. 오타쿠 문화에서 파생한 ‘로리콘’은 롤리타 콤플렉스의 혼성어로서 그래픽 애니메이션에 등장하는 미소녀를 향한 집착을 나타낸다. 그러나 대지진, 쓰나미, 원자력 발전소 사고가 일본의 도호쿠 지역을 강타한 2011년 이후, 미스터는 아르테 포베라에서 영감받은 그의 초기작처럼 투박하고 추상적인 회화 배경 위에 색이 밝고 간결한 선으로 그린 귀여운 캐릭터를 병치시키며 붕괴라는 주제를 탐구하기 시작한다. 2012년 리만머핀과 2015년 시애틀 미술관이 개최한 그의 전시에서 미스터는 일본의 생활 쓰레기와 일상용품으로 제작한 대규모 몰입형 설치 작품을 선보이며 2011년 도호쿠를 뒤덮은 지진 잔해를 다시 한번 상기시켰다. 비록 재난의 현장으로부터 멀리 떨어져 있더라도 관객은 작품과 직접 상호작용을 하며 일본 사회의 심리를 체감할 수 있다. 미스터는 이러한 정서를 환기하기 위해 캔버스를 뭉개고, 찢고, 그슬리며 질감을 더하고, 거친 표면 위에 반짝이는 눈으로 순진한 얼굴을 한 만화 인물을 그려 넣어 미묘한 분위기를 연출한다.

Tony Oursler (b. 1957, New York, NY; lives and works in New York, NY) is best known for his innovative integration of video, sculpture, performance and installation. A pioneering figure in new media since the 1970s, Oursler has since explored diverse methods of exploring popular culture, historical and sub-cultural themes while incorporating the moving image into his practice, breaking video art out of the two-dimensional screen to create immersive environments with the use of light sound and projections. In 2000, Oursler began a series of large scale outdoor projection projects which incorporate landscape, water, smoke, trees, architecture, performative and sculptural elements; some are permanently installed. His sculptures, wall works and installations present a rich visual multimedia experience which often incorporates cultural references and information that seeks to actively engage the viewer. His artworks often employ poetics and humor to explore a wide range of subjects such as belief systems, facial recognition, superstition, conspiracy theories, UFOs and the role technology plays in altering, inhibiting, and expanding social behavior.

Oursler received a B.F.A. from the California Institute of the Arts in 1979. Solo exhibitions of his work have been organized at Kunst Museum Winterthur, Winterthur, Switzerland (forthcoming, 2025); Boca Raton Museum of Art, Boca Raton, FL (2024); SCAI PIRAMIDE, Tokyo, Japan (2024); Photo Elysée, Lausanne, Switzerland (2022); K11 Musea, Hong Kong (2021); Kunstraum Dornbirn, Dornbirn, Austria (2021); Kaohsiung Museum of Fine Arts, Kaohsiung City, Taiwan (2021); Musée d’Arts de Nantes, Nantes, France (2020); Nanging Eye Pedestrian Bridge, Nanjing, China (2019); Public Art Fund, New York, NY (2018); The Museum of Modern Art, New York, NY (2016); LUMA Foundation, Arles, France (2015); Stedelijk Museum, Amsterdam, the Netherlands (2014); Tate Modern, London, United Kingdom (2013); Museu de Arte Moderna, São Paulo, Brazil (2013); Pinchuk Art Centre, Kiev, Ukraine (2013); Art Sonje Center, Seoul, South Korea (2012); ARoS Aarhus Kunstmuseum, Aarhus, Denmark (2012); and Jeu de Paume, Paris, France, traveling to the DA2 Domus Artium, Salamanca, Spain, and the Kunstforeningen, Copenhagen, Denmark (2005), among numerous others.

알렉스 프레거(1979년 미국 캘리포니아주 로스앤젤레스 출생)는 로스앤젤레스를 기반으로 활동하는 예술가이자 영화 제작자 및 각본가이다. 작가는 현실과 가공의 경계를 흐리게 하는 친숙하지만 낯선 이미지 및 영상으로 인간의 조건을 탐구하는 것으로 잘 알려져 있다. 지난 20여 년간 프레거는 필름 누아르, 테크니컬러 같은 황금기 시대의 영화 제작 기술과 고전 신화, 그리고 네덜란드 르네상스 화가인 히에로니무스 보쉬(Hieronymus Bosch)와 피터르 브뤼헐(Pieter Brugel)의 알레고리 회화 작품을 토대로 특유의 스타일을 구축했다. 그 결과 대규모를 띠는 작업이 작가를 대표하는 작업 형태가 되었다.

영화, 사진, 조각을 넘나들며 전방위적 작업을 수행해 온 프레거는 조작된 기억이나 꿈처럼 느껴지는 고도로 감정적인 순간을 연출한다. 작가는 특유의 테크니컬러 화면에 전형적이거나 일상적인 사물을 병치하고, 거기에 유머와 알레고리를 더하는 독특한 방식으로 복잡하고 어두운 주제에 접근한다. 특히 그는 집단과 개인의 정체성, 기술이 사회에 가하는 영향 등 실존적 문제에 주목한다. 알프레드 히치콕(Alfred Hitchcock), 에드워드 호퍼(Edward Hopper), 피필로티 리스트(Pipilotti Rist), 아우구스트 잔더(August Sanders), 빌 비올라(Bill Viola) 등 인간 심리를 깊이 사유한 여러 예술가와 마찬가지로 프레거 또한 작품을 통해 평범함 속에 깃든 비범함을 드러내며 인간 경험에 대한 성찰의 장으로 보는 이를 초대한다.

With his research-based and socially engaged practice, Robin Rhode (b. 1976, Cape Town, South Africa; lives and works in Berlin, Germany) engages the urban landscape to create complex, symbolically rich narratives that disrupt and transform their environments.

The artist is best known for his multi-panel works that deftly combine photography, performance, wall painting, and drawing. Negotiating the urban landscape, these photographs often depict silhouetted figures interacting with carefully composed wall paintings that the artist paints in public spaces, most often in the city of Johannesburg. In each succession of photographs, the choreographed movements of the individual or group appear to alter the two-dimensional renderings, compressing space and time and morphing the urban landscape into a fictional storyboard. Using the medium of photography to capture his painted and performative actions, Rhode disrupts the fixity of the wall, rendering it a mobile substrate that can be transported into a variety of contexts.

데이비드 살레(1952년 미국 오클라호마주 노먼 출생, 현재 뉴욕에서 거주 및 작업)는 캘리포니아 예술대학에서 1973년 학사와 1975년 석사 학위를 받았다. 작가는 영향력 있는 픽처스 제너레이션(Pictures Generation)의 일원으로, 대중문화나 상업 광고에서 차용한 이미지를 직접 관찰해 그린 이미지 및 다양한 미술사적 레퍼런스와 재조합하여 자신만의 독특한 회화 언어를 구축해왔다. 정교하고도 직관적인 구도 배치가 특징적인 그의 작품은 익숙하거나 낯선 주제 간의 새로운 연관성 및 관계를 제시하며 열린 해석을 불러일으킨다. 작가는 그의 다층적 회화 작업에서 주제 자체를 전면에 드러내는 대신 즉각적인 형식적 울림과 작품을 보는 다양한 진입점을 선사하는 방식을 택한다. 이로써 보는 이로 하여금 시선이 화면 전체에 고르게 머물며 면밀히 관찰하고 오랜 시간 관조하도록 유도한다.

살레의 주요 개인전은 리만머핀 서울(2021), 홍콩(2016)과 뉴욕(2002)을 비롯하여 미국 코네티컷주 그리니치의 브랜트 재단(2021), 뉴욕 스카스테트(2021), 프랑스 파리의 타데우스 로팍(2020), 스페인 마드리드의 갤러리 하비에르 로페즈 & 페르 프란체스(2019), 영국 런던의 스카스테트(2019), 스페인 말라가 현대미술센터(2016), 미국 텍사스주 댈러스 컨템포러리(2015), 일리노이주 시카고 아트클럽(2013), 뉴욕 메트로폴리탄 오페라하우스(2012), 멕시코 몬테레이 현대미술관(2000), 오스트리아 빈 루드비히 현대미술관(2000), 이탈리아 토리노 카스텔로 디 리볼리 현대미술관(2000), 네덜란드 암스테르담 시립미술관(1999), 스페인 빌바오 구겐하임 미술관(1999) 등에서 개최되었다. 그의 작품은 다수의 그룹전에도 소개되었다. 대표 전시로는 뉴욕 힐 아트 재단의 《Beautiful, Vivid, Self-contained》(2023), 뉴욕주 워터밀 소재 패리시 미술관의 《Every Picture Tells a Story》(2018), 뉴욕 메트로폴리탄 미술관의 《Before/On/After: William Wegman and California Conceptualism》(2018), 스위스 제네바 현대미술관의 《Zeitgeist》(2017), 뉴욕 휘트니 미술관의 《Fast Forward: Paintings from the 1980s》(2017), 앨라배마주 버밍엄 미술관의 《Third Space/Shifting Conversations About Contemporary Art》(2017), 패리시 미술관의 《Unfinished Business: Paintings from the 1970s and 1980s by Ross Bleckner, Eric Fischl, and David Salle》(2016), 휘트니 미술관의 《America is Hard to See》(2015), 시카고 현대미술관, 미네소타주 미니애폴리스 워커아트센터, 매사추세츠주 보스턴 현대미술관을 순회한 《This Will Have Been: Art, Love & Politics in the 1980s》(2012), 메트로폴리탄 미술관의 《Pictures Generation》(2009) 등이 있다.

Jennifer Steinkamp (b. 1958, Denver, CO; lives and works in Los Angeles, CA) is a pioneer in the field of 3-D animation. Working exclusively in digital media, she uses cutting-edge technology to render organic and abstract forms in motion to give deeper insight into the often-unseen complexities of the natural environment in relation to human perception. Her immersive installations are projected at a large scale in response to the architecture in which they appear and alter the viewer’s typical experience of an art object, inviting a more sensorial understanding of our relation to space and time. For each series, Steinkamp designs and digitally simulates the movement of organic and abstract forms such as trees, flowers, floating fabrics, asteroids, organisms, and fruit. Her work is an examination of the natural environment that engages with art historical genres such as 16th century Dutch still-life painting, science fiction, scientific illustrations and political subjects.

Steinkamp’s works are displayed as site-specific projections that amplify their architectural setting by blurring the boundary between real and illusionistic space. These animated environments often have underlying personal or historical significance. For example, with three of her tree animations, shown in every season, Steinkamp titles each as an homage to a former teacher, such as Miss Znerold, Judy Crook or Mike Kelley. Other series, like Still-Life, are a critical nod to the 16th century genre of Dutch and Flemish still-life painting that offered visual allegories about the fragility of life and the passage of time. Composed through the careful orientation of everyday objects such as food, flowers, dead animals, and plants, these historical works were often notable for their static quality and macabre representation of death. In Steinkamp’s re-imagination of the still life, she animates this genre through the representation of (female) fruit bearing plants that move and collide, she is fascinated by the incorporeal in nature and science. If anything, this is a consistent current in her artwork. There is so much more in the universe than what we sense and feel; She believes we are surrounded by sentience in all lifeforms. She uses the tangible invisible forces in air and the uncanny forms and motion of plants to communicate this.

서도호(1962년 대한민국 서울 출생, 현재 영국 런던에서 거주 및 작업)는 다양한 매체를 넘나들며 집, 물리적 공간, 감정의 전이, 기억, 개인성 및 집합성의 문제에 의문을 제기하는 조각, 드로잉, 영상 작업을 한다. 작가는 한국, 로드아일랜드, 베를린, 런던, 뉴욕에서 거주했던 집의 표면을 재구성한 직물 조각으로 잘 알려져 있다. 물리적·은유적 공간의 유연성에 천착해 온 작가는 신체가 공간과 관계를 맺고 그 안에 거주하며 상호작용하는 방식을 탐구한다. 특히 그는 가정의 실내 공간과 집의 개념이 특정한 장소와 형태, 역사를 지닌 건축물을 통해 명료화되는 과정에 주목한다. 작가에게 있어 우리가 거주하는 공간은 심리적 에너지를 담고 있으며, 작품을 통해 그는 지리적 장소와는 무관한 기억, 개인적 경험, 안정감 등의 지표를 가시화한다.

서도호는 1994년 로드아일랜드 디자인스쿨에서 회화 전공으로 학사 학위를, 1997년 예일대학교에서 조각 전공으로 석사 학위를 받았다. 작가의 주요 개인전은 리만머핀 뉴욕, 런던, 홍콩, 팜비치를 비롯하여 호주 시드니 현대미술관(2022), 서울시립 북서울미술관(2022), 영국 런던 블룸버그 스페이스(2021), 미국 캘리포니아주 로스앤젤레스 카운티 미술관(2019), 런던 빅토리아 앤 알버트 박물관(2019), 네덜란드 바세나르 보르린덴 박물관(2018), 덴마크 아로스 오르후스 미술관(2018), 미국 워싱턴 D.C. 스미소니언 박물관(2018), 일본 토와다 현대미술관(2018), 캘리포니아주 스탠퍼드 대학교 캔터 아트 센터(2018), 스웨덴 우메오 빌드무셋(2018), 미국 위스콘신주 매디슨 현대미술관(2017), 콜롬비아 보고타 NC-arte(2016), 캘리포니아주 샌디에이고 현대미술관(2016), 미국 오하이오주 신시내티 현대미술관(2016), 싱가포르 타일러 프린트 인스티튜트(2015), 미국 오하이오주 클리블랜드 현대미술관(2015), 일본 도쿄 모리 미술관(2015), 영국 브리스톨 박물관(2015), 미국 텍사스주 더 컨템포러리 오스틴(2014), 서울 국립현대미술관(2013), 일본 가나자와 21세기 현대미술관(2012-2013), 일본 히로시마시 현대미술관(2012), 캘리포니아주 UC 샌디에이고 스튜어트 컬렉션(2012), 서울 리움미술관(2012), 런던 테이트모던(2011) 등에서 개최되었다.

자메이카의 세인트 앤드루에서 태어나 현재 뉴욕에서 거주하며 작업하고 있는 나리 워드는 명성 높은 예술가로서 그의 경력을 30년 넘게 이어나가고 있다. 다양한 매체와 분야를 오가는 그의 창작 과정은 인종, 이민, 민주주의, 정체성, 그리고 공동체와 같은 주제를 다루며 역사와 동시대의 담론을 형성해내고 있다. 몇 년 동안 할렘에 머무르면서 수집한 재료로 구현해 낸 그의 조소 작업은 벽 또는 바닥에 설치되어 워드의 작품세계를 대표하고 있는데, 특히 워드가 재발견한 사물은 그의 작업에 친밀감을 불어넣으며 집단이 공유하는 경험을 상기시킨다. 재료를 결합하고 재해석한 워드의 아상블라주는 사물의 의미를 문학적이고 은유적으로 병치하여 영적, 그리고 개념적인 주제를 탐색한다.

이처럼 고유한 사물을 통해 모호한 개념을 이야기하는 워드의 다중매체, 그리고 퍼포먼스 작업은 재료와 동작, 그리고 기표 간의 체계를 재정립하여 작품의 무궁무진한 해석 가능성을 모색하고 있다. 야구 방망이, 유모차, 신발 끈, 계산대, 병, 그리고 쇼핑 카트처럼 각각의 사물은 여러 겹의 의미와 역사를 내포하여 개인적이지만 집단적인 기억을 동시에 어루만지고 있다. 일상에서 접하는 물건을 회화, 조소, 그리고 퍼포먼스처럼 고전적인 기법으로 풀어내어 독창적인 조화와 질서를 꾀하는 워드는 관객으로 하여금 특정한 맥락에서 벗어나 스스로 작품을 해석하도록 독려한다. 또한, 동시대 사회의 표상으로서 그의 작업은 쉽게 지나친 사물들을 다시 찾아내어 소외된 개개인과 잊힌 역사를 조명한다.

에르빈 부름(1954년 오스트리아 브루크안데어무어/스티리아 출생, 현재 빈과 림베르그에 거주 및 작업)은 1996-97년경부터 시작한 참여형 연작 <1분 조각 One Minute Sculpture>을 통해 국제적인 명성을 얻었다. 작품에서 참여자들은 작가가 제공한 서면 혹은 그림 형식의 설명에 따라 의자, 양동이, 과일, 스웨터 같은 일상 속 물건들을 이용하여 행위하거나 자세를 취한다. 작품에서 찰나적 본질을 지닌 행위는 사진과 결합되는데, 이로써 작가는 일상과 퍼포먼스, 관람자와 참여자 간의 경계를 무너뜨리고 조각의 형식적 본질에 의문을 제기한다. 부름이 <1분 조각>에서 조각으로서 행위하는 신체의 가능성을 모색했다면, 이후 작업에서 그는 뒤틀린 소시지를 브론즈로 주조한 <추상 조각 Abstract Sculptures>이나 차의 형태를 부풀리거나 일그러뜨린 <팻 카 Fat Car>와 같이 일상에서 흔히 접하는 오브제를 불안정한 방식으로 의인화한다. 에르빈 부름은 체중을 증량하고 감축하는 물리적 행동을 조각적 제스처로 인식하여 신체적 팽창과 수축의 환영을 작품 속에 드러낸다. 작가의 작업에 있어 유머는 중요한 도구이지만, 그 이면에는 언제나 현대 문화에 대한 날카로운 비판이 내재해 있다. 특히 그의 작업은 자본주의가 미치는 영향과 그에 따른 사회적 압력을 주로 논하는데, 이는 작가의 내적 이상과 상반된 가치이다. 부름은 상위와 하위 영역의 경계에서 작업하며 이와 같은 이분법적 구도를 강조하고, 장르를 병합함으로써 작가의 관점에서 희화화된 가상 현실을 탐구한다.

에르빈 부름은 1977년 오스트리아 그라츠 대학교를 졸업한 후, 1982년 오스트리아 빈 응용미술대학교와 미술아카데미에서 조형학을 전공했다. 작가의 주요 개인전은 최근 개최된 이스라엘 텔아비브 미술관(2023)을 비롯하여 수원시립미술관(2022), 슬로바키아 브라티슬라바 시립미술관(2022), 세르비아 베오그라드 현대미술관(2022), 네덜란드 오스 얀 쿠넨 박물관(2022), 이탈리아 베네치아의 국립 마르차나 도서관(2022), 오스트리아 하르트베르그 박물관(2021), 중국 톈진 K11 아뜰리에(2021), 대만 타이페이 시립미술관(2020), 오스트리아 도른비른 미술관(2020), 캐나다 밴쿠버 아트 갤러리(2019), 프랑스 마르세유의 비에유 샤리테(2019), 홍콩 K11 뮤제아(2019), 프랑스 마르세유 현대미술관(2019), 오스트리아 빈 알베르티나 박물관(2018), 헝가리 부다페스트 루드비히 미술관(2018), 스위스 루체른 미술관(2018), 미국 뉴욕 퍼블릭 아트 펀드(2018), 서울 현대카드 스토리지(2018), 독일 뒤스부르크 퀴퍼스뮐레 현대미술관(2017), 독일 베를린 주립 현대미술관(2017), 미국 인디애나주 인디애나폴리스 미술관(2015), 폴란드 크라쿠프 현대미술관(2013), 스페인 말라가 현대미술센터(2012), 미국 텍사스주 댈러스 컨템포러리(2012) 등에서 개최되었다.